Image et Spectacle
dans cette nouvelle ère de consommation et de télévision, la publicité et les médias de masse sont devenus de plus en plus omniprésents. En 1968, par exemple, le public américain a été témoin d’images non censurées de la guerre du Vietnam chez lui pour la première fois, offrant une déconnexion brutale avec leur propre vie confortable alors qu’ils étaient témoins des horreurs de la guerre pendant le dîner., Les Images à l’écran reflétaient une nouvelle réalité et il était souvent plus difficile de faire la distinction entre les faits et la fiction, en particulier avec l’utilisation généralisée de la publicité. Jean Baudrillard, un éminent philosophe français, a qualifié cette situation d ‘ »hyperréalité », comparant l’existence postmoderne à un écran de télévision vacillant: immédiat, mouvant et fragmenté, sans vérité sous-jacente. Ces nouvelles idées ont inspiré des artistes, tels que Barbara Kruger, qui ont commencé à représenter la surface plutôt que toute vérité ou Signification plus profonde. Le Style et le spectacle, plutôt que la substance, étaient là où le sens a été créé., Cet accent sur la surface est l’un des éléments clés de I Shop therefore I Am (1987) de Kruger ainsi que d’une grande partie du Pop art. Simultanément, une esthétique camp est née, particulièrement évidente dans la Mode et la musique, qui s’inspire des styles passés du gothique et du Baroque; plus éblouissante, flamboyante et choquante – la plus efficace. Le travail de Jeff Koons est un bon exemple de cet aspect de l’art postmoderne.,
mélange des Codes esthétiques
le modernisme est apparu dans la France du 19ème siècle en rébellion contre les préoccupations historiques et figuratives de l’Académie française et sa domination sur le goût artistique. Les mouvements d’avant-garde qui ont suivi au début du 20e siècle ont progressivement éliminé toute référence à un contexte ou à un sujet, à la recherche d’une forme d’expression visuelle pure et non médiatisée, radicale et nouvelle. Cette tendance atteint son apogée avec L’Expressionnisme abstrait, qui défend la peinture non représentative., Cependant, dans les décennies qui ont suivi le mouvement, la peinture en tant que médium a été considérée comme cliché avec peu de place laissée à l’expérimentation. Avec l’avènement du postmodernisme, certains artistes ont commencé à explorer les styles et les médias passés – en particulier la peinture – dans le cadre de l’esthétique postmoderne qui a ramené à la fois l’historique et le subjectif, mais avec un manque délibéré d’intégrité ou d’unité stylistique.
des artistes tels que Gerhard Richter mélangent de manière ludique les codes esthétiques et les genres, déplaçant le sens existant dans les structures et en créant de nouveaux., En utilisant des méthodes de parodie et de pastiche, de vieilles idées pourraient être recréées dans de nouveaux contextes. Comme les dadaïstes l’avaient fait plus tôt, d’autres artistes ont utilisé le collage, l’assemblage et le bricolage qui juxtaposaient le texte, l’image et les objets trouvés pour créer des surfaces superposées. Ce mélange de codes est particulièrement évident dans l’architecture des années 1980 et 1990, comme L’aile Sainsbury de la National Gallery, au Royaume-Uni, qui combine des éléments de deux périodes historiques différentes en un seul spectacle visuel. Dans le film, l’effet pourrait être considérablement amélioré., Par exemple, Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino défie le récit traditionnel, puisant dans plusieurs genres et offrant un montage fragmenté de personnages et d’intrigues dans un ordre arbitraire. De nombreux artistes se sont également tournés vers les technologies multimédias au cours des années 1960 et 1970, savourant les nouvelles opportunités qui leur ont été offertes de combiner les médias et de créer du spectacle et de la sensation.
Il n’y avait pas que des opportunités avec les nouvelles technologies multimédias; à partir des années 1950 et 1960, il y avait un croisement important entre les disciplines artistiques à mesure que les catégories traditionnelles étaient remplacées., Une expression postmoderniste populaire était « tout va », qui faisait référence à la fois à cette culture de convergence croissante ainsi qu’à l’effondrement de la distinction entre le » bon « et le » mauvais » goût et à la difficulté d’attribuer de la valeur ou de juger des œuvres d’art sur la base de critères traditionnels comme dans le cas de Jeff Koons. Les artistes ont adopté les mécanismes des formes artistiques et non artistiques, telles que la publicité, en utilisant une multitude de Médias pour transmettre de multiples messages.
originalité et authenticité
en 1917, Marcel Duchamp place un urinoir signé d’un nom fictif dans une exposition et l’appelle art., Ce faisant, il se moquait de l’ensemble des fondations sur lesquelles l’institution de l’art avait été construite. Traditionnellement, l’unicité et l’originalité donnaient à une œuvre sa valeur ou » aura », à la fois en termes symboliques et monétaires, et était un concept préservé par la critique d’art moderniste. En 1936, le théoricien de la culture, Walter Benjamin, a écrit un essai séminal intitulé « L’œuvre d’Art à l’ère de la Reproduction mécanique », qui a radicalement retravaillé cette vision, posant des accusations d’élitisme aux pieds de figures clés telles que Greenberg., Benjamin a affirmé que la reproduction, par l’impression et d’autres méthodes, pourrait parvenir à la démocratisation de l’art en raison de sa valeur marchande inférieure et de son accessibilité accrue aux masses.
Les artistes Pop, minimalistes, Performeurs, artistes conceptuels et autres ont adopté L’éthique de Benjamin, interprétant ses mots à travers une gamme variée de médias et de techniques qui sapaient les concepts d’authenticité et de valeur et déformaient la marchandisation. Roy Lichtenstein et Andy Warhol ont produit des sacs et des tasses en série, sérigraphiés avec des images iconiques., Oldenburg, qui a embrassé avec ferveur l’idée que tout pouvait et devait être de l’art, a ouvert un magasin consacré à la vente d’exemples d’art aussi bon marché, avec des prix à partir de 21,79$. Donald Judd et Sol LeWitt ont exposé leurs formes répétitives, mais ont laissé le contrôle de leur arrangement au commissaire; Allan Kaprow, Marina Abramović et les artistes Fluxus ont présenté des performances dans lesquelles le public et non l’artiste ont déterminé leur forme et leur signification. Les artistes de tous bords, y compris Warhol, Richter et Koons, étaient connus pour leur appropriation de l’imagerie photographique et autre., Au sein de L’art féministe des années 1970 et de nouveau dans les années 1990, chez certains artistes, il y a eu un regain d’intérêt pour l’idée de paternité collective qui a encore miné les idées traditionnelles de créativité et de génie artistique en place depuis la Renaissance. Des artistes tels que Daniel Buren se préoccupaient de plus en plus du processus social de la fabrication de l’art plutôt que de l’objet d’art, et plaçaient la création de sens au point d’interaction., Cette nouvelle pratique est devenue connue sous le nom D’esthétique relationnelle, et a résisté à la marchandisation de l’art par sa nature performative, fournissant une critique puissante du monde de l’art, un domaine qui est devenu connu sous le nom de critique institutionnelle.
pluralisme
La quête postmoderne d’un art démocratique s’étendait au-delà de la reproduction, de l’appropriation et des expériences d’Auteur Collectif. L’art moderniste n’était pas seulement considéré comme élitiste, mais aussi comme blanc, Occidental et dominé par les hommes., Le postmodernisme a coïncidé avec la montée du féminisme, du mouvement des droits civiques, de la lutte pour les droits LGBT et de la pensée postcoloniale, et a suscité un souci d’approche plus pluraliste; en d’autres termes, de nombreux artistes tels que Kara Walker et Felix Gonzalez-Torres ont commencé à aborder des sujets sous des perspectives multiples pour inclure les points de vue de positions précédemment sous-représentées (de telles enquêtes ont conduit au développement de la politique identitaire et de l’Art Queer).,
en outre, les philosophes de L’époque, comme Michel Foucault et Antonio Gramsci, se tournaient vers les idées du post-structuralisme, qui comprenait les institutions de la société, telles que les prisons et les hôpitaux, comme étant étayées par des systèmes changeants plutôt que stables leur donnant un manque de sens cohérent. L’impact sur les arts a été la représentation accrue d’identités diverses et multiculturelles et aussi un traitement ludique de l’identité et du soi, évident dans les premières œuvres d’artistes tels que Barbara Kruger ou Cindy Sherman., C’est le cas de Sherman en particulier, dont le travail se concentre sur la rupture entre une identité construite à travers le cinéma ou d’autres médias et la réalité des expériences des femmes. Ce faisant, Sherman attire l’attention du public sur les moyens de production et leur nature polysémique, soulignant le fait qu’une œuvre d’art peut être interprétée de différentes manières par un public, résistant ainsi aux récits de maîtres et à l’autorité ultime de l’artiste.,
développements ultérieurs
Il existe actuellement deux approches théoriques principales pour comprendre le postmodernisme, sa relation avec le modernisme et sa place dans le monde de l’art contemporain.
accumulation continue sur le modernisme
un argument est que le postmodernisme perturbe et continue le modernisme car il existe des preuves des deux existants dans l’art contemporain, qui est un terme qui se réfère largement à tout art créé au cours des vingt dernières années, englobant ainsi toute production artistique de tout style., Les attitudes et les styles qui marquent le postmodernisme peuvent être compris comme des changements paradigmatiques qui marquent une rupture ou une crise dans l’histoire culturelle. De ce point de vue, l’impact de la pensée postmoderne, post-coloniale et post-féministe a déclenché une mer de changement dans l’art, décrit par des écrivains féministes tels que Rosalind Krauss et Suzanne Lacy. Certes, la nature diversifiée, éphémère, globale, interdisciplinaire et collaborative de la pratique de l’art contemporain est éclairée par des attitudes postmodernistes et semble à la fois persistante et transformatrice., Le postmodernisme prétend combler l’écart entre « haute » et « basse » culture et « bon » et « mauvais goût », mais il existe des preuves que ces distinctions restent. Au début des années 1990, un groupe de jeunes étudiants du Goldsmiths College a mis sur pied un spectacle de fin d’études intitulé Sensations – un concept hautement postmoderne. La réaction a été sans précédent. Le Public et les critiques ont exprimé leur choc et leur effroi devant l’imagerie provocante et les références explicites à des sujets de « mauvais » goût., Le groupe est devenu connu sous le nom de Young British Artists (YBAs) et a déclenché un renouveau dans l’art conceptuel en utilisant des tactiques de choc pour remettre en question le sens de l’art, comme Duchamp l’avait fait près de 80 ans plus tôt. Leur notoriété a persisté, tout comme la fureur des Sensations, prouvant pour certains que les anciennes hiérarchies gustatives du modernisme perdurent. Avec cet argument, le postmodernisme n’a pas remplacé le modernisme mais coexiste à ses côtés.,
L’ère du Post-postmodernisme
Un autre point de vue, qui a récemment émergé dans un petit mais convaincant corps d’écriture, soutient que nous sommes passés à une ère post-postmoderniste. Certains écrivains et critiques affirment que le postmodernisme est dépassé et ils remettent en question la valeur d’un mouvement soutenu par la superficialité, le cynisme et le nihilisme. Certains plaident même pour un retour aux principes du modernisme, bien que sous des formes différentes. Edward Docx appelle cette ère post-postmoderne « L’Âge de L’authenticité » caractérisée par un renouveau de l’authenticité et de l’artisanat sur le style et le concept., D’autres surnoms incluent « alter modernism », qui est le terme de Nicolas Bourriaud pour la culture « communication et mondialisation sans arrêt » d’aujourd’hui, et « pseudo modernism », qui a été inventé par Alan Kirby. Kirby affirme qu » il y a eu un changement de spectateur du public à une participation plus active mais triviale, citant comme preuve la culture de la télé-réalité. Ces tentatives de revendiquer la fin du postmodernisme sont vastes et généralement non consensuelles, mais sont unies dans des éléments de leur critique., Ils sont tous fatigués de l’acharnement de l’ironie postmoderne, et aspirent à un retour à la vérité et à la réalité. De différentes manières, ils sapent la domination du postmodernisme en tant que Façon de penser ou en tant qu’attitude envers la vie, la réduisant plutôt à un mouvement dans une longue histoire de mouvements, qui est maintenant en train de disparaître.