obraz i spektakl
w tej nowej erze konsumpcjonizmu i telewizji Reklama i mass media stawały się coraz bardziej powszechne. Na przykład w 1968 roku, amerykańska publiczność była po raz pierwszy świadkiem nieocenzurowanych materiałów filmowych z wojny w Wietnamie we własnych domach, zapewniając całkowitą rozłąkę z własnym komfortowym życiem, gdy byli świadkami okropności wojny przy obiedzie., Obrazy na ekranie odzwierciedlały nową rzeczywistość i często trudniej było odróżnić fakt od fikcji, szczególnie przy powszechnym wykorzystaniu reklamy. Jean Baudrillard, wybitny francuski filozof, nazwał tę sytuację „hiperrzeczywistością”, porównując postmodernistyczną egzystencję do migoczącego ekranu telewizyjnego: natychmiastowego, zmiennego i rozdrobnionego, bez ukrytej prawdy. Te nowe idee zainspirowały artystów, takich jak Barbara Kruger, która zaczęła przedstawiać powierzchnię, a nie jakąkolwiek prawdę lub głębsze znaczenie. Styl i widowisko, a nie treść, były miejscem, w którym kreowano znaczenie., To skupienie się na surface jest jednym z kluczowych elementów Krugera i Shop therefore I Am (1987), a także wielu elementów Pop-artu. Jednocześnie zrodziła się estetyka OBOZOWA, szczególnie widoczna w modzie i muzyce, czerpiąca z dawnych stylów gotyku i baroku; im bardziej olśniewająca, ekstrawagancka i szokująca-tym bardziej skuteczna. Dzieło Jeffa Koonsa jest dobrym przykładem tego aspektu sztuki postmodernistycznej.,
mieszanie kodów estetycznych
Modernizm pojawił się po raz pierwszy w XIX-wiecznej Francji w buncie przeciwko historycznemu i figuratywnemu zaabsorbowaniu Akademii Francuskiej i jej dominacji nad gustem artystycznym. Ruchy awangardowe na początku XX wieku stopniowo eliminowały wszelkie odniesienia do kontekstu czy tematu, szukając czystej i niemediowanej formy wizualnej ekspresji, która była radykalna i nowa. Nurt ten osiągnął apogeum z ekspresjonizmem abstrakcyjnym, który bronił malarstwa niereprezentacyjnego., Jednak w następnych dziesięcioleciach malarstwo jako medium było uważane za banalne i pozostało niewiele miejsca na eksperymenty. Wraz z pojawieniem się postmodernizmu niektórzy artyści zaczęli eksplorować dawne style i media-zwłaszcza malarstwo – jako część estetyki postmodernistycznej, która przywróciła zarówno to, co historyczne, jak i subiektywne, ale z celowym brakiem stylistycznej integralności lub jedności.
artyści tacy jak Gerhard Richter żartobliwie mieszają estetyczne kody i gatunki, wypierając istniejące znaczenie w strukturach i tworząc nowe., Wykorzystując metody parodii i pastiszu, stare idee można było odtworzyć w nowych kontekstach. Podobnie jak dadaiści wcześniej, inni artyści używali kolażu, asamblażu i bricolage, które zestawiały tekst, obraz i znalezione przedmioty, tworząc warstwowe powierzchnie. To mieszanie kodów jest szczególnie widoczne w architekturze lat 80. i 90., takiej jak Sainsbury Wing of the National Gallery w Wielkiej Brytanii, która łączy cechy z dwóch różnych okresów historycznych w jedno wizualne widowisko. W filmie efekt można znacznie zwiększyć., Na przykład Pulp Fiction Quentina Tarantino (1994) sprzeciwia się tradycyjnej narracji, czerpiąc z wielu gatunków i oferując fragmentaryczny montaż postaci i fabuły w dowolnej kolejności. W latach 60. i 70. wielu artystów zwróciło się również do technologii multimedialnych, czerpiąc z nowych możliwości łączenia mediów i tworzenia widowisk i sensacji.
nie tylko nowe technologie multimedialne stwarzały możliwości; począwszy od lat 50.i 60. XX wieku nastąpił znaczący zwrot między dyscyplinami artystycznymi, ponieważ tradycyjne kategorie zostały zastąpione., Popularnym zwrotem postmodernistycznym było „anything goes”, które odnosiło się zarówno do rosnącej Kultury konwergencji, jak i do załamania się rozróżnienia między” dobrym „i” złym ” smakiem oraz trudności w przypisywaniu wartości lub ocenianiu dzieł sztuki w oparciu o tradycyjne kryteria, jak w przypadku Jeffa Koonsa. Artyści przyjęli mechanizmy zarówno sztuki, jak i form nieartystycznych, takich jak reklama, używając wielu mediów do przekazywania wielu wiadomości.
oryginalność i autentyczność
w 1917 roku Marcel Duchamp umieścił pisuar z fikcyjnym nazwiskiem na wystawie i nazwał go sztuką., Wyśmiewał przy tym wszystkie fundamenty, na których została zbudowana instytucja sztuki. Tradycyjnie wyjątkowość i oryginalność nadawały dziełu wartość lub” aurę”, zarówno pod względem symbolicznym, jak i pieniężnym, i były koncepcją zachowaną przez modernistyczną krytykę sztuki. W 1936 roku teoretyk Kultury Walter Benjamin napisał esej zatytułowany „The Work of Art in The Age of Mechanical Reproduction”, który radykalnie przerobił ten pogląd, stawiając zarzuty elitaryzmu u stóp kluczowych postaci, takich jak Greenberg., Benjamin twierdził, że reprodukcja, poprzez druk i inne metody, może doprowadzić do demokratyzacji sztuki ze względu na jej niższą wartość towarową i większą dostępność dla mas.
artyści Popowi, minimaliści, performerzy, artyści konceptualni i inni przyjęli etos Benjamina, interpretując jego słowa za pomocą różnych mediów i technik, które podważały koncepcje autentyczności i wartości oraz zniekształcały commoditization. Roy Lichtenstein i Andy Warhol masowo produkują torby i kubki, drukowane sitodrukiem z kultowymi obrazami., Oldenburg, który żarliwie przyjął pogląd, że wszystko może i powinno być sztuką, otworzył sklep, który był poświęcony sprzedaży tak tanich przykładów sztuki, z cenami zaczynającymi się od $21.79. Donald Judd i Sol LeWitt wystawiali swoje powtarzające się formy, ale kontrolę nad ich aranżacją pozostawili kuratorowi; Allan Kaprow, Marina Abramović i artyści Fluxus wystawiali spektakle, w których publiczność, a nie artysta, określali ich formę i znaczenie. Artyści wszystkich pasków, w tym Warhol, Richter i Koons, byli znani z zawłaszczania fotografii i innych obrazów., W sztuce feministycznej Lat 70. i ponownie w latach 90., wśród niektórych artystów nastąpił gwałtowny wzrost zainteresowania ideą zbiorowego autorstwa, który dodatkowo podważył tradycyjne idee kreatywności i artystycznego geniuszu istniejące od renesansu. Artyści tacy jak Daniel Buren coraz bardziej interesowali się społecznym procesem tworzenia sztuki, a nie obiektem sztuki i umieszczali tworzenie sensu w punkcie interakcji., Ta nowa praktyka stała się znana jako estetyka relacyjna i opierała się utowarowienia sztuki poprzez jej performatywny charakter, dostarczając silnej krytyki świata sztuki, pola, które stało się znane jako krytyka instytucjonalna.
pluralizm
postmodernistyczne dążenie do Demokratycznej sztuki wykraczało poza powielanie, zawłaszczanie i eksperymenty w autorstwie zbiorowym. Sztuka modernistyczna była postrzegana nie tylko jako elitarna, ale także jako biała, Zachodnia i zdominowana przez mężczyzn., Postmodernizm zbiegł się w czasie z rozwojem feminizmu, Ruchu Praw Obywatelskich, walki o prawa LGBT i myśli postkolonialnej i wywołał obawy o bardziej pluralistyczne podejście; innymi słowy, wielu artystów, takich jak Kara Walker i Felix Gonzalez-Torres, zaczęło zajmować się tematami z wielu perspektyw, aby uwzględnić punkty widzenia wcześniej niedostatecznie reprezentowanych pozycji (takie badania doprowadziły do rozwoju polityki tożsamości i Sztuki Queer).,
ponadto ówczesni filozofowie, tacy jak Michel Foucault i Antonio Gramsci, zwracali się ku ideom poststrukturalizmu, który rozumiał instytucje społeczeństwa, takie jak więzienia i szpitale, jako oparte raczej na przesunięciach niż stabilnych systemach, nadających im brak spójnego znaczenia. Wpływ na sztukę miała zwiększona reprezentacja różnorodnych, wielokulturowych tożsamości, a także żartobliwe traktowanie tożsamości i samego siebie, widoczne we wczesnych pracach takich artystów jak Barbara Kruger czy Cindy Sherman., Dotyczy to w szczególności Shermana, którego prace koncentrują się na rozdźwięku między tożsamością konstruowaną za pomocą filmu lub innych mediów a rzeczywistością kobiecych doświadczeń. Sherman zwraca w ten sposób uwagę publiczności na środki produkcji i jej polisemiczny charakter, podkreślając fakt, że dzieło sztuki może być interpretowane na wiele sposobów przez odbiorcę, stawiając tym samym opór mistrzowskim narracjom i ostatecznemu autorytetowi artysty.,
późniejsze opracowania
obecnie istnieją dwa główne teoretyczne podejścia do rozumienia postmodernizmu, jego stosunku do modernizmu i jego miejsca we współczesnym świecie sztuki.
ciągłe budowanie modernizmu
jednym z argumentów jest to, że postmodernizm zakłóca i kontynuuje Modernizm, ponieważ istnieją dowody na to, że oba istnieją w sztuce współczesnej, co jest terminem, który szeroko odnosi się do każdej sztuki stworzonej w ciągu ostatnich dwudziestu lat, obejmując w ten sposób całą produkcję sztuki dowolnego stylu., Postawy i style charakteryzujące postmodernizm można rozumieć jako zmiany paradygmatyczne, które oznaczają pęknięcie lub kryzys w historii kultury. Z tego punktu widzenia wpływ myśli postmodernistycznej, postkolonialnej i postfeministycznej wywołał morze zmian w sztuce, opisywanych przez feministyczne pisarki, takie jak Rosalind Krauss i Suzanne Lacy. Z pewnością zróżnicowany, efemeryczny, globalnie skoncentrowany, interdyscyplinarny i kolaboracyjny charakter współczesnej praktyki artystycznej jest oparty na postawach postmodernistycznych i wydaje się zarówno trwały, jak i transformacyjny., Postmodernizm twierdzi, że wypełnia lukę między” wysoką „i” niską „kulturą a” dobrym „i” złym ” gustem, jednak istnieją dowody na to, że te różnice pozostają. Na początku lat 90. grupa młodych studentów Goldsmiths College stworzyła program dla absolwentów zatytułowany Sensations – bardzo postmodernistyczny koncept. Reakcja była bezprecedensowa. Zarówno publiczność, jak i krytycy wyrażali szok i przerażenie prowokacyjnymi obrazami i wyraźnymi odniesieniami do tematów „złego” gustu., Grupa stała się znana jako The Young British Artists (Ybas) i wywołała ożywienie w sztuce konceptualnej, używając taktyki szoku, aby zakwestionować znaczenie sztuki, jak Duchamp zrobił to prawie 80 lat wcześniej. Ich rozgłos utrzymał się, podobnie jak furora nad doznaniami, dostarczając dowodów na to, że stare hierarchie smakowe modernizmu żyją. Tym argumentem Postmodernizm nie zastąpił modernizmu, ale współistnieje z nim.,
Epoka postmodernizmu
inny pogląd, który pojawił się ostatnio w małym, ale przekonującym piśmie, dowodzi, że przeszliśmy w epokę postmodernizmu. Niektórzy pisarze i krytycy twierdzą, że postmodernizm jest przestarzały i kwestionują wartość ruchu podtrzymywanego przez powierzchowność, cynizm i nihilizm. Niektórzy opowiadają się nawet za powrotem do zasad modernizmu, choć w różnych formach. Edward Docx nazywa tę epokę postmodernistyczną „wiekiem autentyczności” charakteryzującym się odrodzeniem autentyczności i kunsztu nad stylem i koncepcją., Inne monikery to „alter modernism”, który jest określeniem Nicolasa Bourriauda dla dzisiejszej kultury ” Non-Stop communication and globalization „oraz” pseudo modernism”, który został ukuty przez Alana Kirby ' ego. Kirby twierdzi, że nastąpiła zmiana z widza na bardziej aktywne, ale trywialne uczestnictwo, powołując się na kulturę oglądania rzeczywistości. Te próby roszczenia się o koniec postmodernizmu są szeroko zakrojone i ogólnie niekonsensualne, ale są zjednoczone w elementach ich krytyki., Wszyscy są zmęczeni nieugiętą postmodernistyczną ironią i tęsknią za powrotem do prawdy i rzeczywistości. W różny sposób podważają dominację postmodernizmu jako sposobu myślenia lub podejścia do życia, sprowadzając go zamiast tego do jednego ruchu w długiej historii ruchów, który obecnie jest w fazie upadku.