imagen y espectáculo
en esta nueva era de consumismo y televisión, la publicidad y los medios de comunicación se hicieron cada vez más omnipresentes. En 1968, por ejemplo, el público estadounidense presenció imágenes sin censura de la Guerra de Vietnam en sus propios hogares por primera vez, proporcionando una desconexión total con sus propias vidas cómodas mientras presenciaban los horrores de la guerra durante la cena., Las imágenes en la pantalla reflejaban una nueva realidad y a menudo era más difícil distinguir entre hechos y ficción, particularmente con el uso generalizado de la publicidad. Jean Baudrillard, un prominente filósofo francés, llamó a esta situación «hiperrealidad», comparando la existencia postmoderna con una pantalla de televisión parpadeante: inmediata, cambiante y fragmentada, sin ninguna verdad subyacente. Estas nuevas ideas inspiraron a artistas, como Barbara Kruger, que comenzaron a representar la superficie en lugar de cualquier verdad o significado más profundo. El estilo y el espectáculo, más que la sustancia, fue donde se creó el significado., Este enfoque en surface es uno de los componentes clave de I Shop therefore I Am (1987) De Kruger, así como gran parte del Arte Pop. Al mismo tiempo, nació una estética camp, particularmente evidente en la Moda y la música, que se basó en los estilos pasados del gótico y el Barroco; cuanto más deslumbrante, extravagante e impactante, más eficaz. La obra de Jeff Koons es un buen ejemplo de este aspecto del arte postmoderno.,
mezcla de códigos estéticos
El Modernismo había surgido por primera vez en La Francia del siglo XIX en rebelión contra la preocupación histórica y figurativa de la Academia francesa y su dominio sobre el gusto artístico. Los movimientos de vanguardia que siguieron a principios del siglo XX eliminaron gradualmente cualquier referencia a un contexto o tema, en busca de una forma pura y sin mediaciones de expresión visual que fuera radical y Nueva. Esta tendencia alcanzó su apogeo con el Expresionismo abstracto, que defendió la pintura no representativa., Sin embargo, en las décadas que siguieron al movimiento, la pintura como medio se consideraba un cliché con poco espacio para la experimentación. Con el advenimiento del postmodernismo, algunos artistas comenzaron a explorar estilos y medios del pasado-particularmente la pintura-como parte de la estética postmoderna que trajo de vuelta tanto lo histórico como lo subjetivo, pero con una falta de integridad o unidad estilística.
artistas como Gerhard Richter mezclaron juguetonamente códigos estéticos y géneros, desplazando el significado existente en las estructuras y creando otros nuevos., Usando métodos de parodia y pastiche, las viejas ideas podrían ser recreadas en nuevos contextos. Como los dadaístas habían hecho antes, otros artistas usaron collage, assemblage y bricolage que yuxtaponían texto, imagen y objetos encontrados para crear superficies en capas. Esta mezcla de códigos es particularmente evidente en la arquitectura de las décadas de 1980 y 1990, como el ala Sainsbury de la National Gallery, Reino Unido, que combina características de dos períodos históricos diferentes en un espectáculo visual. En el cine, el efecto podría mejorarse considerablemente., Por ejemplo, Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino desafía la narrativa tradicional, tomando de múltiples géneros y ofreciendo un montaje fragmentado de personajes y tramas en un orden arbitrario. Muchos artistas también recurrieron a las tecnologías multimedia durante las décadas de 1960 y 1970, disfrutando de las nuevas oportunidades que se les brindaron para combinar los medios y crear espectáculo y sensación.
no solo hubo oportunidades con las nuevas tecnologías multimedia; a partir de las décadas de 1950 y 1960 en adelante, hubo un cruce significativo entre las disciplinas artísticas a medida que las categorías tradicionales fueron reemplazadas., Una frase popular postmodernista fue «todo vale», que se refería tanto a esta creciente cultura de convergencia como al colapso de la distinción entre «buen» y «mal» gusto y la dificultad de asignar valor o juzgar obras de arte con base en criterios tradicionales como en el caso de Jeff Koons. Los artistas adoptaron los mecanismos de las formas artísticas y no artísticas, como la publicidad, utilizando una multitud de medios para transmitir múltiples mensajes.
originalidad y autenticidad
en 1917, Marcel Duchamp colocó un urinario firmado con un nombre ficticio en una exposición y lo llamó arte., Al hacerlo, se burló de todos los cimientos sobre los que se había construido la institución del arte. Tradicionalmente, la singularidad y la originalidad daban a una obra de arte su valor o «aura», tanto en términos simbólicos como monetarios, y era un concepto preservado a través de la crítica de arte modernista. En 1936, el teórico Cultural Walter Benjamin escribió un ensayo seminal titulado «The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction» (la obra de arte en la era de la reproducción mecánica), que reelaboró radicalmente este punto de vista, poniendo cargos de elitismo a los pies de figuras clave como Greenberg., Benjamin afirmó que la reproducción, a través de la impresión y otros métodos, podría lograr la democratización del arte debido a su menor valor de mercancía y mayor accesibilidad a las masas.
artistas Pop, minimalistas, artistas de performance, artistas conceptuales y otros adoptaron el ethos de Benjamin, interpretando sus palabras a través de una amplia gama de medios y técnicas que socavaron los conceptos de autenticidad y valor y distorsionaron la mercantilización. Roy Lichtenstein y Andy Warhol produjeron en masa bolsas y tazas, serigrafiadas con imágenes icónicas., Oldenburg, que abrazó fervientemente la noción de que cualquier cosa podría y debería ser arte, abrió una tienda dedicada a vender ejemplos de arte tan baratos, con precios que comienzan en $21.79. Donald Judd y Sol LeWitt exhibieron sus formas repetitivas, pero dejaron el control de su arreglo al curador; Allan Kaprow, Marina Abramović y los artistas de Fluxus realizaron performances en las que el público y no el artista determinaron su forma y significado. Artistas de todas las tendencias, incluidos Warhol, Richter y Koons, eran conocidos por su apropiación de imágenes fotográficas y de otro tipo., Dentro del arte feminista de la década de 1970 y nuevamente en la década de 1990, entre ciertos artistas hubo un aumento del interés en la idea de la autoría colectiva que socavó aún más las ideas tradicionales de creatividad y genio artístico que habían estado en su lugar desde el Renacimiento. Artistas como Daniel Buren se preocuparon cada vez más por el proceso social de la creación artística en lugar del objeto artístico, y colocaron la creación de significado en el punto de interacción., Esta nueva práctica se conoció como estética relacional, y resistió la mercantilización del arte a través de su naturaleza performativa, proporcionando una poderosa crítica del mundo del arte, un campo que llegó a ser conocido como crítica institucional.
pluralismo
la búsqueda posmoderna de un arte democrático extendido más allá de la reproducción, la apropiación y los experimentos de autoría colectiva. El arte modernista no solo era visto como elitista, sino también como Blanco, Occidental y dominado por los hombres., El postmodernismo coincidió con el auge del feminismo, el movimiento de derechos civiles, la lucha por los derechos LGBT y el pensamiento postcolonial, y provocó una preocupación por un enfoque más pluralista; en otras palabras, muchos artistas como Kara Walker y Félix González-Torres comenzaron a abordar temas desde múltiples perspectivas para incluir los puntos de vista de posiciones previamente subrepresentadas (tales investigaciones llevaron al desarrollo de políticas de identidad y arte Queer).,
Además, los filósofos de la época, como Michel Foucault y Antonio Gramsci, recurrían a las ideas del postestructuralismo, que entendía que las instituciones de la sociedad, como las prisiones y los hospitales, estaban respaldadas por sistemas cambiantes en lugar de estables, lo que les daba una falta de significado coherente. El impacto en las Artes fue el aumento de la representación de identidades diversas y multiculturales y también un tratamiento lúdico de la identidad y el yo, evidente en las primeras obras de artistas como Barbara Kruger o Cindy Sherman., Esto es cierto para Sherman en particular, cuyo trabajo se centra en la brecha entre una identidad construida a través del cine u otros medios y la realidad de las experiencias de las mujeres. Al hacerlo, Sherman llama la atención del público sobre los medios de producción y su naturaleza polisémica, destacando el hecho de que una obra de arte puede ser interpretada de cualquier manera por un público, resistiendo así las narrativas maestras y la Autoridad última del artista.,
desarrollos posteriores
actualmente existen dos enfoques teóricos principales para entender el postmodernismo, su relación con el modernismo y su lugar en el mundo del arte contemporáneo.
construcción continua sobre el modernismo
Un argumento es que el posmodernismo interrumpe y continúa el modernismo, ya que hay evidencia de que ambos existen en el arte contemporáneo, que es un término que se refiere ampliamente a cualquier arte creado en los últimos veinte años, abarcando así toda la producción artística de cualquier estilo., Las actitudes y estilos que marcan el postmodernismo pueden entenderse como cambios paradigmáticos que marcan una ruptura o crisis en la historia cultural. Desde este punto de vista, el impacto del pensamiento posmoderno, poscolonial y postfeminista ha provocado un mar de cambios en el arte, descrito por escritoras feministas como Rosalind Krauss y Suzanne Lacy. Ciertamente, la naturaleza diversa, efímera, enfocada globalmente, interdisciplinaria y colaborativa de la práctica artística contemporánea está informada por actitudes posmodernistas y parece tanto persistente como transformadora., El postmodernismo afirma cerrar la brecha entre la cultura» alta «y» baja «y el» buen «y» mal » gusto, sin embargo, hay evidencia de que estas distinciones permanecen. A principios de la década de 1990, un grupo de jóvenes estudiantes de Goldsmiths College organizaron un espectáculo de posgrado llamado Sensations – a highly postmodern concept. La reacción no tuvo precedentes. Tanto el público como los críticos expresaron su conmoción y horror ante las imágenes provocativas y las referencias explícitas a temas de «mal» gusto., El grupo se hizo conocido como Young British Artists (Ybas) y provocó un renacimiento en el arte conceptual usando tácticas de choque para cuestionar el significado del arte, como Duchamp había hecho casi 80 años antes. Su notoriedad ha persistido, al igual que el furor sobre las sensaciones, proporcionando evidencia para algunos de que las antiguas jerarquías gustativas del modernismo sobreviven. Con este argumento, el postmodernismo no ha reemplazado al modernismo, sino que coexiste con él.,
la era del Post Postmodernismo
otra visión, que ha surgido recientemente en un cuerpo pequeño pero persuasivo de la escritura, argumenta que hemos pasado a una era post postmodernista. Algunos escritores y críticos afirman que el postmodernismo es anticuado y cuestionan el valor de un movimiento sostenido por la superficialidad, el cinismo y el nihilismo. Algunos incluso abogan por un retorno a los principios del modernismo, aunque en diferentes formas. Edward Docx llama a esta era post-posmoderna la «era de la autenticidad» caracterizada por un renacimiento de la autenticidad y la artesanía sobre el estilo y el concepto., Otros monikers incluyen «Alter modernism», que es el término de Nicolas Bourriaud para la cultura de» comunicación y globalización sin parar «de hoy, y» pseudo modernismo», que fue acuñado por Alan Kirby. Kirby afirma que ha habido un cambio de la audiencia espectadora a una participación más activa pero trivial, citando como evidencia la cultura de ver reality – TV. Estos intentos de reclamar el fin del postmodernismo son amplios y generalmente no consensuales, pero están unidos en elementos de su crítica., Todos están cansados de la implacabilidad de la ironía posmoderna, y anhelan algún retorno a la verdad y la realidad. De diferentes maneras socavan el dominio del postmodernismo como una forma de pensar o como una actitud hacia la vida, reduciéndolo a un movimiento en una larga historia de movimientos, uno que ahora está en su desaparición.