kép és látvány
a fogyasztás és a televízió, a reklám és a tömegtájékoztatás új korszakában egyre elterjedtebbé vált. 1968 – ban például az amerikai közönség először tanúja volt a vietnami háború cenzúrázatlan felvételeinek a saját otthonukban, éles kapcsolatot biztosítva a saját kényelmes életükkel, amikor tanúi voltak a háború borzalmainak a vacsora alatt., A képernyőn megjelenő képek egy új valóságot tükröztek, és gyakran nehezebb volt különbséget tenni a tény és a fikció között, különösen a reklámok széles körű használatával. Jean Baudrillard, a neves francia filozófus ezt a helyzetet “hiperrealitásnak” nevezte, a posztmodern létezést egy villogó TV-képernyőhöz hasonlítva: azonnali, változó és töredezett, mögöttes igazság nélkül. Ezek az új ötletek inspirálták a művészeket, mint például Barbara Kruger, aki inkább a felületet ábrázolta, mint bármilyen igazságot vagy mélyebb jelentést. A stílus és a látvány, nem pedig az anyag volt az, ahol értelmet hoztak létre., Ez a hangsúly a surface egyik legfontosabb összetevője Kruger i Shop ezért vagyok (1987), valamint sok a Pop art. Egyszerre, egy tábor esztétikai született, különösen nyilvánvaló a divat, zene, hogy felhívta a korábbi stílusok Gótikus, Barokk; a több, káprázatos, színes, pedig sokkoló – a hatékonyabb. Jeff Koons munkája jó példa a posztmodern művészet ezen aspektusára.,
az esztétikai kódok keveredése
a modernizmus először a 19. században jelent meg Franciaországban, a Francia Akadémia történelmi és figuratív elfoglaltsága és a művészi ízlés feletti dominanciája elleni lázadásban. A 20. század elején követett avantgárd mozgalmak fokozatosan megszüntették a kontextusra vagy tárgyra való utalásokat, a radikális és új vizuális kifejezés tiszta és nem egyenletes formáját keresve. Ez a tendencia absztrakt expresszionizmussal érte el csúcspontját, amely a nem reprezentációs festészetet támogatta., A mozgalmat követő évtizedekben azonban a közegként való festést közhelynek tekintették, kevés hely maradt a kísérletezésre. A posztmodernizmus megjelenésével egyes művészek a múlt stílusait és a médiát – különösen a festészetet – kezdték felfedezni a posztmodern esztétika részeként, amely mind a történelmi, mind a szubjektív, de a stilisztikai integritás vagy egység céltudatos hiányával hozta vissza.
olyan művészek, mint Gerhard Richter, játékosan keverték az esztétikai kódokat és műfajokat, kiszorítva a meglévő értelmet a struktúrákban és újakat teremtve., A paródia és a pastiche módszereivel a régi ötleteket új kontextusokban lehet újra létrehozni. Ahogy a dadaisták korábban tették, más művészek kollázst, összeszerelést és bricolage-ot használtak, amely egymás mellé illesztette a szöveget, a képet, és tárgyakat talált réteges felületek létrehozására. Ez a kódkeverés különösen az 1980-as és 1990-es évek építészetében mutatkozik meg, mint például az Egyesült Királyság Nemzeti galériájának Sainsbury szárnya, amely két különböző történelmi időszak jellemzőit egyesíti egy vizuális látványossággá. A filmben a hatás jelentősen javítható., Például, Quentin Tarantino, Pulp Fiction (1994) ellentmond a hagyományos elbeszélés, rajz, több műfajban kínál egy töredezett montázs karakterek, valamint a telkek egy tetszőleges sorrendben. Sok művész az 1960-as és 1970-es években is a multimédiás technológiákhoz fordult, élvezve azokat az új lehetőségeket, amelyeket a Média összekapcsolására, a látvány és az érzés megteremtésére biztosítottak.
nem csak az új multimédiás technológiákkal voltak lehetőségek; az 1950-es és az 1960-as évektől kezdve jelentős volt az átfedés a művészeti tudományok között, mivel a hagyományos kategóriákat felváltották., A népszerű posztmodern kifejezés a “bármi megy” volt, amely mind erre a növekvő konvergenciakultúrára, mind a “jó” és a “rossz” íz közötti különbség összeomlására, valamint az érték hozzárendelésének nehézségére vagy a műalkotások hagyományos kritériumok alapján történő megítélésére utalt, mint Jeff Koons esetében. A művészek elfogadták mind a művészeti, mind a nem művészeti formák, például a reklám mechanizmusait, sok média segítségével több üzenet közvetítésére.
eredetiség és hitelesség
1917-ben Marcel Duchamp egy kiállításon egy kitalált névvel aláírt piszoárt helyezett el, amelyet művészetnek nevezett., Ennek során gúnyolta az egész alapítványt, amelyre a művészeti intézmény épült. Hagyományosan az egyediség és az eredetiség adta a műalkotásnak az értékét vagy az “auráját”, mind szimbolikus, mind monetáris értelemben, és a modernista művészeti kritika által megőrzött koncepció volt. 1936-ban, a kulturális teoretikus, Walter Benjamin, írt egy szemináriumi esszét “The Art In The Age of Mechanical Reproduction” címmel, amely radikálisan átdolgozta ezt a nézetet, az elitizmus vádjait az olyan kulcsfontosságú figurák lábánál, mint Greenberg., Benjamin azt állította, hogy a sokszorosítás nyomtatás és más módszerek révén a művészet demokratizálódását az alacsonyabb árucikkérték és a tömegekhez való fokozott hozzáférhetőség miatt érheti el.
a művészeket, minimalists, előadók, a konceptuális művészek, mások elfogadott Benjamin szellemiség, értelmezése, a szavak keresztül igen változatos a média, a technikák, amelyek aláásták a fogalmakat, a hitelesség, illetve értékét, valamint torz commoditization. Roy Lichtenstein és Andy Warhol tömeggyártású táskák és bögrék, ikonikus képekkel nyomtatott képernyő., Oldenburg, aki buzgón magáévá tette azt az elképzelést, hogy bármi lehet, és művészetnek kell lennie, nyitott egy boltot, amely ilyen olcsó Művészeti példák értékesítésére szentelt, az árak 21.79 dollártól kezdődnek. Donald Judd, valamint Sol LeWitt mutatott az ismétlődő formák, de maradt az irányítást a megállapodás, hogy a kurátor; Allan Kaprow, Marina Abramović, a Fluxus művészek fel előadások, amelyben a közönség, nem pedig a művész határozza meg a formája, jelentése. Az összes csík művészei, köztük Warhol, Richter és Koons, ismertek voltak a fényképészeti és egyéb képekkel való ellátásukról., Az 1970-es évek feminista művészetén belül, majd az 1990-es években egyes művészek körében megnőtt az érdeklődés a kollektív szerzőség eszméje iránt, amely tovább aláásta a kreativitás és a művészi zseni hagyományos ötleteit, amelyek a reneszánsz óta léteznek. Az olyan művészek, mint Daniel Buren, egyre inkább a művészeti tárgy helyett a művészet társadalmi folyamatával foglalkoztak, és a jelentés létrehozását az interakció pontjára helyezték., Ez az új gyakorlat vált ismertté, mint relációs esztétika, és ellenállt commoditization művészet révén performatív jellege, amely egy erős kritika a művészeti világ, egy olyan területen, hogy jött, hogy ismert intézményi kritika.
Pluralizmus
A posztmodern törekvés egy demokratikus művészet túllépett szaporodás, előirányzat, kísérletek a kollektív szerzőség. A modernista művészetet nemcsak elitistának, hanem fehérnek, nyugatinak és férfiuralomnak is tekintették., Posztmodern egybeesett a nő, a Feminizmus, a polgárjogi mozgalom, a harc az LMBT jogok, a posztkoloniális hittem, valamint váltott ki aggodalmat egy pluralista megközelítés; más szavakkal, sok művész, mint például Kara Walker, valamint Felix Gonzalez-Torres kezdett cím alanyok több szempontból, hogy tartalmazza a szempontok a korábban alulreprezentált pozíciók (az ilyen vizsgálatok vezetett, hogy a fejlesztési Politika, Identitás, valamint Buzi Art).,
emellett az akkori filozófusok, mint Michel Foucault és Antonio Gramsci, a posztstrukturalizmus eszméihez fordultak, amelyek megértették a társadalom intézményeit, például a börtönöket és a kórházakat, mivel a stabil rendszerek helyett a koherens jelentés hiányát adták nekik. A művészetre gyakorolt hatás a sokszínű, multikulturális identitás fokozott ábrázolása, valamint az identitás és az én Játékos kezelése volt, nyilvánvaló olyan művészek korai munkáiban, mint Barbara Kruger vagy Cindy Sherman., Ez különösen igaz Shermanre, akinek munkája a filmen vagy más médián keresztül felépített identitás és a női tapasztalatok valósága közötti szakadékra összpontosít. Ennek során Sherman felhívja a közönség figyelmét a termelés eszközeire és annak poliszemikus jellegére, kiemelve azt a tényt, hogy egy műalkotást a közönség számos módon értelmezhet, így ellenállva a mester narratíváknak és a művész végső tekintélyének.,
Későbbi Fejlemények
jelenleg két fő elméleti megközelítések megértése posztmodern, annak kapcsán, hogy a modernizmus, meg a helyet a kortárs művészet világában.
folyamatos felépítés a modernizmusra
az egyik érv az, hogy a posztmodernizmus egyaránt megzavarja és folytatja a modernizmust, mivel bizonyíték van mind a kortárs művészetben, amely egy olyan kifejezés, amely széles körben utal az elmúlt húsz évben létrehozott művészetekre, így magában foglalja bármely stílus összes művészeti alkotását., A posztmodernizmust jelző attitűdök és stílusok paradigmatikus eltolódásként értelmezhetők, amelyek a kultúrtörténet szakadását vagy válságát jelzik. Ebből a szempontból a posztmodern, posztkoloniális és poszt-feminista gondolkodás hatása a művészet változásának tengerét váltotta ki, amelyet olyan feminista írók írtak le, mint Rosalind Krauss és Suzanne Lacy. Természetesen a kortárs művészeti gyakorlat sokszínű, efemer, globálisan fókuszált, keresztezett, kollaboratív jellegét a posztmodern attitűdök tájékoztatják, és mind kitartónak, mind átalakítónak tűnnek., A posztmodernizmus azt állítja, hogy megszünteti a szakadékot a “magas” és az “alacsony” kultúra, valamint a “jó” és a “rossz” íz között, de bizonyíték van arra, hogy ezek a különbségek továbbra is fennállnak. Az 1990-es évek elején a fiatal aranyművesek egy csoportja összeállította a Sensations nevű posztgraduális show-t-egy nagyon posztmodern koncepció. A reakció példátlan volt. A közönség és a kritikusok egyaránt sokkot és felháborodást fejeztek ki a provokatív ábrázolásokon, és kifejezetten utaltak a “rossz” ízlésű témákra., A csoport vált ismertté, mint a fiatal brit művészek (YBAs), és felkeltette az ébredés a konceptuális művészet segítségével sokk taktika megkérdőjelezni art jelentése, mint Duchamp tette közel 80 évvel korábban. Hírhedtségük megmaradt, csakúgy, mint az érzékek feletti furor, bizonyítékot szolgáltatva néhány számára, hogy a modernizmus régi ízhierarchiái tovább élnek. Ezzel az érveléssel a posztmodernizmus nem váltotta fel a modernizmust, hanem együtt él vele.,
a posztmodernizmus kora
egy másik nézet, amely a közelmúltban egy kicsi, de meggyőző írásban jelent meg, azt állítja, hogy továbbléptünk egy posztmodern korszakba. Egyes írók és kritikusok azt állítják, hogy a posztmodernizmus elavult, és megkérdőjelezik a felszínesség, a cinizmus és a nihilizmus által fenntartott mozgalom értékét. Néhányan még a modernizmus elveihez való visszatérés mellett érvelnek, bár különböző formákban. Edward Docx ezt a posztmodern korszakot a “hitelesség korának” nevezi, amelyet a hitelesség és a kézművesség újjáéledése jellemez a stílus és a koncepció felett., Más monikerek közé tartozik az” alter modernizmus”, amely Nicolas Bourriaud” nonstop kommunikációs és globalizációs “kultúrájának mai kifejezése, valamint az” ál-modernizmus”, amelyet Alan Kirby alkotott. Kirby azt állítja, hogy a közönség látványosságáról egy aktívabb, mégis triviális részvételre vált át, bizonyítékként hivatkozva a valóság-TV-nézési kultúrára. Ezek a posztmodernizmus végének állítására irányuló kísérletek széles körűek és általában nem konzekvensek, de kritikájuk elemeiben egyesülnek., Mindannyian fáradtak a posztmodern irónia könyörtelenségétől, és vágynak arra, hogy visszatérjenek az igazsághoz és a valósághoz. Különböző módon aláássák a posztmodernizmus dominanciáját, mint gondolkodásmódot vagy az élethez való hozzáállást, csökkentve azt a mozgások hosszú története során egyetlen mozgalomra, amely most bukása.