Suprematism
Suprematism fue otro movimiento artístico ruso único que comenzó conjuntamente con el constructivismo. El enfoque y el énfasis se pusieron en el abrazo de la abstracción permitida por la pintura sobre lienzo y el suprematismo fue el primer movimiento de vanguardia en implementar la abstracción geométrica en la pintura., Kazimir Malevich es visto como su fundador, y fue él, junto con sus contemporáneos, quien ayudó a promover la idea de que el arte debía regresar a sus fundamentos. Esto explica su dedicación a la abstracción geométrica pura y el empleo frecuente de formas básicas como cuadrados, triángulos y círculos, así como colores primarios y neutros. Fue la pintura de Malevich blanco sobre blanco la que personificó el movimiento que estaba estrechamente vinculado, de manera similar al constructivismo, a la Revolución., Un aspecto importante del suprematismo difería mucho del constructivismo, ya que el movimiento estaba estrechamente vinculado a la espiritualidad y el misticismo que añadían fuerza a la abstracción. En 1927, Malevich publicó su libro El Mundo No objetivo que se convirtió en uno de los documentos teóricos más importantes sobre el arte abstracto. En ella, el pintor explicaba el papel de la abstracción en sus pinturas como medio para «liberar el arte del peso muerto del mundo real».
Futurismo
el futurismo fue un movimiento artístico y social que se originó en Italia a principios del siglo XX, pero también hubo movimientos paralelos en Rusia e Inglaterra. Acentuó la velocidad, la tecnología, la juventud y la violencia. Abrazando el cambio y vinculando a los seres humanos con las máquinas y viceversa, con el énfasis en la violencia y el triunfo Tecnológico de la humanidad sobre la naturaleza, este movimiento de vanguardia es uno de los movimientos más controvertidos de la era modernista., Descartar las formas artísticas y culturales tradicionales del pasado en el Centro de la plataforma futurista fue, de hecho, el respaldo a la guerra. El futurismo, acuñado en un manifiesto de 1909 por Filippo Marinetti, no se limitó a una sola forma de arte, sino que sus artistas trabajaron en una variedad de disciplinas artísticas diferentes, como la escultura, la cerámica, el diseño gráfico, el teatro, el cine, los textiles, la literatura y la música. Los temas frecuentes del artista eran coches, trenes, animales, bailarines y grandes multitudes., Tomando la intersección de planos del cubismo, el color vibrante y expresivo, junto con la pincelada dinámica del fauvismo, el arte producido glorificó las virtudes de la velocidad. A medida que la devastación de la Primera Guerra Mundial se realizó, el futurismo perdió su fuerza.
Cubism
es, de hecho, el cubismo analítico que se considera como el más intelectual de todos los movimientos de vanguardia., El rechazo de la idea convencional de la perspectiva lineal en favor del énfasis en el plano pictórico bidimensional conmocionó a las academias de arte de Europa. Descartando las convenciones del pasado que promovían la mímica de la naturaleza y el alto realismo construido, los cubistas destacaron la dimensionalidad plana de la superficie del lienzo y su unidad con la escena representada ayudando a allanar el camino para el arte no representacional. Como uno de los movimientos más conocidos de la era modernista, el cubismo se ha asociado con dos grandes figuras, Pablo Picasso y Georges Braque., Fueron sus experimentos los que ayudaron a remodelar la comprensión tradicional del arte y a cambiar su curso.
para que un movimiento sea considerado un movimiento verdaderamente vanguardista conlleva la implicación de que debe sacudir el núcleo del status quo. Al igual que el arte de protesta más poderoso, la fuerza del nuevo arte que viene debe sacudir todas las ideas estéticas y conceptuales predispuestas sobre lo que es el arte y lo que debe hacer., Los movimientos mencionados anteriormente, ayudaron a dar forma al resto del arte moderno temprano y sus ideas se movieron a la manera de un efecto dominó dando forma al legado del arte. A los mencionados movimientos de vanguardia debemos el nacimiento de las ideas del Arte Moderno de finales del siglo XX como el surrealismo, El Pop Art, el minimalismo y el Arte Conceptual, Happenings y Performances, cuyo impacto en el arte contemporáneo hoy todos somos testigos.
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vanguardia en música, teatro y fotografía
la función histórica de la vanguardia fue completar la redefinición y consecuente emancipación del arte que comenzó durante el siglo dieciocho. Concepto inseparable del progreso, la vanguardia exigía revolucionar y redefinir el arte., Desafiando cada convención, regla e idea estética que pudieran identificar, estos artistas querían mirar más allá de la obra de arte y hacer la pregunta sobre el papel del arte en la construcción de otro mundo. Coincidiendo en que el pasado debía ser destruido y el reloj cultural restablecido a cero, estos artistas propusieron varias combinaciones de nuevos y viejos medios, como la performance, el compromiso político y la metafísica. Como el más radical y ambicioso de todos los movimientos, Dada fue el PRIMERO en cuestionar el concepto de arte., Con la introducción de Duchamp del readymade, la noción de arte se hizo inseparable de la cuestión de qué es el arte. A medida que proliferaban los movimientos, este concepto comenzó a alcanzar diversos campos como las bellas artes, la música, la fotografía y el teatro.
la música de vanguardia temprana
el futurismo italiano ha producido varios compositores y manifiestos, pero el trabajo seminal fue el arte de los ruidos de Luigi Russolo donde propagó el uso de ruidos industriales y militares para concebir un tipo fresco de música. Ha construido máquinas de ruido tje que replicaron el estruendo de la era industrial y el auge de la guerra, pero ninguno de estos instrumentos y diseños sobrevivió., Esta música de máquina tuvo una poderosa influencia en varios compositores de la época, así como en los contemporáneos. Sin embargo, no fue hasta finales de la década de 1940 que el término avant garde finalmente se unió a la música a través del trabajo de compositores conectados a la Escuela de verano de Darmstadt.al mismo tiempo en los Estados Unidos, John Cage, que se consideraba un artista experimental, tenía una visión más revolucionaria. En su notoria pieza 4 ‘ 33 » de 1952 introdujo por primera vez el silencio como un sonido que desafía la noción de lo que es la música., Esta’ composición ‘ consistía en 4 minutos y 33 segundos de silencio, y era más una declaración filosófica que una pieza musical. A lo largo de su práctica, Cage promovió instrumentos alterados, sonidos de la naturaleza, sonidos encontrados, los movimientos del intérprete y el público, ruidos aleatorios al estado de la música. También introdujo por primera vez los conceptos de indeterminación y aleatoriedad en la interpretación y creó la llamada música aleatoria., Además, creó un concepto del piano preparado, el piano que ha sido alterado insertando varios objetos en la caja de resonancia o entre las cuerdas para afectar el sonido.
John Cage-4 ’33», interpretado por David Tudor
los inicios de la música electrónica
el final de la Segunda Guerra Mundial trajo el siguiente período de revolución musical que se basó en las ideas más radicales de las décadas anteriores y las nuevas tecnologías que comenzaron a surgir. En 1948, Pierre Schaeffer creó un laboratorio en París para musique concrete para explorar las teorías de Luigi Russolo., Con esta forma musical que era un tipo de música electrónica usando recordnigs, Schaeffer fue pionero en los sonidos encontrados. El ejemplo más famoso de este género fue Poème électronique de Edgard Varèse interpretado por 400 altavoces. Karlheinz Stockhausen contribuyó enormemente a popularizar todas las técnicas principales de la música electrónica. Experimentó con la electrónica, la voz, la cinta y varias muestras y estaba interesado en la forma en que el sonido se mueve a través del espacio. Además, fue pionero en subgéneros de música de cámara electroacústica en 1958 y música electrónica en vivo en 1964., El ascenso del minimalismo no se saltó la música como una forma. Compositores minimalistas como Steve Reich, Terry Riley, Phillip Glass y La Monte Young compusieron música usando acordes simples y patrones rítmicos repetitivos. Con la proliferación de nuevas formas de música y la apertura de varios centros de música de vanguardia, dejó de ser una exclusiva de compositores célebres y se convirtió en un fenómeno relativamente común.
Edgar Varèse – Poème électronique
the Avant Garde Jazz
El concepto de vanguardia también se aplicó a los desarrollos radicales en el jazz negro americano entre los años 1950 y 1960., Siguiendo las innovaciones técnicas y la expresión emocional, avant garde jazz fue un híbrido único que combinó la técnica extendida, la originalidad y el genio con habilidades de improvisación. Originalmente sinónimo de Free jazz, gran parte del jazz de vanguardia era distinto de ese estilo. Como una forma de arte exclusivamente negra, el jazz de vanguardia surgió durante las guerras coloniales, las ocupaciones, la Guerra Fría y la lucha por la igualdad racial y de género, y debido a estas Condiciones reflejó incertidumbre y angustia y celebró lo plebeyo y lo absurdo., Desdibujando la división entre lo escrito y lo espontáneo, el jazz de vanguardia estaba imbuido de complejidad formal y franqueza emocional. Aun así, el jazz de vanguardia se distinguía de otras vanguardias por sus pretensiones al arte, no por su rechazo.
la aparición de la fotografía como medio
el auge de la fotografía en el siglo XIX ha creado un lenguaje completamente nuevo para capturar la imagen humana y el mundo que nos rodea., Comenzando como fotografía de retratos en estudios fotográficos, el costo relativamente bajo del daguerrotipo llevó a un aumento general en la popularidad de la fotografía de retratos sobre un retrato pintado. La fotografía como medio era posiblemente vanguardista en sí misma, ya que tener un retrato ya no era prerrogativa de los muy ricos. A finales del siglo XIX, muchos fotógrafos han rechazado los escenarios tradicionales y comenzaron a expandir el género de la fotografía pictórica y promoverlo al alto arte., Lo que comenzó como una simple herramienta de documentación, se convirtió en un auténtico medio artístico por derecho propio. Cuando las primeras cámaras de pequeño formato simples de usar llegaron a las calles, la fotografía se democratizó por completo y se revolucionó como medio con diversos enfoques vanguardistas que afectaron enormemente a la cultura visual.
la fotografía de vanguardia
teniendo un poder expresivo incalculable y convirtiéndose en un vehículo de la conciencia moderna que se produjo después de la Primera Guerra Mundial, muchos artistas de vanguardia recurrieron a la fotografía para capturar el alma de la sociedad industrial contemporánea., Durante las décadas de 1920 y 1930, surgieron diversas formas y técnicas no convencionales, como fotogramas abstractos o fotomontajes. Varios artistas experimentaron con esta poderosa forma, incluyendo László Moholy-Nagy, que ahora se considera un padre de la fotografía de vanguardia, August Sander y Albert Renger-Patzsch.
la fotografía de vanguardia en Francia, cuya capital sirvió como el centro incuestionable de la vanguardia internacional, estaba arraigada en el surrealismo que abogaba por la transformación social rechazando los valores y convenciones burgueses., Los fotógrafos surrealistas emplearon técnicas como la doble exposición, la impresión combinada y la tonalidad invertida para crear las imágenes que desdibujaban la línea entre el sueño y la realidad. Los artistas rusos El Lissitzky y Alexander Rodchenko hicieron uso de diversas técnicas que sirvieron para romper las convenciones de la percepción y la representación visual, como primeros planos extremos, horizontes inclinados o formas abstractas.
este período entre las dos guerras fue sin duda uno de los más ricos de la historia fotográfica y empujó este medio más allá de sus límites anteriores., Las obras de fotógrafos de vanguardia como Man Ray, Eugene Atget, Andre Kertesz, Claude Cahun o Henri Cartier-Bresson, dan una idea de este período inmensamente productivo y creativo., Con los paisajes urbanos surrealistas de Atget impregnados de inquietud elegíaca y extraña Extrañeza, las composiciones innovadoras de Kertesz, los experimentos formales de Ray mediante trasplantes, el cuestionamiento y desestabilización de los modelos establecidos de identidad de género de Cahun, La aguda sensibilidad y apreciación del momento de Cartier-Bresson, este enfoque creativo y vanguardista del período de preguerra ha cambiado la fotografía para siempre.
El nacimiento del teatro de vanguardia
Similar a otras formas de vanguardia, el teatro experimental o de vanguardia surgió como una reacción contra una crisis cultural general percibida y rechazó tanto la edad como las formas dominantes de escribir y producir obras. Renunciando a los valores y convenciones burgueses, este nuevo concepto trató de introducir una aplicación diferente del lenguaje y el cuerpo con el fin de cambiar la percepción y crear una relación más activa con el público., Esto comenzó en 1896 con Alfred Jarry y su obra Ubu Roi que anuló las reglas, normas y convenciones culturales de una manera salvaje, extraña y cómica. Esta pieza tuvo una importancia revolucionaria ya que abrió la puerta al modernismo del siglo XX e influyó en el Dadá, el surrealismo y el Teatro del absurdo.
tradicionalmente percibido como observador pasivo, El papel de la audiencia fue desafiado por primera vez con el ascenso de la vanguardia., El público se involucró de varias maneras, como participar en la acción a un nivel altamente práctico o ser invitado a sentirse de cierta manera para cambiar sus actitudes, valores y creencias. El célebre director Peter Brook describió este objetivo como » un teatro necesario, uno en el que solo hay una diferencia práctica entre el actor y el público, no una fundamental.’Avant garde también tenía como objetivo cambiar la cara social del teatro, con los artistas que se convierten en activistas culturales de todo tipo., Este fue el caso del teatro didáctico agit-prop que tenía como objetivo hacer una cierta declaración moral o política y desafiar los valores y creencias de la audiencia. Avant garde también ha desafiado y rechazado el método jerárquico tradicional de crear teatro. Dado que los artistas tenían más libertad interpretativa, fueron promovidos a artistas creativos por derecho propio. Además, se alteraron las convenciones tradicionales del espacio, el movimiento, el estado de ánimo, la tensión, el lenguaje y el simbolismo.
El Teatro de vanguardia francés y ruso
el teatro de vanguardia en Francia estuvo significativamente marcado por el Dadá y el surrealismo. Los dadaístas se apropiaron de varios principios estéticos para la creación del drama de los futuristas, como el uso de la acción simultánea y de una relación antagónica con el público. La producción del corazón de gas de Tristan Tzara fue en sí misma una forma de anarquía contra el arte y específicamente el teatro y dio lugar a una lucha entre sus partidarios y detractores., La introducción del surrealismo por André Breton en 1924, que había roto con Dada dos años antes, señaló la muerte de Dada como un influyente movimiento de vanguardia. El surrealismo fue una fuerza importante en la escritura experimental y las obras teatrales más célebres fueron las de Antonin Artaud y Gillaume Apollinaire. La obra de Artaud Mysteries of Love, producida en 1927, fue la primera en Aplicar la técnica surrealista de la escritura automática. Dos amantes en la obra cambian constantemente su relación e interactúan con varios otros personajes cuya identidad cambió.,
mientras tanto, en Rusia, el teatro se convirtió en un semillero de experimentación y un poderoso vehículo para la propaganda revolucionaria. Con un libreto en el lenguaje experimental ‘zaum’, una combinación de lengua materna Eslava primitiva mezclada con el canto de los pájaros y la expresión cósmica, y los trajes consistieron en triángulos y cuadrados monocromos, la primera’ ópera futurista ‘ del mundo victoria del sol en 1913 ha provocado una indignación entre la audiencia. El diseñador de vestuario fue el joven Kazimir Malevich que comenzó a experimentar en el teatro antes de desarrollar y articular su visión e ideas artísticas., El teatro se transformó de un lugar de naturalismo y emoción a un espectáculo de feria en toda regla. Artistas como Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin, Alexandra Exter y Lyubov Popova crearon escenografías y trajes de diseño radicales e indignantes para una era futurista que inspiró a Fritz Lang e incluso a Flash Gordon. Vsevolod Meyerhold, uno de los activistas más entusiastas del nuevo teatro soviético, defendió la expresión corporal en la actuación y sentó las bases para el teatro físico moderno. Una plétora de estilos artísticos engendrados en estos años tumultuosos., Como escribió más tarde Mayakovsky, » el teatro no es un espejo, sino una lupa.’
el teatro del absurdo
durante los años entre dos guerras, el teatro de vanguardia estaba floreciendo y surgieron varios movimientos de teatro de vanguardia., Inspirado por estos experimentos teatrales a principios de la mitad del siglo y por los horrores de la Segunda Guerra Mundial, el nuevo teatro de vanguardia parisino rechazó por completo los escenarios teatrales tradicionales, los personajes, las tramas y la puesta en escena. Llamado por el crítico de teatro Martin Esslin como el Teatro del absurdo, involucró a escritores famosos como Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet, Arthur Adamov y Fernando Arrabal., Siguiendo la filosofía de Albert Camus de que la situación humana es esencialmente absurda y carente de propósito, estos autores crearon ficción absurda que dio nombre a este estilo de teatro que ha evolucionado a partir de su obra. Estas obras estaban imbuidas por la visión pesimista de la humanidad que se queda sin esperanza, desconcertada y ansiosa. Algunas de las piezas teatrales más célebres de este período Son Wainting for Godot de Beckett, la Soprano calva de Ionesco, las doncellas de Genet, la habitación de Harold Pinter y quién tiene miedo de Virginia Wolf de Albee., El legado y los ecos del Teatro del absurdo se pudieron ver en muchas obras de dramaturgos posteriores.
Avant-Garde Today
según todo lo dicho por nuestra historia, la vanguardia se supone que está por delante de su tiempo. Por lo tanto, la lógica dice que la gente necesita algún tiempo para reconocer que alguien estaba «adelantado a su tiempo», de lo contrario la vanguardia no sería realmente vanguardia en primer lugar., En el momento de la aparición de la mayoría de los movimientos históricos, también fue una forma de oponerse a la forma convencional de ver el arte y desafiar el enfoque académico de la misma. Pero ahora que la Academia es consciente de los movimientos históricos de vanguardia, y también se pone del lado del arte contemporáneo, ¿cómo podemos discernir la verdadera progresividad?,
por qué la definición de vanguardia es tan compleja hoy
El Arte Contemporáneo está experimentando de los tiempos y de los peores tiempos. Está precedida por un gran número de movimientos significativos e informada por las cuestiones ya resueltas, que podrían considerarse un beneficio o convertirse en una desventaja limitante. A algunos todavía les molesta el hecho de que el arte es difícil de definir, echando la culpa a la vanguardia., Y si bien estos comentarios son a menudo irrelevantes, no estaría de más reconsiderar el legado que nos han dejado los movimientos de vanguardia. Sí, nos dio mucho por lo que estar agradecidos, proporcionándonos millones de formas diferentes de abordar el arte, no solo como una forma tradicional sino también como un readymade, un assemblage, una performance, un happening, un acto, un documento, una instalación, lo que sea. Pero por otro lado, ¿no todos, de vez en cuando, experimentamos la incómoda sensación de vivir en un mundo donde todo ya ha sido dicho y hecho, preguntándonos, ¿qué ahora?,
Pseudo-autonomía del Arte Contemporáneo
hay otra cosa que hace difícil resolver la cuestión de la «vanguardia contemporánea», y es la prevalencia de críticos que suelen tener como objetivo interpretar el arte a su manera y presentar ciertas obras como algo que esencialmente no son., Lo que sucede en consecuencia es que, en la falta de palabras proporcionadas por los propios artistas, el arte se convierte fácilmente en una materia flexible que cambia de forma al pasar de una interpretación a otra. Por otro lado, la mayoría de los movimientos de vanguardia tenían un manifiesto que explicaba su sentimiento, directa o implícitamente. Hoy en día, no estamos acostumbrados a que los artistas sean sus propios «curadores», o incluso a formar grupos y movimientos. El supuesto movimiento artístico, o un leitmotiv unificador que reúne a un grupo, suele ser adaptado por otra persona.,
ser Cool vs.ser vanguardista-los YBAs
reconocer la vanguardia en el Arte Actual significa arriesgarse a proclamar algo relevante para el futuro, preferiblemente reformista, incluso iluminador., En nuestro pasado reciente, algunos de los llamados movimientos parecían haber tenido la intención de lograr estos objetivos, pero todavía no se sabe si su energía colectiva era de vanguardia o simplemente marcaba tendencias. Al igual que sucedió en nuestro pasado distante, también sucedió en nuestro pasado reciente: la mayoría de los descubrimientos significativos comienzan con una sola exposición. Muchos estarían de acuerdo en que Freeze, que fue dirigida por Damien Hirst en 1988, marcó un punto de inflexión en las carreras de artistas cuyos nombres se asociaron con jóvenes artistas británicos más tarde., Los YBAs se convirtieron en un grupo histórico, a pesar de que los nombres de la lista se agregaron y borraron con el tiempo. Siendo que la mayoría de estos artistas provenían de la misma escuela (orfebres) y supuestamente apoyaban un estilo de vida particularmente Salvaje y descuidado, los YBAs, de hecho, parecían ser un grupo real. Sin embargo, cuando se trata de su arte, si bien se basó principalmente en las tácticas de choque que siguieron siendo el denominador común en su trabajo, se caracterizó por una deliberada diversidad de estilo., Aparte del hecho de que la mayoría de ellos resultaron ser grandes emprendedores, capaces de aprovechar tanto la publicidad positiva como la negativa, se necesitaría otro artículo para discutir si los YBAs (como grupo) fueron particularmente constructivos con respecto al arte en sí. Después de todo, no fueron los primeros en usar el «shock» como método.,
probablemente estética relacional vanguardista
otro intento de definir algo revolucionario fue Nicholas Bourriaud de, en 1996, después de la exposición comisariada-tráfico. A pesar de que algunos de los artistas que participaron en ella ignoran el término hasta el día de hoy (y se toman un momento para recordar el problema mencionado de los comisarios viendo algo que no está allí) Bourriaud vio la exposición como un ejemplo de algo fresco., Fue el punto de partida para su definición de Estética relacional, que fue percibida como un nuevo «is» por Algunos, y rechazada como una reiteración de lo ya existente por otros. En definitiva, se define como arte que se apoya en el contexto social y en la red de relaciones humanas, que sirven para descifrar la propia obra de arte. En otras palabras, la obra es un mediador, una interfaz cuyo valor no se mide en sus cualidades físicas, sino en su capacidad de traducir la información entre el artista y el espectador, contando con la respuesta del espectador para completar su propósito., En caso de que no se diera cuenta, la idea de un artefacto de este tipo está estrechamente relacionada con las oportunidades proporcionadas por Internet, pero nuestra relación con Internet no se reconoció completamente en ese entonces. Así que no nos equivocaríamos al decir que la capacidad del curador francés para sacar conclusiones valiosas de un fenómeno novedoso era bastante vanguardista.,
Arte potencialmente innovador influenciado por ontología orientada a objetos
casi casualmente, pero al parecer un poco más tarde, otro movimiento surgió oficialmente en la filosofía contemporánea, y su influencia actual y potencial en el arte no puede ser exagerada. La ontología orientada a objetos habla de un mundo en el que vivimos, desde un ángulo que no hemos considerado antes, colocando el objeto en lugar del hombre., Así que puede olvidarse del antropocentrismo de Kant y abrazar una nueva era en la que la raza humana pasa su título a los objetos, por ejemplo, robots, máquinas, bytes, en la que ya no representamos los objetos como dependientes de nuestra interpretación o incluso de nuestro mero reconocimiento. «Los objetos expuestos no están expuestos a nosotros, nosotros somos los que estamos expuestos a ellos» fue como Pierre Huyghe abordó el asunto. Con eso en mente, podríamos estar esperando la influencia de OOO en el arte en el futuro, y observar cómo el trans-humanismo ya afecta a algunos de los artistas etiquetados como artistas post-internet.,
tan Kitsch que se convierte en Art – kitsch Art
pero si consideramos la vanguardia en oposición a la definición académica del arte, podríamos decir que lobrow es la nueva vanguardia. Porque, porque no. No es tan difícil creer que el Duchamp del siglo 21 descartaría toda la «progresividad» de hoy y despreciaría el arte contemporáneo e incluso el readymade, y eventualmente abrazaría el surrealismo pop como un movimiento obviamente descuidado y desenfadado., Si hay algo que falta mucho en el arte del siglo XXI, es la felicidad-felicidad genuina, esperanza, alegría, júbilo, todo lo cual contribuye a una perspectiva positiva y despreocupada de la vida, que de alguna manera se asoció con el kitsch en lugar del arte. Algo verdaderamente fresco, en el mundo de hoy, significaría algo afirmativo, que no pretende desafiar o cuestionar nada, sino contentarse con las cosas, tal como son.,
¿es inalcanzable la vanguardia contemporánea?
adelantarse al propio tiempo, en el siglo XXI, es casi imposible. La impresión general de que el tiempo se acelera constantemente es un problema para empezar., Con la información viajando tan rápido como un toque en la pantalla, traducir ideas se vuelve más fácil, pero también lo hace nuestra supuesta comprensión de esas ideas (supuesta, porque en el peor de los casos, estamos bastante más fácilmente convencidos de que las entendemos). ¿Cómo podemos saber si algo se adelanta a su tiempo, si nuestra percepción del tiempo no es clara en sí misma? Lo nuevo se desgasta más rápido que nunca, e incluso si el tiempo se curva y el pasado vuelve a aparecer de alguna forma, apenas tenemos tiempo para reconocerlo. Ser vanguardista en la década de 2010 significa ser más grande, mejor, más audaz que el arte contemporáneo., ¿Cómo se puede lograr eso, cuando el arte contemporáneo incluye todo lo relacionado con el espíritu de nuestro tiempo? ¿O todo el arte contemporáneo es vanguardia por deafult?
en Lugar de una conclusión, vamos a dejar que las últimas frases de Liam Gillick del arte Contemporáneo no tiene en cuenta que la que está teniendo lugar darle algo grande para pensar: «El régimen de la época contemporánea se vuelve más y más inclusiva de su propio pasado y futuro eterno. Hinchado y al borde de la utilidad, se extiende interminablemente en todas las direcciones., Pero también lo hizo la tierra plana en la que la gente alguna vez creyó, y también lo hizo el infinito cielo del Oeste.»
escrito por Angie Kordic, Silka P, Elena Martinique y Natalie p
todas las imágenes solo con fines ilustrativos.