Indie rock (Deutsch)

Post-punk und indie popEdit

The BBC documentary Music for Misfits: The Story of Indie pinpoints the birth von Indie als 1977 Selbstveröffentlichung der Spiral Scratch EP von Manchester Band Buzzcocks., Obwohl Buzzcocks oft als Punkband eingestuft werden, wurde von der BBC und anderen argumentiert, dass die Veröffentlichung von Spiral Scratch unabhängig von einem großen Label dazu führte, dass der Name „Indie“ geprägt wurde („Indie“ ist die verkürzte Form von „independent“).

ein“Indie-pop“ und „indie“ waren ursprünglich Synonym. Mitte der 1980er Jahre wurde“ Indie “ verwendet, um die Musik zu beschreiben, die auf Post-Punk-Labels und nicht auf den Labels selbst produziert wurde. Die Indie-Rock-Szene in den USA wurde durch den College-Rock vorgegeben, die College-Radio-Wiedergabelisten dominiert, die Schlüssel Bands wie R. E. M. enthalten., aus den USA und den Smiths aus Großbritannien. Diese beiden Bands lehnten den dominanten Synthpop der frühen 1980er Jahre ab und inspirierten den gitarrenbasierten Jangle-Pop; Weitere wichtige Bands des Genres waren the Maniacs und the Dbs aus den USA sowie The Housemartins und The La ‚ s aus Großbritannien. In den Vereinigten Staaten wurde der Begriff besonders mit den abrasiven, verzerrungslastigen Klängen der Pixies, Hüsker Dü, Minutemen, Meat Puppets, Dinosaur Jr.und The Replacements in Verbindung gebracht.,

Im Vereinigten Königreich war die C86-Kassette, eine 1986 erschienene NME-Compilation mit Primal Scream, The Pastelle, The Wedding Present und anderen Bands, Anfang 1986 ein Dokument der britischen Indie-Szene. Es gab seinen Namen der folgenden Indie-Pop-Szene, die einen großen Einfluss auf die Entwicklung der britischen Indie-Szene als Ganzes hatte. Wichtige Vorläufer des Indie-Pop waren die Bands Josef K und Orange Juice, und bedeutende Labels waren Creation, Subway und Glass., Der Sound der Jesus and Mary Chain kombinierte den „Melancholy Noise“ des Velvet Underground mit Beach Boys Pop-Melodien und Phil Spectors „Wall of Sound“ – Produktion, während New Order aus dem Untergang der Post-Punk-Band Joy Division hervorging und mit Techno und House experimentierte Musik.

Noise-rock und shoegazingEdit

Die meisten abrasiven und uneinigen Folge von punk noise rock, der betonte laut verzerrten elektrischen Gitarren und kraftvollen drums, und wurde erstmals von bands, darunter Sonic Youth, Big Black und Butthole Surfers.,

SWANS, eine einflussreiche Band aus New York, kann leicht, aber fälschlicherweise als Noise Rock eingestuft werden, wird jedoch korrekter als Teil der No Wave-Szene identifiziert, zu der Lydia Lunch und James Chance gehörten & Die Verzerrungen. Diese Bands wurden von Brian Eno auf dem wegweisenden Compilation-Album No New York dokumentiert. Eine Reihe von prominenten Indie-Rock – Plattenlabels wurden in den 1980er Jahren gegründet. Dazu gehören Washington, D. C.,Dischord Records in 1980, Seattle Sub Pop Records in 1986 und New York City Matador Records und Durham, North Carolina Merge Records in 1989. Chicagos Touch and Go Records wurde 1979 als Fanzine gegründet und begann in den 1980er Jahren mit der Veröffentlichung von Platten.

Die Jesus and Mary Chain, zusammen mit Dinosaur Jr, Indie Pop und dem Dream Pop der Cocteau Twins, waren die prägenden Einflüsse für die Shoegazing-Bewegung der späten 1980er Jahre., Benannt nach der Tendenz der Bandmitglieder, auf der Bühne auf ihre Füße und Gitarreneffektpedale zu starren, anstatt mit dem Publikum zu interagieren, wirkt wie My Bloody Valentine, und später erzeugten Slowdive und Ride eine laute „Klangwäsche“, die Gesang und Melodien mit langen, dröhnenden Riffs verdeckte, Verzerrung, und Feedback. Die andere große Bewegung Ende der 1980er Jahre war die drogengetriebene Madchester-Szene., Basierend auf der Haçienda, einem Nachtclub in Manchester, der New Order und Factory Records gehört, mischten Madchester-Bands wie Happy Mondays und The Stone Roses Acid House-Tanzrhythmen, Northern Soul und Funk mit melodischem Gitarrenpop.

Entwicklung: 1990sEdit

Alternative tritt in den mainstreamEdit ein

Die 1990er Jahre brachten große Veränderungen in die Alternative-Rock-Szene., Grunge-Bands wie Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden und Alice in Chains brachen in den Mainstream ein und erzielten kommerziellen Charterfolg und weit verbreitete Bekanntheit. Punk-Revival-Bands wie Green Day und The Offspring wurden ebenfalls populär und wurden unter dem Dach der „Alternative“ zusammengefasst. In ähnlicher Weise tauchten im Vereinigten Königreich Bands wie Blur und Oasis in den Mainstream ein und gaben die regionalen, kleinen und politischen Elemente der Indie-Szene der 1980er Jahre auf., Bands wie Hüsker Dü und Violent Femmes waren in dieser Zeit genauso prominent, aber sie sind ikonoklastisch geblieben und nicht die Bands, die häufig als Inspirationen für die aktuelle Generation von Indie-Rockern genannt werden.

Als Folge des Übergangs alternativer Rockbands in den Mainstream verlor der Begriff „Alternative“ seine ursprüngliche gegenkulturelle Bedeutung und begann sich auf die neue, kommerziell leichtere Form von Musik zu beziehen, die jetzt Mainstream-Erfolg erzielte., Es wurde argumentiert, dass sogar der Begriff „Ausverkauf“ seine Bedeutung verlor, da Grunge es ermöglichte, dass eine Nischenbewegung, egal wie radikal, vom Mainstream mitbestimmt wurde und die Bildung einer individualistischen, fragmentierten Kultur zementierte. Diese Theorie geht davon aus, dass das Bleiben unabhängig zu einer Berufswahl für Bands wurde, die eher in Industriefunktionen als in ein Ideal eingeweiht waren, da das Prinzip des Widerstands gegen den Markt zugunsten einer synergistischeren Kultur verdunstete.

Der Begriff „Indie Rock“ wurde mit den Bands und Genres in Verbindung gebracht, die ihrem unabhängigen Status gewidmet blieben., Sogar Grunge-Bands begannen nach ihrer Erfolgspause, unabhängigere Musik zu kreieren, die die Linien weiter verwischte. Ryan Moore hat argumentiert, dass sich das, was als Indie-Rock bekannt wurde, im Zuge der Aneignung von Alternative Rock durch die Unternehmensmusikindustrie zunehmend der Vergangenheit zuwandte, um Formen von „Retro“ – Rock zu produzieren, die sich auf Garage Rock, Surf Rock, Rockabilly, Blues, Country und Swing stützten.

Indie electronicEdit

Indie elektronische deckt rock-basierte Künstler, die eine Affinität für die elektronische Musik, mit Samplern, Synthesizern, drum-Maschinen und computer-Programme. Weniger ein Stil und mehr eine Kategorisierung, es beschreibt einen frühen 1990er-Trend von Acts, die in den Traditionen der frühen elektronischen Musik folgten (Komponisten der BBC Radiophonic Workshop), Krautrock und Synth-Pop. Vorläufer des Genres waren die englischen Bands Disco Inferno und Stereolab. Die meisten Musiker des Genres finden sich auf unabhängigen Labels wie Warp, Morr Music, Sub Pop oder Ghostly International.,

DiversifikationEdit

Ende der 1990er Jahre entwickelte Indie Rock eine Reihe von Subgenres und verwandten Stilen. Folgende indie-pop, die diese enthalten, lo-fi, noise pop, sadcore, post-rock, space-rock und math-rock. Lo-Fi verzichtete auf polierte Aufnahmetechniken für ein D. I. Y.-Ethos und wurde von Beck, Sebadoh und Pavement angeführt, die von eklektischen Folk-und Rock-Acts des Elephant 6-Kollektivs begleitet wurden, darunter Neutral Milk Hotel, Elf Power und von Montreal., Die Arbeit von Talk Talk Talk und Slint inspirierte Post-Rock (einen experimentellen Stil, der von Jazz und elektronischer Musik beeinflusst wurde, von Bark Psychosis Pionierarbeit geleistet und von Acts wie Tortoise, Stereolab und Laika aufgegriffen wurde) und führte zu dichterem und komplexerem, gitarrenbasiertem Math Rock, entwickelt von Acts wie Polvo und Chavez.

Space Rock blickte auf progressive Wurzeln zurück, mit drohnenlastigen und minimalistischen Acts wie Spacemen 3 in den 1980er Jahren, Spectrum und Spiritualized, und späteren Gruppen wie Flying Saucer Attack, Godspeed You! Black Emperor und Quickspace., Im Gegensatz dazu betonte Sadcore Schmerz und Leiden durch melodischen Einsatz von akustischen und elektronischen Instrumenten in der Musik von Bands wie American Music Club und Red House Painters, während die Wiederbelebung des Barock-Pop gegen Lo-Fi und experimentelle Musik reagierte, indem er einen Schwerpunkt auf Melodie und klassische Instrumentierung legte, mit Künstlern wie Arcade Fire, Belle und Sebastian und Rufus Wainwright. Weezer ‚ s Pinkerton (1996) führte das Emo-Genre einem breiteren und Mainstream-Publikum ein.,

Verbreitung: 2000sEdit

Anzeichen von kommerziellem interessEdit

In den 2000er Jahren ermöglichten die sich verändernde Musikindustrie, der Rückgang der Plattenverkäufe, das Wachstum neuer digitaler Technologien und die verstärkte Nutzung des Internets als Instrument zur Musikförderung eine neue Welle von Indie-Rock-Bands, um Mainstream-Erfolg zu erzielen., Bestehende Indie-Bands, die jetzt in den Mainstream eintreten konnten, umfassten musikalisch und emotional komplexere Bands, darunter Modest Mouse (dessen Album Good News for People Who Love Bad News 2004 die US-Top 40 erreichte und für einen Grammy Award nominiert wurde), Bright Eyes (der 2004 zwei Singles an der Spitze des Billboard Magazine Hot 100 Single Sales hatte) und Death Cab for Cutie (dessen Albumpläne 2005 auf Platz vier in den USA debütierten, fast ein Jahr in den Billboard-Charts blieben und Platin-Status und eine Grammy-Nominierung erreichten)., Dieser neue kommerzielle Durchbruch und die weit verbreitete Verwendung des Begriffs Indie für andere Formen der Populärkultur führten dazu, dass eine Reihe von Kommentatoren darauf hinwies, dass Indie-Rock kein bedeutender Begriff mehr sei.

Post-punk revivalEdit

In den frühen 2000er Jahren entwickelte sich eine neue Gruppe von Bands, die eine abgespeckte und Back-to-Basics-Version von Gitarrenrock spielten, in den Mainstream, den einige als Post-Punk-Revival bezeichneten, aber weil die Bands aus der ganzen Welt kamen, zitierte verschiedene Einflüsse (vom traditionellen Blues über New Wave bis Grunge) und verschiedene Kleidungsstile annahmen, wurde ihre Einheit als Genre umstritten.,

EmoEdit

In den 1990er Jahren diversifizierten eine Reihe von Indie-Rock-Gruppen wie Sunny Day Real Estate und Weezer das Emo-Genre von seinen Hardcore-Punk-Wurzeln. Mitte der späten 1990er Jahre begannen sich eine Reihe von Emo-Gruppen im Mittleren Westen zu bilden, darunter der Promise Ring, Die Get Up Kids und American Football. Emo brach auch in der mainstream-Kultur in den frühen 2000er Jahren mit der Platin-selling-Erfolg von Jimmy Essen Welt Bluten American (2001) und Dashboard Confessional ist Die Orte, die Sie Kommen am Meisten Fürchten (2001)., Der neue Emo hatte einen raffinierteren Klang als in den 1990er Jahren und eine weitaus größere Anziehungskraft bei Jugendlichen als seine früheren Inkarnationen. Gleichzeitig erweiterte sich die Verwendung des Begriffs „Emo“ über das Musikgenre hinaus und wurde mit Mode, einer Frisur und jeder Musik, die Emotionen ausdrückte, in Verbindung gebracht. Während der Mitte bis Ende der 2000er Jahre wurde Emo von Multi-Platin-Acts wie Fall Out Boy, My Chemical Romance, Paramore und Panic gespielt! in der Disco sagte Gerard Way of My Chemical Romance dagegen, die Band sei überhaupt nicht emo.,

Deponie indieEdit

Ende der 2000er Jahre wurde die Verbreitung von Indie-Bands, die nach dem Erfolg von The Strokes and The Libertines auftraten, als „Deponie Indie“ bezeichnet, eine Beschreibung, die von Andrew Harrison vom Word Magazine geprägt wurde. Mehrere Bänder, erzielt schnelle, aber unsustained Erfolg, wie Die Taube Detektive, Joe Lean & Jing Jang Jong und Die Paddingtons.,

Als die Idee des Indie der 1980er Jahre (bezogen auf eine Gruppe von selbstfinanzierten Plattenfirmen, die von einer Reihe von „Mavericks“ und den Bands, die sie mochten, gegründet wurden) während der Britpop-Ära abgewertet wurde, so dass Indie am Ende eine Form zeitgenössischer gitarrenbasierter Popmusik beschrieb, wurden eine Reihe neuer Acts mit dem alten Begriff „Post-Punk“ in Verbindung gebracht, obwohl diese Revivalisten bis dahin „Post-Post-Britpop“ waren., Acts, die in diese Kategorie fallen, sind Editors und Maxïmo Park

Die Dominanz von Pop und anderen Musikformen gegenüber gitarrenbasiertem Indie führte zu Vorhersagen über das Ende des Indie-Rock. Es gab jedoch weiterhin kommerzielle Erfolge wie Kasabians West Ryder Pauper Lunatic Asylum (2009), das in Großbritannien die Nummer eins erreichte. Im Jahr 2010 erreichte das Album der kanadischen Band Arcade Fire The Suburbs die Nummer eins in den Billboard Charts in den Vereinigten Staaten und die offizielle Chart im Vereinigten Königreich und gewann einen Grammy für das Album des Jahres.