Pop Art, Kunst, in der alltägliche Objekte (wie Comic-Strips, Suppendosen, Verkehrszeichen, und Hamburger) wurden als Gegenstand verwendet und wurden oft physisch in die Arbeit integriert.
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Die Pop-Art-Bewegung war größtenteils ein britisches und amerikanisches Kulturphänomen der späten 1950er und 60er Jahre und wurde vom Kunstkritiker Lawrence Alloway in Bezug auf die prosaische Ikonographie seiner Malerei und Skulptur benannt., Werke von Popkünstlern wie den Amerikanern Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenburg, Tom Wesselman, James Rosenquist und Robert Indiana sowie den Briten David Hockney und Peter Blake zeichneten sich unter anderem durch ihre Darstellung aller Aspekte der Populärkultur aus, die einen starken Einfluss auf das zeitgenössische Leben hatten., Ihre Ikonographie-entnommen aus Fernsehen, Comics, Filmzeitschriften und allen Formen der Werbung—wurde nachdrücklich und objektiv präsentiert, ohne Lob oder Verurteilung, aber mit überwältigender Unmittelbarkeit und durch die genauen kommerziellen Techniken, die von den Medien verwendet wurden, aus denen die Ikonographie selbst entlehnt wurde. Pop Art stellte den Versuch dar, nach der Dominanz des hochpersönlichen abstrakten Expressionismus in den USA und Europa zu einer objektiveren, allgemein akzeptablen Kunstform zurückzukehren., Es war auch ikonoklastisch und lehnte sowohl die Vorherrschaft der „hohen Kunst“ der Vergangenheit als auch die Ansprüche anderer zeitgenössischer Avantgardekunst ab. Pop Art wurde zu einem kulturellen Ereignis, weil sie eine bestimmte soziale Situation genau widerspiegelte und weil ihre leicht verständlichen Bilder sofort von den Massenmedien ausgenutzt wurden. Obwohl die Kritiker der Pop Art es als vulgär, sensationell, nichtästhetisch und als Witz bezeichneten, sahen ihre Befürworter (eine Minderheit in der Kunstwelt) es als eine Kunst, die demokratisch und nichtdiskriminierend war und sowohl Kenner als auch ungeübte Zuschauer zusammenbrachte.,
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Pop art war ein Nachkomme von Dada, einer nihilistischen Bewegung, die in den 1920er Jahren die Ernsthaftigkeit der zeitgenössischen Pariser Kunst und im weiteren Sinne die politische und kulturelle Situation verspottete, die Krieg nach Europa gebracht hatte. Marcel Duchamp, der Champion von Dada in den Vereinigten Staaten, der versuchte, die Distanz zwischen Kunst und Leben zu verringern, indem er die massenproduzierten Objekte seiner Zeit feierte, war die einflussreichste Figur in der Entwicklung der Pop-Art., Jahrhunderts beeinflussten, waren Stuart Davis, Gerard Murphy und Fernand Léger, die alle in ihrer Malerei die Präzision, Massenproduktion und kommerziellen Materialien des maschinenindustriellen Zeitalters darstellten. Die unmittelbaren Vorgänger der Popkünstler waren Jasper Johns, Larry Rivers und Robert Rauschenberg, amerikanische Künstler, die in den 1950er Jahren Flaggen, Bierdosen und andere ähnliche Objekte malten, wenn auch mit einer malerischen, expressiven Technik.,alles, was Pop-Art nahm, waren Roy Lichtensteins stilisierte Reproduktionen von Comic-Strips mit den Farbpunkten und flachen Tönen des kommerziellen Drucks; Andy Warhols akribisch wörtliche Gemälde und Siebdrucke von Suppendose-Etiketten, Seifenkartons und Reihen von Softdrink-Flaschen; Claes Oldenburgs weiche Plastikskulpturen von Objekten wie Badarmaturen, Schreibmaschinen und gigantischen Hamburgern; Tom Wesselmans „Great American Nudes“, flache, direkte Gemälde gesichtsloser Sexsymbole; und George Segals konstruierte Tableaux mit lebensgroßen Gipsfiguren, die auf dem Boden platziert sind.in tatsächlichen Umgebungen (e.,g., Mittagessen Zähler und Busse) von Schrottplätzen abgerufen.
Mit freundlicher Genehmigung der Treuhänder der Tate, London
Die meisten Popkünstler strebten in ihren Werken eine unpersönliche, urbane Haltung an., Einige Beispiele für Pop Art waren jedoch subtil Ausdruck der Sozialkritik—zum Beispiel haben Oldenburgs herabhängende Objekte und Warhols monotone Wiederholungen desselben banalen Bildes eine unbestreitbar störende Wirkung—und einige, wie Segals mysteriöse, einsame Tableaux, sind offen expressionistisch.
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Die amerikanische Pop-Art neigte dazu, emblematisch, anonym und aggressiv zu sein; Der englische Pop, subjektiver und referentieller, drückte eine etwas romantische Sicht auf die Popkultur aus, die vielleicht durch Englands relative Distanz dazu gefördert wurde. Englische Popkünstler neigten dazu, sich hauptsächlich mit Technologie und Populärkultur als Themen, sogar Metaphern zu beschäftigen; Einige amerikanische Popkünstler schienen diese Ideen tatsächlich zu leben., Warhols Motto lautete zum Beispiel: „Ich denke, jeder sollte eine Maschine sein“, und er versuchte in seiner Kunst, Werke zu produzieren, die eine Maschine gemacht hätte.
Pop Art fand kritische Akzeptanz als eine Kunstform, die der hochtechnologischen, massenmedial orientierten Gesellschaft westlicher Länder entspricht. Obwohl die Öffentlichkeit es anfangs nicht ernst nahm, war es Ende des 20.