Suprématisme
le suprématisme était un autre mouvement artistique russe unique qui a commencé conjointement avec le constructivisme. L’Accent et l’accent ont été mis sur l’embracement de l’abstraction permise par les peintures sur toile et le suprématisme a été le premier mouvement d’avant garde à mettre en œuvre l’abstraction géométrique dans la peinture., Kazimir Malevich est considéré comme son fondateur, et c’est lui, aux côtés de ses contemporains, qui a contribué à promouvoir l’idée que l’art devrait être ramené à sa base. Cela explique leur dévouement à l’abstraction géométrique pure et l’emploi fréquent de formes de base telles que des carrés, des triangles et des cercles, ainsi que des couleurs primaires et neutres. C’est la peinture de Malevitch blanc sur blanc qui incarnait le mouvement qui était étroitement lié, de la même manière que le constructivisme, à la Révolution., Un aspect important du Suprématisme différait grandement du constructivisme, car le mouvement était étroitement lié à la spiritualité et au mysticisme qui ajoutaient à la force de l’abstraction. En 1927, Malevich a publié son livre Le Monde Non objectif qui est devenu l’un des documents théoriques les plus importants sur l’Art abstrait. Le peintre y expliquait le rôle de l’abstraction dans ses peintures comme moyen de « libérer l’art du poids mort du monde réel”.
Futurisme
le futurisme était un mouvement artistique et social qui a pris naissance en Italie au début du 20ème siècle, mais il y avait aussi des mouvements parallèles en Russie et en Angleterre. Il a accentué la vitesse, la technologie, la jeunesse et la violence. Embrassant le changement et reliant les humains aux machines et vice versa, mettant l’accent sur la violence et le triomphe technologique de l’humanité sur la nature, ce mouvement d’avant-garde est l’un des mouvements les plus controversés de l’ère moderniste., Rejeter les formes artistiques et culturelles traditionnelles du passé au centre de la plate-forme futuriste était, en fait, l’approbation de la guerre. Le futurisme, inventé dans un manifeste de 1909 par Filippo Marinetti, ne se limitait pas à une seule forme d’art, mais ses artistes travaillaient dans un éventail de disciplines artistiques différentes telles que la sculpture, la céramique, le graphisme, le théâtre, le cinéma, les textiles, la littérature et la musique. Les sujets fréquents de l’artiste étaient les voitures, les trains, les animaux, les danseurs et les grandes foules., Empruntant l’intersection des plans du cubisme, la couleur vibrante et expressive, ainsi que le coup de pinceau dynamique du fauvisme, l’art produit glorifiait les vertus de la vitesse. Comme les ravages de la Première Guerre Mondiale a été réalisée, le Futurisme perdu de sa vapeur.
Cubisme
c’est en fait le cubisme analytique qui est considéré comme le plus intellectuel de tous les mouvements d’avant-garde., Le rejet de l’idée conventionnelle de la perspective linéaire au profit de l’accent mis sur le plan d’image bidimensionnel a choqué les académies d’art D’Europe. Rejetant les conventions du passé qui favorisaient le mimétisme de la nature et le réalisme construit élevé, les Cubistes ont mis en évidence la dimensionnalité plate de la surface de la toile et son unité avec la scène représentée aidant à ouvrir la voie à l’art non figuratif. En tant que l’un des mouvements les plus connus de l’ère moderniste, le cubisme en est venu à être associé à deux figures majeures, Pablo Picasso et Georges Braque., Ce sont leurs expérimentations qui ont contribué à remodeler la compréhension traditionnelle de l’art et à en changer le cours.
pour qu’un mouvement soit considéré comme un véritable mouvement d’avant-garde, il implique qu’il doit secouer le noyau du statu quo. Comme l’art protestataire le plus puissant, la force du nouvel art qui vient doit secouer toutes les idées esthétiques et conceptuelles prédisposées sur ce qu’est l’art et ce qu’il doit faire., Les mouvements mentionnés ci-dessus ont contribué à façonner le reste de l’art moderne et leurs idées ont évolué à la manière d’un effet domino façonnant l’héritage de l’art. Aux mouvements d’avant-garde mentionnés, nous devons la naissance des idées D’Art Moderne de la fin du 20ème siècle telles que le surréalisme, le Pop Art, Le minimalisme et L’Art conceptuel, les Happenings et les Performances, dont nous sommes tous témoins de l’impact sur l’art contemporain aujourd’hui.
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Avant-garde dans la musique, le théâtre et la photographie
la fonction historique de l’avant-garde était d’achever la redéfinition et l’émancipation de l’art qui a commencé au cours du dix-huit siècle. Concept indissociable du progrès, l’avant-garde exige que l’art soit révolutionné et redéfini., Défiant toutes les conventions, règles et idées esthétiques qu’ils pouvaient identifier, ces artistes ont voulu regarder au-delà de l’œuvre et poser la question du rôle de l’art dans la construction d’un autre monde. Convenant que le passé devrait être déchiré et l’horloge culturelle remise à zéro, ces artistes ont proposé diverses combinaisons de nouveaux et anciens médias tels que la performance, l’engagement politique et la métaphysique. En tant que mouvement le plus radical et le plus ambitieux de tous, Dada a été le premier à remettre en question le concept d’art., Avec L’introduction du READY-MADE par Duchamp, la notion d’art est devenue indissociable de la question de ce qu’est l’art. Au fur et à mesure de la prolifération des mouvements, ce concept a commencé à atteindre divers domaines tels que les beaux-arts, la musique, la photographie et le théâtre.
la première Musique D’avant-Garde
le futurisme italien a produit plusieurs compositeurs et manifestes, mais L’œuvre séminale a été L’Art des bruits de Luigi Russolo où il a propagé l’utilisation des bruits industriels et militaires pour concevoir une Il a construit des machines à bruit tje qui reproduisaient le cliquetis de l’ère industrielle et le boom de la guerre, mais aucun de ces instruments et conceptions n’a survécu., Cette machine de la musique a eu une influence puissante sur un certain nombre de compositeurs de l’époque, ainsi que sur les contemporains. Pourtant, ce n’est qu’à la fin des années 1940 que le terme avant-garde a finalement été attaché à la musique à travers le travail des compositeurs liés à L’école d’été de Darmstadt.
au même moment aux États-Unis, John Cage, qui se considérait comme un artiste expérimental, avait une vision plus révolutionnaire. Dans sa célèbre pièce 4 ‘ 33 » de 1952, il a d’abord introduit le silence comme un son contestant la notion de ce qu’est la musique., Cette « composition » se composait de 4 minutes et 33 secondes de silence, et c’était plus une déclaration philosophique qu’une pièce musicale. Tout au long de sa pratique, Cage a promu des instruments altérés, des sons de la nature, des sons trouvés, les mouvements de l’interprète et du public, des bruits aléatoires au statut de la musique. Il a également introduit les concepts d’indétermination et d’aléatoire dans la performance et a créé la musique dite aléatoire., De plus, il a créé un concept de piano préparé, le piano qui a été modifié en insérant divers objets dans la table d’harmonie ou entre les cordes pour affecter le son.
John Cage – 4’33 », interprété par David Tudor
les débuts de la musique électronique
la fin de la Seconde Guerre mondiale a amené la prochaine période de révolution musicale basée sur les idées les plus radicales des décennies précédentes et de nouvelles technologies qui ont commencé à émerger. En 1948, Pierre Schaeffer crée un laboratoire à Paris pour musique concrete afin d’explorer les théories de Luigi Russolo., Avec cette forme musicale qui était un type de musique électronique utilisant recordnigs, Schaeffer a été le pionnier des sons trouvés. L’exemple le plus célèbre de ce genre est Poème électronique D’Edgard Varèse interprété par 400 haut-parleurs. Karlheinz Stockhausen a grandement contribué à populariser toutes les principales techniques de la musique électronique. Il a expérimenté l’électronique, la voix, la bande et divers échantillons et s’est intéressé à la façon dont le son se déplace dans l’espace. En outre, il a été le pionnier des sous-genres de la musique de chambre électroacoustique en 1958 et de la musique électronique en direct en 1964., La montée du minimalisme n’a pas ignoré la musique en tant que forme. Des compositeurs minimalistes tels que Steve Reich, Terry Riley, Phillip Glass et la Monte Young ont composé de la musique en utilisant des accords simples et des motifs rythmiques répétitifs. Avec la prolifération de nouvelles formes de musique et l’ouverture de divers centres de musique d’avant-garde, il a cessé d’être une exclusivité des compositeurs célèbres et est devenu un phénomène relativement courant.
Edgar Varèse – Poème électronique
le Jazz D’Avant-Garde
Le concept d’avant-garde a également été appliqué aux développements radicaux du jazz noir américain entre les années 1950 et 1960., Poursuivant les innovations techniques et l’expression émotionnelle, le jazz d’avant-garde était un hybride unique qui combinait la technique étendue, l’originalité et le génie avec des compétences d’improvisation. À l’origine synonyme de free jazz, une grande partie du jazz d’avant-garde était distincte de ce style. En tant que forme artistique uniquement noire, le jazz d’avant-garde a émergé pendant les guerres coloniales, les occupations, la guerre froide et la lutte pour l’égalité raciale et des sexes, et en raison de ces conditions, il reflétait l’incertitude et l’angoisse et célébrait le plébéien et l’absurde., Brouillant la division entre l’écrit et le spontané, le jazz d’avant-garde était empreint de complexité formelle et de franchise émotionnelle. Pourtant, le jazz d’avant-garde se distinguait des autres avant-gardes par ses prétentions à l’art, et non par un rejet de celui-ci.
L’émergence de la photographie en tant que médium
l’essor de la photographie au 19ème siècle a créé un tout nouveau langage pour capturer l’image humaine et le monde qui nous entoure., D’abord en tant que Photographie de portrait dans les studios photographiques, le coût relativement faible du daguerréotype a conduit à une augmentation générale de la popularité de la photographie de portrait par rapport à un portrait peint. La photographie en tant que médium était sans doute avant-gardiste en soi, car faire un portrait n’était plus l’apanage des très riches. À la fin du XIXe siècle, de nombreux photographes ont rejeté les cadres traditionnels et ont commencé à élargir le genre de la photographie picturale et à le promouvoir au grand art., Ce qui a d’abord été un simple outil de documentation est devenu un véritable médium artistique à part entière. Lorsque les premières caméras de petit format simples à utiliser ont atteint les rues, la photographie a été complètement démocratisée et révolutionnée en tant que médium avec diverses approches avant-gardistes qui ont grandement affecté la culture visuelle.
la photographie D’Avant-Garde
ayant une puissance expressive indicible et devenant un véhicule de la conscience moderne qui s’est produite après la Première Guerre mondiale, de nombreux artistes d’avant-garde se sont tournés vers la photographie pour capturer l’âme de la société industrielle contemporaine., Au cours des années 1920 et 30, diverses formes et techniques non conventionnelles, telles que les photogrammes abstraits ou les photomontages, ont commencé à émerger. Divers artistes ont expérimenté cette forme puissante, dont László Moholy-Nagy, aujourd’hui considéré comme un père de la photographie d’avant-garde, August Sander et Albert Renger-Patzsch.
la photographie d’avant-garde en France, dont la capitale était le centre incontesté de l’avant-garde internationale, était enracinée dans le surréalisme qui prônait la transformation sociale en rejetant les valeurs et les conventions bourgeoises., Les photographes surréalistes ont utilisé des techniques telles que la double exposition, l’impression combinée et la tonalité inversée pour créer l’imagerie qui a brouillé la ligne entre le rêve et la réalité. Les artistes russes El Lissitzky et Alexander Rodchenko ont utilisé diverses techniques qui ont servi à briser les conventions de la perception et de la représentation visuelle telles que les Gros plans extrêmes, les horizons inclinés ou les formes abstraites.
cette période de l’entre-deux-guerres fut certainement l’une des plus riches de l’histoire photographique et elle poussa ce médium au-delà de ses limites antérieures., Les œuvres de photographes d’avant-garde tels que Man Ray, Eugène Atget, André Kertesz, Claude Cahun ou Henri Cartier-Bresson, donnent un aperçu de cette période immensément productive et créative., Avec les paysages urbains surréalistes d’Atget empreints d’inquiétude élégiaque et d’étrangeté étrange, les compositions révolutionnaires de Kertesz, les expérimentations formelles de Ray par transplants, la remise en question et la déstabilisation par Cahun des modèles établis de l’identité de genre, la sensibilité et l’appréciation du moment par Cartier-Bresson, cette approche créative et avant-gardiste de l’avant-guerre
la naissance du théâtre d’Avant-Garde
semblable à d’autres formes d’avant-garde, le théâtre expérimental ou d’avant-garde a émergé comme une réaction contre une crise culturelle générale perçue et il a rejeté à la fois l’âge et les façons dominantes d’écrire et Renonçant aux valeurs et aux conventions bourgeoises, ce nouveau concept a tenté d’introduire une application différente du langage et du corps afin de changer la perception et de créer une relation plus active avec le public., Cela a commencé en 1896 avec Alfred Jarry et sa pièce Ubu Roi qui a renversé les règles, les normes et les conventions culturelles de manière sauvage, bizarre et comique. Cette pièce avait une importance révolutionnaire car elle ouvrait la porte au modernisme du 20ème siècle et influençait Dada, le surréalisme et le Théâtre de l’absurde.
traditionnellement perçu comme un observateur passif, le rôle du public a d’abord été remis en question avec la montée de l’avant-garde., Le public s’est impliqué de diverses manières, comme participer à l’action à un niveau très pratique ou être invité à ressentir une certaine manière afin de changer ses attitudes, ses valeurs et ses croyances. Le célèbre réalisateur Peter Brook a décrit cet objectif comme ‘un théâtre nécessaire, dans lequel il n’y a qu’une différence pratique entre l’acteur et le public, pas une différence fondamentale. »Avant garde visait également à changer le visage social du théâtre, avec des artistes devenant des militants culturels de toutes sortes., Ce fut le cas avec le théâtre didactique agit-prop qui visait à faire une certaine déclaration morale ou politique et à défier les valeurs et les croyances du public. Avant garde a également contesté et rejeté la méthode hiérarchique traditionnelle de création du théâtre. Les artistes ayant plus de liberté interprétative, ils ont été promus artistes créatifs à part entière. De plus, les conventions traditionnelles de l’espace, du mouvement, de l’humeur, de la tension, du langage et du symbolisme ont été modifiées.
le théâtre d’Avant-Garde français et russe
le théâtre D’avant-garde en France a été significativement marqué par le Dada et le surréalisme. Les dadaïstes se sont approprié plusieurs principes esthétiques pour la création du drame à partir des futuristes, tels que l’utilisation de l’action simultanée et d’une relation antagoniste au public. La production de Gas Heart de Tristan Tzara était elle-même une forme d’anarchie contre l’art et plus précisément le théâtre et elle a donné lieu à une lutte entre ses partisans et ses détracteurs., L’introduction du surréalisme par André Breton en 1924, qui avait rompu avec Dada deux ans plus tôt, a marqué la mort de Dada en tant que mouvement d’avant-garde influent. Le surréalisme était une force majeure dans l’écriture expérimentale et les œuvres théâtrales les plus célèbres étaient celles d’Antonin Artaud et de Guillaume Apollinaire. La pièce D’Artaud mystères de l’amour produite en 1927 a été la première pièce à appliquer la technique surréaliste de l’écriture automatique. Deux amants dans la pièce changent constamment leur relation et interagissent avec divers autres personnages dont l’identité a changé.,
pendant ce temps, en Russie, le théâtre est devenu un foyer d’expérimentation et un puissant véhicule de propagande révolutionnaire. Avec un livret dans la langue expérimentale « zaum », une combinaison de langue maternelle Slave primitive mélangée à des chants d’oiseaux et à des énoncés cosmiques, et des costumes composés de triangles et de carrés monochromes, le premier opéra futuriste au monde, Victory of the Sun, en 1913, a suscité l’indignation du public. Le costumier était le jeune Kazimir Malevich qui a commencé à expérimenter dans le théâtre avant de développer et d’articuler sa vision et ses idées artistiques., Le théâtre a été transformé d’un lieu de naturalisme et d’émotion à un spectacle de fête foraine à part entière. Des artistes tels que Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin, Alexandra Exter et Lyubov Popova ont créé des décors et des costumes Radicaux et scandaleux pour une époque futuriste qui a inspiré Fritz Lang et même Flash Gordon. Vsevolod Meyerhold, l’un des militants les plus enthousiastes du nouveau théâtre soviétique, a défendu l’expression corporelle dans le jeu d’acteur et jeté les bases du théâtre physique moderne. Une pléthore de styles artistiques ont vu le jour au cours de ces années tumultueuses., Comme Maïakovski a écrit plus tard, le Théâtre n’est pas un miroir, mais une loupe.’
le théâtre de l’absurde
pendant l’entre-deux-guerres, le théâtre d’avant-garde fleurit et divers mouvements théâtraux d’avant-garde émergèrent., Inspiré par ces expérimentations théâtrales de la première moitié du siècle et par les horreurs de la Seconde Guerre mondiale, le nouveau théâtre D’avant-garde Parisien rejette complètement les décors, les personnages, les intrigues et les mises en scène traditionnels. Appelé par le critique de théâtre Martin Esslin comme le Théâtre de l’absurde, il impliquait des écrivains célèbres tels Qu’Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet, Arthur Adamov et Fernando Arrabal., Suivant la philosophie D’Albert Camus selon laquelle la situation humaine est essentiellement absurde et dépourvue de but, ces auteurs ont créé une fiction absurde qui a donné son nom à ce style de théâtre qui a évolué à partir de leur travail. Ces pièces ont été imprégnées par la vision pessimiste de l’humanité qui est laissée sans espoir, désorientée et anxieuse. Certaines des pièces de théâtre les plus célèbres de cette période sont wainting for Godot de Beckett, The Bald Soprano de Ionesco, The Maids de Genet, The Room de Harold Pinter et Who’s Afraid of Virginia Wolf D’Albee., L’héritage et les échos du Théâtre de l’absurde ont pu être vus dans de nombreuses œuvres de dramaturges ultérieurs.
Avant-Garde Aujourd’hui
selon tout ce que raconte notre histoire, l’avant-garde est censée être en avance sur son temps. Par conséquent, la logique veut que les gens aient besoin de temps pour reconnaître que quelqu’un était « en avance sur leur temps”, sinon l’avant-garde ne serait pas vraiment avant-garde en premier lieu., À l’époque de l’émergence de la plupart des mouvements historiques, c’était aussi une manière de s’opposer à la manière conventionnelle de regarder l’art et de remettre en question l’approche académique de celui-ci. Mais maintenant que l’Académie est consciente des mouvements d’avant-garde historiques, et qu’elle se range également du côté de l’art contemporain, comment discerner une véritable progressivité?,
pourquoi la définition Avant-gardiste est si complexe Aujourd’hui
l’art contemporain connaît le meilleur de fois et le pire des temps. Il est précédé d’un grand nombre de mouvements significatifs et éclairé par les questions déjà résolues, qui pourraient être considérées comme un avantage, ou s’avérer être un handicap limitant. Certains sont encore dérangés par le fait que l’art est difficile à définir, mettant le blâme sur l’avant-garde., Et bien que ces commentaires soient souvent à côté du sujet, il ne serait pas mal de reconsidérer l’héritage que les mouvements d’avant-garde nous ont laissé. Oui, cela nous a donné beaucoup à remercier, nous fournissant des millions de façons différentes d’aborder l’art, non seulement comme une forme traditionnelle, mais aussi comme un Ready-Made, un assemblage, une performance, un happening, un acte, un document, une installation, etc. Mais d’un autre côté, n’éprouvons-nous pas tous, de temps en temps, le sentiment inconfortable de vivre dans un monde où tout a déjà été dit et fait, en nous demandant, Et maintenant?,
Pseudo-autonomie de L’Art Contemporain
il y a une autre chose qui rend la question de « l’avant-garde contemporaine” difficile à résoudre, et c’est la prévalence des critiques qui visent généralement à interpréter l’art à leur manière et à présenter certaines œuvres comme quelque chose qu’elles ne sont pas fondamentalement., Ce qui se passe par conséquent, c’est que, faute de mots fournis par les artistes eux-mêmes, l’art devient facilement transformé en une matière souple qui change de forme lorsqu’on passe d’une interprétation à l’autre. D’autre part, la plupart des mouvements d’avant-garde avaient un manifeste expliquant leur sentiment, soit franchement, soit implicitement. Aujourd’hui, nous ne sommes pas habitués à ce que les artistes soient leurs propres « curateurs”, ou même à former des groupes et des mouvements. Le mouvement artistique supposé, ou un leitmotiv fédérateur qui rassemble un groupe, est généralement adapté par quelqu’un d’autre.,
être Cool contre être Avant-gardiste – les Yba
reconnaître l’avant-garde dans l’art d’aujourd’hui, c’est prendre le risque de proclamer quelque chose d’pertinent pour l’avenir, de préférence réformiste, voire illuminatif., Dans notre passé récent, quelques soi-disant mouvements semblaient avoir pour but d’atteindre ces objectifs, mais il est encore incertain si leur énergie collective était d’avant-garde, ou simplement d’avenir. Tout comme cela s’est produit dans notre passé lointain, cela s’est également produit dans notre passé récent – la plupart des découvertes importantes commencent par une seule exposition. Beaucoup s’accordent à dire que Freeze, dirigé par Damien Hirst en 1988, a marqué un tournant dans la carrière d’artistes dont les noms se sont associés à de jeunes artistes britanniques plus tard., Les Yba sont devenus un groupe historique, même si les noms de la liste ont été ajoutés et effacés au fil du temps. Étant donné que la plupart de ces artistes venaient de la même école (orfèvres) et étaient prétendument favorables à un mode de vie insouciant particulièrement sauvage, les Yba semblaient en effet être un groupe réel. Pourtant, quand il s’agit de leur art, alors qu’il était principalement basé sur la tactique de choc qui restait le dénominateur commun dans leur travail, il se caractérisait par une diversité délibérée dans le style., Outre le fait que la plupart d’entre eux se sont révélés être de grands entrepreneurs, capables de tirer parti de la publicité positive et négative, il faudrait un tout autre article pour discuter de la question de savoir si les Yba (en tant que groupe) étaient particulièrement constructifs vis-à-vis de l’art lui-même. Après tout, ils n’étaient pas les premiers à utiliser le « choc” comme méthode.,
probablement esthétique avant-gardiste – relationnelle
Une autre tentative de définir quelque chose de révolutionnaire était Nicholas Bourriaud en 1996, à la suite de l’exposition qu’il a organisée – traffic. Même si certains des artistes qui y ont participé ignorent le terme à ce jour (et prennent un moment pour rappeler le problème susmentionné des commissaires voyant quelque chose qui n’est pas là) Bourriaud a vu l’exposition comme exemplaire de quelque chose de frais., C’est le point de départ de sa définition de l’esthétique relationnelle, perçue comme un nouvel « isme” par certains, et rejetée comme une réitération du déjà existant par d’autres. En bref, il se définit comme un art qui s’appuie sur le contexte social et le réseau des relations humaines, qui servent à déchiffrer l’œuvre d’art elle-même. En d’autres termes, l’œuvre est un médiateur, une interface dont la valeur ne se mesure pas dans ses qualités physiques, mais à travers sa capacité à traduire l’information entre l’artiste et le spectateur, en comptant sur la réponse du spectateur pour compléter son propos., Au cas où vous ne l’auriez pas remarqué, l’idée d’un tel artefact est étroitement liée aux opportunités offertes par Internet, mais notre relation avec Internet n’était pas pleinement reconnue à l’époque. Nous n’aurions donc pas tort de dire que la capacité du commissaire français à tirer de précieuses conclusions d’un phénomène nouveau était assez avant-gardiste.,
potentiellement révolutionnaire – Art influencé par L’ontologie orientée objet
presque par coïncidence, mais apparemment un peu plus tard, un autre mouvement a officiellement émergé dans la philosophie contemporaine, et son influence actuelle et potentielle sur l’art ne peut être surestimée. L’ontologie orientée objet parle d’un monde dans lequel nous vivons, sous un angle que nous n’avons pas envisagé auparavant, plaçant l’objet à la place de l’homme., Vous pouvez donc oublier L’anthropocentrisme de Kant et embrasser une nouvelle ère dans laquelle la race humaine transmet son titre à des objets, par exemple des robots, des machines, des octets, dans laquelle nous ne rendons plus les objets comme dépendants de notre interprétation ou même de notre simple reconnaissance. ” Les expositions ne nous sont pas exposées, C’est nous qui leur sommes exposées », a ainsi abordé Pierre Huyghe. Dans cet esprit, nous pourrions nous attendre à l’influence de OOO sur l’art à l’avenir, et observer comment le trans-humanisme affecte déjà certains des artistes étiquetés comme des artistes post-internet.,
Tellement Kitsch Qu’il Devient de l’Art – Art Kitsch
Mais si l’on considère l’avant-garde en s’opposant à la définition académique de l’art, nous pourrions tout aussi bien dire que lobrow est la nouvelle avant-garde. Parce que, pourquoi pas. Il n’est pas si difficile de croire que le Duchamp du 21e siècle rejetterait toute « progressivité » d’aujourd’hui et négligerait l’art contemporain et même Le ready-made, et finirait par embrasser le surréalisme pop comme un mouvement manifestement négligent et étourdi., S’il y a quelque chose qui manque cruellement dans l’art du 21ème siècle, c’est le bonheur – le bonheur authentique, l’espoir, la joie, la joie, qui contribuent tous à une vision positive et insouciante de la vie, qui est en quelque sorte devenue associée au kitsch plutôt qu’à l’art. Quelque chose de vraiment frais, dans le monde d’aujourd’hui, signifierait quelque chose d’affirmatif, qui ne vise pas à contester ou à remettre en question quoi que ce soit, mais plutôt à se contenter des choses, telles qu’elles sont.,
Est Le Contemporain d’Avant-Garde Inaccessible?
être en avance sur son temps, au 21ème siècle, est presque impossible. L’impression générale que le temps s’accélère constamment est un problème pour commencer., Avec l’information voyageant aussi vite qu’un robinet sur l’écran, traduire des idées devient plus facile, mais aussi notre compréhension présumée de ces idées (alléguée, parce que dans le pire des cas, nous sommes un peu plus facilement convaincus que nous les comprenons). Comment pouvons-nous dire si quelque chose est en avance sur son temps, si notre perception du temps n’est pas clair lui-même? Le nouveau devient usé plus vite que jamais, et même si le temps est courbé et que le passé se reproduit sous une forme ou une autre, nous avons à peine le temps de le reconnaître. Être avant-gardiste dans les années 2010 signifie être plus grand, meilleur, plus audacieux que l’art contemporain., Comment y parvenir, alors que l’art contemporain comprend tout ce qui a trait à l’esprit de notre temps? Ou tout l’art contemporain est-il à l’avant-garde par sourd?
Au lieu d’une véritable conclusion, nous laisserons les dernières phrases de L’art contemporain de Liam Gillick ne tenant pas compte de ce qui se passe vous donner quelque chose de grand à penser: « le régime du contemporain devient de plus en plus inclusif de son propre passé et de son avenir Éternel. Gonflé et au bord de l’utilité, il tend la main sans fin dans toutes les directions., Mais la terre plate en laquelle les gens croyaient autrefois, et le ciel sans fin de l’Occident aussi. »
écrit par Angie Kordic, Silka P, Elena Martinique et Natalie p
toutes les images à des fins d’illustration seulement.