Postmoderne Kunst-Geschichte und Konzepte

Bild und Spektakel

In dieser neuen Ära des Konsums und des Fernsehens wurden Werbung und Massenmedien zunehmend allgegenwärtig. 1968 zum Beispiel erlebte die amerikanische Öffentlichkeit zum ersten Mal unzensierte Aufnahmen des Vietnamkrieges in ihren eigenen vier Wänden, die eine starke Verbindung zu ihrem eigenen komfortablen Leben herstellten, als sie die Schrecken des Krieges beim Abendessen miterlebten., Bilder auf dem Bildschirm spiegelten eine neue Realität wider und es war oft schwieriger, zwischen Fakten und Fiktion zu unterscheiden, insbesondere mit dem weit verbreiteten Einsatz von Werbung. Jean Baudrillard, ein prominenter französischer Philosoph, nannte diese Situation „Hyperrealität“ und verglich die postmoderne Existenz mit einem flackernden Fernsehbildschirm: unmittelbar, verschiebend und fragmentiert, ohne zugrunde liegende Wahrheit. Diese neuen Ideen inspirierten Künstler wie Barbara Kruger, die anfingen, die Oberfläche und nicht irgendeine Wahrheit oder tiefere Bedeutung darzustellen. Stil und Schauspiel, anstatt Substanz, war, wo Bedeutung geschaffen wurde., Dieser Fokus auf Surface ist eine der Schlüsselkomponenten von Krugers I Shop Daher bin ich (1987) sowie ein Großteil der Pop-Art. Gleichzeitig wurde eine neue Ästhetik geboren, die sich besonders in Mode und Musik zeigte und sich von früheren Stilen der Gotik und des Barock ableitete.je schillernder, extravaganter und schockierender – desto effektiver. Die Arbeit von Jeff Koons ist ein gutes Beispiel für diesen Aspekt der postmodernen Kunst.,

Mischen der Ästhetischen Codes

Moderne hatte tauchte erstmals in 19th century France, in rebellion gegen die historischen und bildlichen Auseinandersetzung der französischen Akademie und seine Dominanz über künstlerischen Geschmack. Jahrhunderts folgten, beseitigten allmählich alle Verweise auf einen Kontext oder ein Subjekt, auf der Suche nach einer reinen und unvermittelten Form des visuellen Ausdrucks, die radikal und neu war. Dieser Trend erreichte seinen Höhepunkt mit dem abstrakten Expressionismus, der sich für die nicht-repräsentative Malerei einsetzte., In den darauf folgenden Jahrzehnten galt die Malerei als Medium jedoch als Klischee mit wenig Raum zum Experimentieren. Mit dem Aufkommen der Postmoderne begannen einige Künstler, vergangene Stile und Medien – insbesondere Malerei – als Teil der postmodernen Ästhetik zu erforschen, die sowohl das Historische als auch das Subjektive zurückbrachte, jedoch mit einem gezielten Mangel an stilistischer Integrität oder Einheit.

Künstler wie Gerhard Richter mischten spielerisch ästhetische Codes und Gattungen, verdrängten bestehende Bedeutungen in Strukturen und schufen neue., Mit Methoden der Parodie und Pastiche könnten alte Ideen in neuen Kontexten nachgebildet werden. Wie die Dadaisten es früher getan hatten, verwendeten andere Künstler Collage, Assemblage und Bricolage, die Text, Bild und gefundene Objekte nebeneinanderstellten, um geschichtete Oberflächen zu erzeugen. Diese Mischung von Codes zeigt sich besonders in der Architektur der 1980er und 1990er Jahre, wie dem Sainsbury-Flügel der National Gallery in Großbritannien, der Merkmale aus zwei verschiedenen historischen Perioden zu einem visuellen Spektakel kombiniert. Im Film könnte der Effekt deutlich verstärkt werden., Zum Beispiel trotzt Quentin Tarantinos Pulp Fiction (1994) traditioneller Erzählung, indem er aus mehreren Genres schöpft und eine fragmentierte Montage von Charakteren und Handlungen in beliebiger Reihenfolge anbietet. Viele Künstler wandten sich in den 1960er und 1970er Jahren auch Multimedia-Technologien zu und genossen die neuen Möglichkeiten, Medien zu kombinieren und Spektakel und Sensation zu schaffen.

Es gab nicht nur Möglichkeiten mit neuen Multimedia-Technologien; ab den 1950er und 1960er Jahren gab es einen signifikanten Übergang zwischen künstlerischen Disziplinen, da traditionelle Kategorien abgelöst wurden., Ein populärer postmodernistischer Ausdruck war „anything goes“, der sich sowohl auf diese wachsende Konvergenzkultur als auch auf den Zusammenbruch der Unterscheidung zwischen“ gutem „und“ schlechtem “ Geschmack und die Schwierigkeit bezog, Kunstwerke nach traditionellen Kriterien wie im Fall von Jeff Koons Wert zuzuweisen oder zu beurteilen. Künstler nahmen die Mechanismen sowohl von Kunst-als auch von Nichtkunstformen wie Werbung an und nutzten eine Vielzahl von Medien, um mehrere Botschaften zu vermitteln.

Originalität und Authentizität

Marcel Duchamp platzierte 1917 ein mit einem fiktiven Namen signiertes Urinal in einer Ausstellung und nannte es Kunst., Dabei verspottete er die gesamten Fundamente, auf denen die Kunstinstitution errichtet worden war. Traditionell gaben Einzigartigkeit und Originalität einem Kunstwerk seinen Wert oder „Aura“, sowohl symbolisch als auch monetär, und waren ein Konzept, das durch modernistische Kunstkritik bewahrt wurde. Im Jahr 1936 schrieb der Kulturtheoretiker Walter Benjamin einen bahnbrechenden Aufsatz mit dem Titel „Das Kunstwerk im Zeitalter der mechanischen Reproduktion“, der diese Ansicht radikal überarbeitete und den Elitismus zu Füßen von Schlüsselfiguren wie Greenberg legte., Benjamin behauptete, dass die Reproduktion durch Druck und andere Methoden die Demokratisierung der Kunst aufgrund ihres niedrigeren Warenwerts und ihrer erhöhten Zugänglichkeit für die Massen erreichen könne.

Pop-Künstler, Minimalisten, Performance-Künstler, Konzeptkünstler und andere nahmen Benjamins Ethos an und interpretierten seine Worte durch eine Vielzahl von Medien und Techniken, die Konzepte von Authentizität und Wert untergruben und die Kommoditisierung verzerrten. Roy Lichtenstein und Andy Warhol massenproduzierten Taschen und Tassen, Siebdruck mit ikonischen Bildern., Oldenburg, der inbrünstig die Vorstellung annahm, dass alles Kunst sein könnte und sollte, eröffnete ein Geschäft, das sich dem Verkauf solcher billigen Kunstbeispiele widmete, mit Preisen ab 21,79 US-Dollar. Donald Judd und Sol LeWitt stellten ihre sich wiederholenden Formen aus, überließen dem Kurator jedoch die Kontrolle über ihr Arrangement; Allan Kaprow, Marina Abramović und die Fluxus-Künstler setzten Performances auf, bei denen das Publikum und nicht der Künstler ihre Form und Bedeutung bestimmten. Künstler aller Couleur, darunter Warhol, Richter und Koons, waren bekannt für ihre Aneignung von fotografischen und anderen Bildern., Innerhalb der feministischen Kunst der 1970er und erneut in den 1990er Jahren gab es unter bestimmten Künstlern einen Anstieg des Interesses an der Idee der kollektiven Urheberschaft, die traditionelle Ideen der Kreativität und des künstlerischen Genies, die seit der Renaissance existierten, weiter untergrub. Künstler wie Daniel Buren beschäftigten sich zunehmend mit dem sozialen Prozess des Kunstmachens und nicht mit dem Kunstobjekt und stellten die Schaffung von Bedeutung an den Punkt der Interaktion., Diese neue Praxis wurde als relationale Ästhetik bekannt und widersetzte sich der Kommoditisierung der Kunst durch ihre performative Natur und lieferte eine starke Kritik an der Kunstwelt, ein Bereich, der als Institutionskritik bekannt wurde.

Pluralismus

Der Postmoderne für die Verfolgung einer demokratischen Kunst erweitert darüber hinaus die Vervielfältigung, Mittel, und Experimente, die in kollektiver Autorschaft. Modernistische Kunst wurde nicht nur als elitär, sondern auch als weiß, westlich und männlich dominiert angesehen., Die Postmoderne fiel mit dem Aufstieg des Feminismus, der Bürgerrechtsbewegung, dem Kampf für LGBT-Rechte und postkoloniales Denken zusammen und provozierte die Sorge um einen pluralistischeren Ansatz; Mit anderen Worten, viele Künstler wie Kara Walker und Felix Gonzalez-Torres begannen, Themen aus verschiedenen Perspektiven anzusprechen, um die Standpunkte zuvor unterrepräsentierter Positionen einzubeziehen (solche Anfragen führten zur Entwicklung von Identitätspolitik und queerer Kunst).,

Darüber hinaus wandten sich Philosophen wie Michel Foucault und Antonio Gramsci damals den Ideen des Poststrukturalismus zu, der die Institutionen der Gesellschaft wie Gefängnisse und Krankenhäuser als durch Verschiebungen und nicht durch stabile Systeme untermauert verstand, die ihnen keine kohärente Bedeutung gaben. Der Einfluss auf die Kunst war die verstärkte Darstellung vielfältiger, multikultureller Identitäten und auch eine spielerische Behandlung von Identität und Selbst, die sich in den frühen Werken von Künstlern wie Barbara Kruger oder Cindy Sherman zeigte., Dies gilt insbesondere für Sherman, dessen Arbeit sich auf die Kluft zwischen einer durch Film oder andere Medien konstruierten Identität und der Realität der Erfahrungen von Frauen konzentriert. Dabei lenkt Sherman die Aufmerksamkeit des Publikums auf die Produktionsmittel und seine polysemische Natur und hebt die Tatsache hervor, dass ein Kunstwerk von einem Publikum auf beliebig viele Arten interpretiert werden kann, wodurch es Meistererzählungen und der ultimativen Autorität des Künstlers widersteht.,

Spätere Entwicklungen

Derzeit gibt es zwei theoretische Ansätze, um die Postmoderne, ihre Beziehung zur Moderne und ihren Platz in der Welt der zeitgenössischen Kunst zu verstehen.

Kontinuierliche Build-up auf Moderne

Ein argument ist, dass die Postmoderne die beiden unterbricht und setzt moderne als es Hinweise darauf gibt, sowohl in bestehenden als auch in der zeitgenössischen Kunst, das ist ein Begriff, der breit bezieht sich auf jede art erstellt, das innerhalb der letzten zwanzig Jahre, so das alle Kunst-Produktion und jeden Stil., Die Einstellungen und Stile, die die Postmoderne kennzeichnen, können als paradigmatische Verschiebungen verstanden werden, die einen Bruch oder eine Krise in der Kulturgeschichte markieren. Unter diesem Gesichtspunkt hat der Einfluss postmoderner, postkolonialer und postfeministischer Gedanken ein Meer des Wandels in der Kunst ausgelöst, das von feministischen Schriftstellern wie Rosalind Krauss und Suzanne Lacy beschrieben wird. Sicherlich wird der vielfältige, vergängliche, global fokussierte, disziplinübergreifende und kollaborative Charakter der zeitgenössischen Kunstpraxis durch postmoderne Einstellungen beeinflusst und erscheint sowohl hartnäckig als auch transformativ., Die Postmoderne behauptet, die Lücke zwischen „hoher“ und „niedriger“ Kultur und „gutem“ und „schlechtem“ Geschmack zu schließen, doch es gibt Hinweise darauf, dass diese Unterschiede bestehen bleiben. In den frühen 1990er Jahren stellte eine Gruppe junger Goldschmiede-Studenten eine Graduiertenshow namens Sensations zusammen-ein hoch postmodernes Konzept. Die Reaktion war beispiellos. Öffentlichkeit und Kritiker äußerten sich schockiert und entsetzt über die provokanten Bilder und expliziten Verweise auf Themen des „schlechten“ Geschmacks., Die Gruppe wurde als Young British Artists (YBAs) bekannt und löste eine Wiederbelebung der Konzeptkunst mit Schocktaktiken aus, um die Bedeutung der Kunst in Frage zu stellen, wie es Duchamp fast 80 Jahre zuvor getan hatte. Ihre Bekanntheit hat bestand, ebenso wie die Wut über Empfindungen, was für einige Beweise dafür liefert, dass die alten Geschmackshierarchien der Moderne weiterleben. Mit diesem Argument hat die Postmoderne die Moderne nicht ersetzt, sondern koexistiert daneben.,

Das Zeitalter der Postmoderne

Eine andere Sichtweise, die kürzlich in einem kleinen, aber überzeugenden Schriftkörper aufgetaucht ist, argumentiert, dass wir in eine postmoderne Ära übergegangen sind. Einige Autoren und Kritiker behaupten, dass die Postmoderne veraltet ist und sie hinterfragen den Wert einer Bewegung, die von Oberflächlichkeit, Zynismus und Nihilismus getragen wird. Manche argumentieren sogar für eine Rückkehr zu den Prinzipien der moderne, wenn auch in verschiedenen Formen. Edward Docx nennt diese post-postmoderne Ära das „Zeitalter der Authentizität“, das sich durch eine Wiederbelebung von Authentizität und Handwerkskunst gegenüber Stil und Konzept auszeichnet., Andere Moniker sind „alter modernism“, Nicolas Bourriauds Begriff für die heutige Kultur der“ Nonstop Communication and globalization“, und“ Pseudo Modernism“, der von Alan Kirby geprägt wurde. Kirby behauptet, es habe eine Verschiebung von der Zuschauerschaft zu einer aktiveren, aber trivialen Teilnahme gegeben,als Beweis die Reality-TV-Kultur. Diese Versuche, das Ende der Postmoderne zu beanspruchen, sind weitreichend und im Allgemeinen nicht konsensual, aber in Elementen ihrer Kritik vereint., Sie sind alle müde von der Unerbittlichkeit der postmodernen Ironie und sehnen sich nach einer Rückkehr zu Wahrheit und Realität. Auf unterschiedliche Weise untergraben sie die Dominanz der Postmoderne als Denkweise oder als Lebenseinstellung und reduzieren sie stattdessen auf eine Bewegung in einer langen Geschichte von Bewegungen, die sich jetzt in ihrem Niedergang befindet.