Suprematismus
Suprematismus byl dalším jedinečným ruským uměleckým hnutím, které začalo společně s konstruktivismem. Zaměření a důraz byl kladen na objeti abstrakce povoleno obrazy na plátně a Suprematism byl první avant gardy hnutí realizovat geometrické abstrakce v malířství., Kazimir Malevich je považován za svého zakladatele a byl to on, spolu se svými současníky, který pomohl podpořit myšlenku, že umění by mělo být vráceno zpět k jeho základům. To vysvětlovalo jejich odhodlání k čisté geometrické abstrakci a častému zaměstnávání základních tvarů, jako jsou čtverce, trojúhelníky a kruhy, stejně jako primární a neutrální barvy. Právě Malevičův obraz bílá na bílém ztělesňoval hnutí, které bylo úzce spjato, podobně jako konstruktivismus, s revolucí., Důležitý aspekt suprematismu se značně lišil konstruktivismu, protože hnutí bylo úzce spojeno se spiritualitou a mystikou, která přidala k síle abstrakce. V roce 1927 vydal Malevich svou knihu Non-Objective World, která se stala jedním z nejdůležitějších teoretických dokumentů o abstraktním umění. V něm malíř vysvětlil roli abstrakce ve svých obrazech jako média k „volnému umění z mrtvé váhy skutečného světa“.
Futurismus
Futurismus byl umělecké a sociální hnutí, která vznikla v Itálii na počátku 20. století, ale tam byly paralelní pohyby v ruštině a Anglie stejně. Akcentovala rychlost, technologie, mládí a násilí. Přijímání změn a propojení člověka ke strojům a naopak, s důrazem na násilí a technologické vítězství lidstva nad přírodou, tento avantgardní hnutí je jedním z nejvíce kontroverzní hnutí Modernistické éry., Vyřazení tradičních uměleckých a kulturních forem minulosti v centru futuristické platformy bylo ve skutečnosti podporou války. Futurismus, vytvořil v roce 1909 manifest Filippo Marinetti, není omezen pouze na jednu uměleckou formu, ale jeho umělců, pracoval v celé řadě různých uměleckých disciplín jako socha, keramika, grafický design, divadlo, film, textilu, literatury a hudby. Častými tématy umělce byly auta, vlaky, zvířata, tanečníci a velké davy., Vypůjčení průsečíku rovin z kubismu, živé a expresivní barvy, spolu s dynamickým tahem štětce z fauvismu, umění produkovalo oslavené ctnosti rychlosti. Jak byla realizována devastace první světové války, futurismus ztratil svou páru.
Kubismus
To je, ve skutečnosti, Analytický Kubismus, který je považován za nejvíce intelektuální ze všech avantgardního hnutí., Odmítnutí konvenční myšlenky lineární perspektivy ve prospěch důrazu na dvourozměrnou obrazovou rovinu šokovalo umělecké akademie Evropy. Vyřazení úmluv z minulosti, které podporoval mimikry přírody a vysoce postavené realismus, Kubistů zvýrazněné ploché rozměrů plátna povrchu a jeho jednoty s líčil scénu, pomoci připravit cestu pro non-representational art. Jako jedno z nejznámějších hnutí modernistické éry se Kubismus spojil se dvěma hlavními postavami, Pablem Picassem a Georgesem Braquem., Byly to jejich experimenty, které pomohly přetvořit tradiční chápání umění a změnit jeho průběh.
aby bylo hnutí považováno za skutečně avantgardní hnutí, nese s sebou důsledek, že musí otřásat jádrem současného stavu. Jako nejsilnější protest umění, platnost nového umění, které přichází, musí třást všechny náchylní estetické a koncepční představy o tom, co umění je a co musí udělat., Výše zmíněná hnutí pomohla utvářet zbytek raného moderního umění a jejich myšlenky se pohybovaly způsobem dominového efektu formujícího odkaz umění. Zmíněné avantgardní hnutí dlužíme narození později 20. století Moderní Umění nápady, jako je Surrealismus, Pop-Art, Minimalismus a Konceptuální Umění, Happeningy a Performance, jehož vliv na moderní umění dnes jsme všichni svědky.
podívejte se na další díla Pabla Picassa na našem trhu!,
Avant-garde v Hudby, Divadla a Fotografie
historický funkce avantgardy byl na kompletní vymezení a následná emancipace umění, které začal v osmnácti.století. Koncept neoddělitelný od pokroku, avantgarda požadovala revoluci a předefinování umění., Zpochybňovat každý konvent, pravidlo a estetický nápad, který by mohli identifikovat, tito umělci se chtěli podívat za umělecká díla a položit otázku o roli umění ve výstavbě jiného světa. Souhlasili s tím, že minulost by měla být roztrhaná a kulturní hodiny vynulovány na nulu, tito umělci navrhli různé kombinace nových a starých médií, jako je výkon, politická angažovanost a metafyzika. Jako nejradikálnější a nejambicióznější ze všech hnutí byla Dada nejprve zpochybněna pojmem umění., S Duchamp úvod hotový, pojem umění se stala neoddělitelné od otázky, co je umění. Jak se pohyboval, tento koncept se začal dostávat do různých oblastí, jako je výtvarné umění, hudba, fotografie a Divadlo.
Na Počátku Avantgardní Hudby
italský Futurismus se vyrábí několik skladatelů a manifesty, ale seminární práci byl Luigi Russolo je Umění Zvuky, kde se množí použití průmyslové a vojenské zvuky představit nový druh hudby. Postavil hlukové stroje tje, které replikovaly rachot průmyslového věku a rozmach války, ale žádný z těchto nástrojů a návrhů nepřežil., Tato strojová hudba měla silný vliv na řadu skladatelů té doby, stejně jako na ty současné. Přesto až do konce 40. let byl termín avantgarda konečně připojen k hudbě prostřednictvím díla skladatelů spojených s letní školou v Darmstadtu.
současně ve Spojených státech měl John Cage, který se považoval za experimentálního umělce, revoluční vizi. Ve svém notoricky známém díle 4 ‚ 33 “ z roku 1952 poprvé představil ticho jako zvuk zpochybňující představu o tom, co je hudba., Tato „kompozice“ se skládala ze 4 minut a 33 sekund ticha a byla spíše filozofickým prohlášením než hudebním dílem. Během své praxe Cage propagoval změněné nástroje, zvuky přírody, nalezené zvuky, pohyby umělce a publika, náhodné zvuky do stavu hudby. Nejprve také představil koncepty neurčitosti a náhodnosti do hraní a vytvořil takzvanou aleatorickou hudbu., Navíc vytvořil koncept připraveného klavíru, klavíru, který byl změněn vložením různých objektů do zvukové desky nebo mezi struny, aby ovlivnil zvuk.
John Cage 4’33“, hrál David Tudor
Počátky Elektronické Hudby
konec druhé Světové Války přinesl další období hudební revoluce, která byla založena na nejradikálnější myšlenky z předchozích desetiletí a čerstvé technologie, které se začaly objevovat. V roce 1948 vytvořil Pierre Schaeffer v Paříži laboratoř pro musique concrete, aby prozkoumal teorie Luigiho Russola., S touto hudební formou, která byla typem elektronické hudby používající recordnigs, Schaeffer průkopníkem našel zvuky. Nejznámějším příkladem tohoto žánru byl Poème électronique od Edgarda Varèse, který hrál 400 reproduktorů. Karlheinz Stockhausen významně přispěl k popularizaci všech hlavních technik elektronické hudby. Experimentoval s elektronikou, hlasem, páskou a různými vzorky a zajímal se o to, jak se zvuk pohybuje prostorem. V roce 1958 navíc propagoval subgenry elektroakustické komorní hudby a v roce 1964 živou elektronickou hudbu., Vzestup minimalismu nevynechal hudbu jako formu. Minimalističtí skladatelé jako Steve Reich, Terry Riley, Phillip Glass nebo La Monte Young skládali hudbu pomocí jednoduchých akordů a opakujících se rytmických vzorů. S proliferujícími se novými formami hudby a různými centry pro otevření avantgardní hudby přestala být výhradou slavných skladatelů a stala se relativně běžným jevem.
Edgar Varèse-Poème électronique
avantgardní Jazz
koncept avantgardy byl také aplikován na radikální vývoj v černém americkém jazzu v letech 1950 až 1960., Usilující o technické inovace a emocionální vyjádření byl avantgardní jazz jedinečným hybridem, který kombinoval rozšířenou techniku, originalitu a genialitu s improvizačními dovednostmi. Původně synonymem volného jazzu, velká část avantgardního jazzu byla odlišná od tohoto stylu. Jako jednoznačně černá artform, avant garde jazz objevily během koloniální války, povolání, Studená Válka a boj za rasovou a genderovou rovnost, a v důsledku těchto podmínek se odráží nejistotu a úzkost a slaví plebejce a absurdní., Rozostření rozdělení mezi psaným a spontánním avantgardním jazzem bylo prodchnuto formální složitostí a emocionální přímostí. Avantgardní jazz se však od ostatních avantgard odlišoval svými nároky na umění, nikoli odmítnutím.
Vznik Fotografie Jako Médium
vzestup fotografie v 19. století vytvořil zcela nový jazyk pro zachycení lidské podoby a svět kolem nás., Nejprve začíná jako portrétní fotografie ve fotografických studiích, relativně nízké náklady na daguerrotypii vedly k obecnému nárůstu popularity portrétní fotografie nad malovaným portrétem. Fotografování jako médium bylo samo o sobě pravděpodobně avantgardou, protože pořizování portrétu již nebylo výsadou velmi bohatých. Koncem devatenáctého století mnoho fotografů odmítlo tradiční nastavení a začalo rozšiřovat žánr obrazové fotografie a propagovat ji na vysoké umění., To, co začalo jako jednoduchý nástroj pro dokumentaci, se stalo skutečným uměleckým médiem samo o sobě. Když se první jednoduché-k-použití, malý formát kamery dosáhl ulicích, fotografie byla zcela demokratizovat a revoluci jako prostředek s různými avantgardní přístupy, které výrazně ovlivnilo vizuální kultury.
Avantgardní Fotografie
S nevýslovné expresivní sílu a stává se nástrojem moderního vědomí, že došlo po první Světové Válce, mnoho avantgardní umělci se obrátil k fotografování zachytit duši moderní průmyslové společnosti., Během 1920s a 30s, různé netradiční formy a techniky, jako jsou abstraktní fotogramy nebo fotomontáže začal se objevit. Různé umělci experimentoval s tímto mocným podobě, včetně László Moholy-Nagy, který je nyní považován za otce avantgardní fotografie, August Sander a Albert Renger-Patzsch.
avantgardní fotografie ve Francii, jejíž kapitál sloužil jako nezpochybnitelné centrum mezinárodní avantgardy, byla zakořeněna v surrealismu, který obhajoval sociální transformaci odmítáním buržoazních hodnot a konvencí., Surrealistické fotografy používané techniky, jako je dvojitá expozice, kombinace tisku a obrátil tonality vytvořit snímky, které stírá hranice mezi snem a realitou. Ruští umělci El Lissitzky a Alexander Rodchenko, vyrobené použití různých technik, které sloužily k prolomení konvencí vnímání a vizuální reprezentace, jako jsou extrémní close-up, naklonil obzory nebo abstrahované formy.
toto období mezi oběma válkami bylo jistě jedním z nejbohatších fotografických dějin a posunulo toto médium nad své předchozí hranice., Díla avantgardní fotografové jako Man Ray, Eugene Atget, André Kertész, Claude Cahun nebo Henri Cartier-Bresson, poskytnout pohled do tohoto nesmírně produktivní a tvůrčí období., S Atget je neskutečný městských panoramat, které byly prodchnuté s elegickým neklid a podivné uncanniness, Kertész průkopnické kompozice, Ray formální pokusy o transplantace, Cahun výslech a destabilizaci zavedených modelů genderové identity, Cartier-Bresson je horlivý citlivost a zhodnocení současné době, to kreativní a avantgardní přístup v předválečném období se změnilo fotografie navždy.
Narození avantgardního Divadla
Podobné jako u jiných forem avantgardní, experimentální nebo avantgardní divadlo se objevil jako reakce na vnímané obecné kulturní krize a odmítl i věku a dominantní způsoby psaní a produkci hraje. Zřeknutí se buržoazních hodnot a konvencí se tento nový koncept pokusil zavést jinou aplikaci jazyka a těla, aby změnil vnímání a vytvořil aktivnější vztah s publikem., To začalo v roce 1896 se Alfred Jarry a jeho Ubu Roi hrát, že převrátil kulturní pravidla, normy a konvence v přírodě, bizarní a komické způsobem. Tento kus měl revoluční význam, protože otevřel dveře modernismu 20. století a ovlivnil Dada, surrealismus a divadlo absurdního.
tradičně vnímána jako pasivní pozorovatelé, role publika byla nejprve zpochybněna vzestupem avantgardy., Publikum zapojen v mnoha různými způsoby, jako je účast na akci na vysoce praktické úrovni, nebo byl vyzván, aby se cítit určitým způsobem, s cílem změnit jejich postoje, hodnoty a přesvědčení. Slavný režisér Peter Brook popsal tento cíl jako “ nezbytné divadlo, ve kterém existuje jen praktický rozdíl mezi hercem a publikem, nikoli základní. Avantgarda se také zaměřila na změnu společenské tváře divadla, přičemž umělci se stali kulturními aktivisty svého druhu., To byl případ didaktického divadla agit-prop, jehož cílem bylo učinit určité morální nebo politické prohlášení a zpochybnit hodnoty a přesvědčení publika. Avantgarda také zpochybnila a odmítla tradiční hierarchickou metodu tvorby divadla. S účinkujícími, kteří mají větší interpretační svobodu, byli povýšeni na kreativní umělce samy o sobě. Navíc byly změněny tradiční konvence prostoru, pohybu, nálady, napětí, jazyka a symboliky.
francouzské a ruské Avantgardní Divadlo
avantgardní divadlo ve Francii byl výrazně poznamenán Dada a Surrealismu. Dadaisté si přivlastnili několik estetických principů pro tvorbu dramatu od futuristů, jako je použití simultánní akce a antagonistický vztah k publiku. Produkce plynového srdce Tristana Tzary byla sama o sobě formou anarchie proti umění a konkrétně divadlu a vyústila v boj mezi jeho příznivci a kritiky., Zavedení Surrealismu André Breton v roce 1924, který měl zlomené s Dada dva roky dříve, znamenal smrt Dada jako a vlivný avantgardní hnutí. Surrealismus byl hlavní silou experimentálního psaní a nejslavnější divadelní díla byla díla Antonina Artauda a Gillaume Apollinaire. Artaudova hra Mysteries of Love z roku 1927 byla první hrou, která uplatnila surrealistickou techniku automatického psaní. Dva milenci ve hře neustále mění svůj vztah a komunikují s různými dalšími postavami, jejichž identita se posunula.,
mezitím se v Rusku divadlo stalo ohniskem experimentování a silným prostředkem revoluční propagandy. S libreto v experimentální ‚zaumný jazyk‘ jazyk, kombinace prvotní Slovanské matka-jazyk smíchaný s ptačí zpěv a vesmírného projevu, a kostýmy se skládala z černobílých trojúhelníků a čtverců, svět je první ‚futuristickou operu Vítězství Slunce v roce 1913 vyvolala pobouření u publika. Kostýmním návrhářem byl mladý Kazimir Malevich, který nejprve začal experimentovat v divadle, než vyvinul a formuloval svou uměleckou vizi a nápady., Divadlo bylo přeměněno z místa naturalismu a emocí na plnohodnotnou pouťovou podívanou. Umělci jako Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin, Alexandra Exter, a Lyubov Popova vytvořil radikální a pobuřující kulisy a kostýmy pro futuristickou éru, která inspirovala Fritz Lang, a dokonce i Flash Gordon. Vsevolod Meyerhold, jeden z nejvíce nadšených aktivistů nového sovětského divadla, prosazoval tělesné vyjádření v herectví a položil základy moderního fyzického divadla. V těchto bouřlivých letech vzniklo nepřeberné množství uměleckých stylů., Jak Mayakovsky později napsal, “ divadlo není zrcadlo, ale lupa.‘
Absurdní Divadlo
v Průběhu let mezi dvěma válkami avantgardní divadlo bylo kvetoucí a různé avantgardní divadlo pohyby objevily., Inspirován tyto divadelní experimenty v první polovině století a hrůzy druhé Světové Války, do Pařížské avantgardy, Nové Divadlo zcela odmítl tradiční divadlo nastavení, postavy, zápletky a inscenace. Označovány jako divadelní kritik Martin Esslin jako Absurdní Divadlo, se jednalo o pověstný hrát spisovatelů, jako jsou Eugene Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet, Arthur Adamov a Fernando Arrabal., Po Alberta Camuse filozofii, že lidské situace je v podstatě absurdní a postrádající účel, tito autoři vytvořili absurdní výmysl, který dal jméno tohoto stylu kina, který se vyvinul z jejich práce. Tyto hry byly prodchnuty pesimistickou vizí lidstva, která zůstala beznadějná, zmatená a úzkostlivá. Některé z nejslavnějších divadelních kusů z tohoto období jsou Beckettové Wainting na Godota, Ionesco je Plešatý Soprán, Genet je Služky, Harold Pinter Místnosti a Albee Kdo se Bojí Virginie Wolfové., Odkaz a ozvěny divadla absurdního lze vidět v mnoha pozdějších dílech dramatiků.
Avant-Garde Dnes
Podle všeho, co řekl o naší historii, avant-garde by měl být dopředu jeho času. Logika tedy říká, že lidé potřebují nějaký čas, aby si uvědomili, že někdo byl „před svým časem“, jinak by avantgarda nebyla v první řadě předvojem., V době vzniku většiny historických hnutí to byl také způsob, jak se postavit konvenčnímu způsobu pohledu na umění a zpochybnit akademický přístup k němu. Ale teď, že akademie je vědom historických avantgardních hnutí, a to strany s současného umění, stejně, jak můžeme rozeznat skutečnou progresivitu?,
Proč Avant Garde Definice je Tak Složitý, Dnes
Současné umění zažívá nejlepší časy a nejhorší časy. To předchází obrovské množství významných pohybů a informoval o otázky, které již byly vyřešeny, který by mohl být považován za přínos, nebo se ukáže být limitující handicap. Někteří jsou stále znepokojeni skutečností, že umění je těžké definovat a obviňovat avantgardu., A i když tyto komentáře jsou často mimo bod, nebylo by na škodu přehodnotit odkaz, který nám avantgardní hnutí zanechalo. Ano, dalo nám to hodně vděčný za to, že nám poskytuje milion různých způsobů, jak přistupovat k umění, nejen jako tradiční podobě, ale také jako readymade, shromáždění, performance, happening, akt, dokument, instalace, znáte to. Ale na druhou stranu, ne všichni, občas, zažít nepříjemný pocit života ve světě, kde už bylo všechno řečeno a uděláno, přemýšlel, co teď?,
Pseudo-Samostatnost Současného Umění
Tady je další věc, která dělá věci „současné avantgardě“ obtížné řešit, a to je převaha kritiky, kteří obvykle za cíl interpretovat umění v jejich vlastním způsobem a prezentovat některá umělecká díla, jako něco, co v podstatě nejsou., V důsledku toho se stává, že v nedostatku slov poskytovaných samotnými umělci se umění snadno změní v poddajnou záležitost, která mění tvar při přechodu z jedné interpretace do druhé. Na druhou stranu, většina avantgardních hnutí měla manifest vysvětlující jejich sentiment, ať už otevřeně nebo implicitně. Dnes nejsme tak zvyklí na to, že umělci jsou jejich vlastními „kurátory“, nebo dokonce tvoří skupiny a hnutí. Předpokládané umělecké hnutí nebo sjednocující leitmotiv, který sdružuje skupinu, je obvykle přizpůsobeno někomu jinému.,
Být v Pohodě vs Je Avant-Garde – YBAs
rozpoznat avant-garde v dnešním umění znamená riskovat, že prohlašovat něco, co musí být relevantní pro budoucnost, nejlépe reformační, i osvětlovací., V naší nedávné minulosti se zdálo, že několik takzvaných hnutí mělo v úmyslu dosáhnout těchto cílů, ale stále není jisté, zda jejich kolektivní energie byla avantgardní, nebo prostě trendy. Stejně jako se to stalo v naší dávné minulosti, stalo se tak i v naší nedávné minulosti – většina významných objevů začíná jedinou výstavou. Mnozí by souhlasili s tím, že Freeze, který vedl Damien Hirst v roce 1988, znamenal zlom v kariéře umělců, jejichž jména se později spojila s mladými britskými umělci., YBAs se stal historickou skupinou, i když jména ze seznamu byla přidána a vymazána v průběhu času. Je, že většina z těchto umělců pocházela ze stejné školy (Zlatníci) a údajně podporují zejména divokých, neopatrný životní styl, YBAs udělal, opravdu, zdálo se být skutečné skupině. Přesto, pokud jde o jejich umění, zatímco to bylo většinou založeno na šokové taktice, která zůstala společným jmenovatelem v jejich práci, to bylo charakterizováno záměrnou rozmanitostí ve stylu., Nehledě na skutečnost, že většina z nich se ukázalo být velké podnikatele, schopen vzít tu výhodu, oba pozitivní a negativní publicitu, to by se celý další článek diskutovat o tom, zda YBAs (jako skupina) byly obzvláště konstruktivní, pokud jde o samotné umění. Koneckonců, nebyli prvními, kteří používali „šok“ jako metodu.,
Pravděpodobně Avant-Garde – Relační Estetiky
Další pokus definovat něco, co revoluční, byl Nicholas Bourriaud, v roce 1996, po výstavě kurátor – Provoz. I když někteří z umělců, kteří se zúčastnili v něm lhostejnost termín pro tento den (a chvilku, aby si vzpomenout na zmiňovaný problém kurátorů vidět něco, co tam není) Bourriaud viděl na výstavě jako příkladné něco nového., To byl výchozí bod pro jeho definice Relační Estetiky, která byla vnímána nový „ismus“, a odmítat jako opakování již neexistující ostatní. Stručně řečeno, je definováno jako umění, které se opírá o sociální kontext a síť lidských vztahů, které slouží k dešifrování samotného uměleckého díla. Jinými slovy, umělecké dílo je prostředníkem, rozhraní, jehož hodnota se neměří ve své fyzikální vlastnosti, ale díky své schopnosti překládat informace mezi umělcem a divákem, spoléhá na divákovu reakci k dokončení její účel., V případě, že jste si nevšimli, myšlenka takového artefaktu je pevně spojena s příležitostmi poskytovanými internetem, ale náš vztah k Internetu nebyl tehdy plně rozpoznán. Nebylo by tedy špatné říci, že schopnost francouzského kurátora odvodit cenné závěry z románového jevu byla docela avantgardní.,
Potenciálně Přelomové – Umění Ovlivněn Objektově Orientované Ontologie
Téměř shodou okolností, ale údajně o něco později, další pohyb oficiálně objevil v moderní filozofii, a své současné a potenciální vliv na umění nelze přeceňovat. Objektově orientovaná ontologie hovoří o světě, ve kterém žijeme, z úhlu, který jsme předtím neuvažovali, umístění objektu místo člověka., Takže můžete zapomenout na Kant Antropocentrismu, a přijmout novou éru, ve které lidská rasa prochází jeho název do objektů, např. roboty, stroje, byty, ve kterých jsme se již vykreslení objektů v závislosti na naší interpretaci, nebo dokonce naše holé potvrzení. „Exponáty nám nejsou vystaveny, my jsme ti, kteří jsou jim vystaveni,“ přiblížil Pierre Huyghe záležitost. S ohledem na to bychom se mohli v budoucnu těšit na vliv OOO na umění a pozorovat, jak trans-humanismus již ovlivňuje některé umělce označené jako post-Internetoví umělci.,
Takže Kýč, Že to se Stává Umění – Kýč Umění
Ale pokud vezmeme v úvahu avant-garde jako proti akademické definice umění, mohli bychom také říci, že lobrow je nový avant-garde. Protože, proč ne. Není to tak těžké uvěřit, že 21. století Duchamp by propustit všechny dnešní „pokrokovosti“ a ignorování současného umění a dokonce i hotový, a nakonec přijmout pop surrealismus jako zřejmě neopatrný, malátný pohyb., Pokud tam je něco bolestně chybí v umění 21. století, to je štěstí, skutečné štěstí, naděje, radosti, radostí, z nichž všechny přispívají k pozitivní, bezstarostný pohled na život, který nějak stal se spojený s kýč, spíše než umění. Něco opravdu čerstvé, v dnešním světě, by znamenalo něco kladně, který nemá za cíl napadat nebo zpochybňovat nic, ale spíše být obsah o věci, tak jak jsou.,
Je Moderní Avant Garde Nedostupný?
být před časem, v 21. století, je téměř nemožné. Celkový dojem, že se čas neustále zrychluje, je problém začít., S informací, že cestuje tak rychle, jak klepnutím na obrazovku, překládat nápady se stává jednodušší, ale tak se naše údajné pochopení těchto myšlenek (údajně, protože v nejhorším případě jsme spíše snadno přesvědčen o tom, že jim rozumíme). Jak můžeme zjistit, zda je něco před jeho časem, pokud je naše vnímání času samo o sobě nejasné? Nové se opotřebovávají rychleji než kdy jindy, a i když je čas zakřivený a minulost se v nějaké podobě objevuje, sotva máme čas to rozpoznat. Být avantgardou v roce 2010 znamená být větší, lepší, odvážnější než současné umění., Jak toho lze dosáhnout, když současné umění zahrnuje vše, co souvisí s duchem naší doby? Nebo je všechno současné umění předvojem hluchoty?
Namísto originální závěr, dáme posledních pár vět od Liama Gillicka je Současné umění, nebere v úvahu to, co je odehrávajících se vám něco na zamyšlení: „režim současného stává více a více včetně své vlastní minulosti a věčné budoucnosti. Nafouklý a na okraji užitečnosti se donekonečna natáhne ve všech směrech., Ale stejně tak plochá země, ve kterou lidé kdysi věřili, a stejně tak nekonečná obloha západu.“
napsal Angie Kordic, Silka P, Elena Martinique a Natalie P
Všechny obrázky pouze pro ilustrativní účely.