Suprematism
Suprematism foi outra forma de arte russa do movimento que começou em conjunto com o Construtivismo. O foco e a ênfase foram colocados no embracement da abstração permitida pelas pinturas sobre tela e Suprematismo foi o primeiro movimento da guarda avante a implementar a abstração geométrica na pintura., Kazimir Malevich é visto como o seu fundador, e foi ele, juntamente com os seus contemporâneos, que ajudou a promover a ideia de que a arte deve voltar ao seu básico. Isto explica a sua dedicação à abstração geométrica pura e o emprego frequente de formas básicas como quadrados, triângulos e círculos, bem como cores primárias e neutras. Foi a pintura branca de Malevich sobre o branco que epitomizou o movimento que estava intimamente ligado, de uma forma semelhante ao Construtivismo, à Revolução., Um aspecto importante do suprematismo era muito diferente do construtivismo, já que o movimento estava intimamente ligado à espiritualidade e ao misticismo que acrescentava à força da abstração. Em 1927, Malevich publicou seu livro the Non-Objective World, que se tornou um dos mais importantes documentos teóricos sobre Arte abstrata. Nele, o pintor explicou o papel da abstração em suas pinturas como um meio para “libertar a arte do peso morto do mundo real”.
Futurismo
Futurismo foi um movimento artístico e social que teve origem na Itália no início do século XX, mas também houve movimentos paralelos na Rússia e na Inglaterra. Acentuou a velocidade, a tecnologia, a juventude e a violência. Abraçando a mudança e ligando os seres humanos às máquinas e vice-versa, com ênfase na violência e no triunfo tecnológico da humanidade sobre a natureza, este movimento de vanguarda é um dos movimentos mais controversos da era modernista., Descartar as formas artísticas e culturais tradicionais do passado no centro da plataforma futurista foi, de fato, o endosso da guerra. Futurismo, cunhado em um manifesto de 1909 por Filippo Marinetti, não estava limitado a apenas uma forma de arte, mas seus artistas trabalharam em uma variedade de diferentes disciplinas de arte, tais como escultura, cerâmica, design gráfico, design, teatro, cinema, têxteis, literatura e música. Assuntos freqüentes do artista eram carros, trens, animais, dançarinos e grandes multidões., Tomando como base a intersecção de planos do Cubismo, a cor vibrante e expressiva, juntamente com a pincelada dinâmica do Fauvismo, a arte produziu glorificaram as virtudes da velocidade. À medida que a devastação da Primeira Guerra Mundial se concretizava, o futurismo perdia o seu vigor.
o Cubismo
é, na verdade, Cubismo Analítico, que é considerado como o mais intelectual de todos os movimentos de vanguarda., A rejeição da ideia convencional da perspectiva linear em favor da ênfase no plano bidimensional da imagem chocou as academias de arte da Europa. Descartando as convenções do passado que promoveram a imitação da natureza e o realismo alto construído, os cubistas destacaram a dimensionalidade plana da superfície da tela e sua unidade com a cena retratada ajudando a pavimentar o caminho para a arte não-representativa. Como um dos movimentos mais conhecidos da era modernista, o Cubismo passou a ser associado com duas grandes figuras, Pablo Picasso, e Georges Braque., Foram as suas experiências, que ajudaram a remodelar a compreensão tradicional da arte e a mudar o seu curso.
para que um movimento seja considerado um movimento verdadeiramente vanguardista, ele carrega com ele uma implicação de que ele deve agitar o núcleo do status quo. Como a arte de protesto mais poderosa, a força da nova arte que vem deve abalar todas as idéias estéticas e conceituais predispostas sobre o que a arte é e o que ela deve fazer., Os movimentos acima mencionados, ajudaram a moldar o resto da arte moderna e suas ideias moveram-se na forma de um efeito dominó moldando o legado da arte. Aos movimentos de vanguarda mencionados devemos o nascimento das mais recentes ideias artísticas modernas do século XX, tais como Surrealismo, Pop Art, minimalismo e Arte conceitual, acontecimentos e Performances, cujo impacto na arte contemporânea hoje somos todos testemunhas.confira mais obras de Pablo Picasso no nosso mercado!,
Avant-garde in Music, Theater and Photography
a função histórica da vanguarda foi completar a redefinição e conseqüente emancipação da arte que começou durante o século dezoito. Um conceito inseparável do progresso, avant garde exigiu que a arte fosse revolucionada e redefinida., Desafiando cada convenção, regra e idéia estética que pudessem identificar, esses artistas queriam olhar para além da arte e fazer a pergunta sobre o papel da arte na construção de outro mundo. Concordando que o passado deveria ser rasgado e o relógio cultural reiniciado a zero, estes artistas propuseram várias combinações de novos e antigos meios de comunicação, como performance, engajamento político e metafísica. Como o mais radical e ambicioso de todos os movimentos, Dada foi o primeiro a questionar o conceito de arte., Com a introdução de Duchamp da readymade, a noção de arte tornou-se inseparável da questão do que é a arte. À medida que os movimentos proliferavam, este conceito começou a chegar a vários campos como Belas Artes, Música, Fotografia e Teatro.
Os Primeiros Avant Garde Música
O Futurismo italiano produziu vários compositores e manifestos, mas o trabalho seminal foi Luigi Russolo A Arte dos Ruídos, onde ele propagou o uso industrial e militar ruídos para conceber um novo tipo de música. He has built tje noise machines that replicated the clatter of the industrial age and the boom of warfare, but none of these instruments and designs survived., Esta música mecânica teve uma influência poderosa em uma série de compositores da época, bem como nos contemporâneos. No entanto, não foi até o final da década de 1940 que o termo “avant garde” foi finalmente anexado à música através do trabalho de compositores ligados à escola de Verão de Darmstadt.ao mesmo tempo, nos Estados Unidos, John Cage, que se considerava um artista experimental, teve uma visão mais revolucionária. Em sua notória peça 4’33” de 1952, ele introduziu o silêncio pela primeira vez como um som desafiando a noção do que é a música., Esta “composição” consistia em 4 minutos e 33 segundos de silêncio, e era mais uma afirmação filosófica do que uma peça musical. Ao longo de sua prática, Cage promoveu instrumentos alterados, sons da natureza, sons encontrados, os movimentos do artista e do público, ruídos aleatórios ao status da música. Ele também introduziu os conceitos de indeterminação e aleatoriedade na performance e criou a chamada música aleatória., Além disso, ele criou um conceito do piano preparado, o piano que foi alterado ao inserir vários objetos na placa de som ou entre as cordas para afetar o som.
John Cage – 4’33”, realizado por David Tudor
Os Primórdios da Música Eletrônica
O fim da II Guerra Mundial trouxe para o próximo período de revolução musical que foi baseado na mais radical idéias de décadas anteriores e de novas tecnologia que começou a surgir. Em 1948, Pierre Schaeffer criou um laboratório em Paris para o musique concrete para explorar as teorias de Luigi Russolo., Com esta forma musical que era um tipo de música eletrônica usando gravnigs, Schaeffer foi pioneiro em encontrar sons. O exemplo mais famoso deste gênero foi Poème électronique por Edgard Varèse, interpretada por 400 altifalantes. Karlheinz Stockhausen contribuiu muito para popularizar todas as principais técnicas da música eletrônica. Ele experimentou com eletrônica, voz, fita e várias amostras e estava interessado na forma como o som se move através do espaço. Além disso, ele foi pioneiro em subgêneros de música de câmara electro-acústica em 1958 e música eletrônica ao vivo em 1964., A ascensão do minimalismo não ignorou a música como uma forma. Compositores minimalistas como Steve Reich, Terry Riley, Phillip Glass e La Monte Young compuseram música usando acordes simples e padrões rítmicos repetitivos. Com novas formas de música proliferando e vários centros para abertura de música de vanguarda, deixou de ser um exclusivo de compositores célebres e tornou-se um fenômeno relativamente comum.Edgar Varèse – Poème électronique the Avant Garde Jazz The concept of avant garde was also applied to radical developments in black American jazz between 1950s and 1960s., Buscando inovações técnicas e expressão emocional, avant garde jazz foi um híbrido único que combinou a técnica estendida, originalidade e gênio com habilidades de improvisação. Originalmente sinônimo de free jazz, grande parte do avant garde jazz era distinto desse estilo. Como uma forma de arte exclusivamente Negra, avant garde jazz surgiu durante as guerras coloniais, ocupações, a Guerra Fria e a luta pela Igualdade racial e de gênero, e devido a estas condições, refletiu incerteza e angústia e comemorou o plebeu e absurdo., Blurring the division between the written and the spontaneous, avant garde jazz was imbued with formal complexity and emotional directness. Ainda assim, avant garde jazz foi distinguido de outras gardes avant por suas reivindicações à arte, não por uma rejeição dela.
O Surgimento da Fotografia Como um Meio
O surgimento da fotografia no século 19, criou uma nova linguagem para capturar a imagem humana e o mundo que nos cerca., Começando como Fotografia de retratos em estúdios fotográficos, o custo relativamente baixo do daguerreótipo levou a um aumento geral na popularidade da fotografia de retratos sobre um retrato pintado. A fotografia como meio era indiscutivelmente avant garde em si mesma, uma vez que ter um retrato tirado já não era prerrogativa dos muito ricos. No final do século XIX, muitos fotógrafos rejeitaram as configurações tradicionais e começaram a expandir o gênero de fotografia pictórica e promovê-lo à alta arte., O que começou como uma simples ferramenta de documentação, tornou-se um verdadeiro meio artístico por direito próprio. Quando as primeiras câmeras de pequeno formato simples para usar chegaram às ruas, a fotografia foi completamente democratizada e revolucionada como um meio com várias abordagens de vanguarda que afetaram grandemente a cultura visual.
A Fotografia de vanguarda
tendo um poder expressivo incalculável e tornando-se um veículo da consciência moderna que ocorreu após a Primeira Guerra Mundial, muitos artistas de vanguarda se voltaram para a fotografia para capturar a alma da sociedade industrial contemporânea., Durante os anos 1920 e 1930, várias formas e técnicas não convencionais, como fotogramas abstratos ou fotomontagens começaram a surgir. Vários artistas experimentaram esta forma poderosa, incluindo László Moholy-Nagy, que agora é considerado um pai da fotografia avant garde, August Sander e Albert Renger-Patzsch.a fotografia de vanguarda na França, cuja capital serviu como centro inquestionável da vanguarda internacional, estava enraizada no surrealismo que defendia a transformação social rejeitando valores e convenções burguesas., Fotógrafos surrealistas empregaram técnicas como dupla exposição, impressão combinada e tonalidade invertida para criar a imagem que turva a linha entre o sonho e a realidade. Artistas russos El Lissitzky e Alexander Rodchenko fez uso de várias técnicas que serviram para quebrar as convenções de percepção e representação visual, tais como close-ups extremos, inclinado horizontes ou abstraído de formulários.este período entre as duas guerras foi certamente um dos mais ricos da história fotográfica e empurrou este meio para além dos seus limites anteriores., As obras de fotógrafos avant garde, Como Man Ray, Eugene Atget, Andre Kertesz, Claude Cahun ou Henri Cartier-Bresson, fornecem um vislumbre deste período imensamente produtivo e criativo., Com Atget surreal, paisagens urbanos que foram imbuídos de elegiac inquietação e estranho uncanniness, Kertesz inovador composições, Ray formal de experiências com transplantes, Cahun questionamento e de desestabilização dos modelos estabelecidos de identidade de gênero, Cartier-Bresson questão de sensibilidade e de valorização do momento, esta criativa e de vanguarda abordagem do período antes da guerra mudou de fotografia para sempre.
O Nascimento do Avant Garde do Teatro
Similar a outras formas de vanguarda, experimental ou de vanguarda do teatro surgiu como uma reação contra uma percepção geral de crise cultural e rejeitou tanto a idade e o dominante maneiras de escrever e produzir peças. Renunciando aos valores e convenções burgueses, este novo conceito tentou introduzir uma aplicação diferente da linguagem e do corpo, a fim de mudar a percepção e criar uma relação mais ativa com o público., Isto começou em 1896 com Alfred Jarry e sua peça Ubu Roi que derrubou as regras culturais, normas e convenções de uma forma selvagem, bizarra e cômica. Esta peça teve uma importância revolucionária ao abrir a porta para o modernismo do século XX e influenciou o Papa, o surrealismo e o Teatro do absurdo.tradicionalmente percebido como observadores passivos, o papel do público foi desafiado pela primeira vez com a ascensão da vanguarda., O público se envolveu em uma variedade de maneiras, tais como participar da ação em um nível altamente prático ou ser convidado a sentir uma certa maneira a fim de mudar suas atitudes, valores e crenças. O célebre diretor Peter Brook descreveu este objetivo como ” um teatro necessário, no qual há apenas uma diferença prática entre ator e público, não uma diferença fundamental.”Avant garde também tinha como objetivo mudar a face social do teatro, com artistas se tornando ativistas culturais., Este foi o caso do Teatro didático agit-prop que visava fazer uma certa afirmação moral ou política e desafiar os valores e crenças do público. Avant garde também desafiou e rejeitou o método hierárquico tradicional de criação de teatro. Com os artistas tendo mais liberdade interpretativa, eles foram promovidos a artistas criativos em seu próprio direito. Além disso, as convenções tradicionais de espaço, movimento, Humor, tensão, linguagem e simbolismo foram alteradas.
the French and Russian Avant Garde Theater
The avant garde theater in France was significant marked by Dada and Surrealism. Os dadaístas apropriaram-se de vários princípios estéticos para a criação do drama dos futuristas, como o uso da ação simultânea e de uma relação antagônica com o público. A produção do coração de gás de Tristan Tzara foi em si uma forma de anarquia contra a arte e especificamente teatro e resultou em uma luta entre seus apoiadores e detratores., A introdução do Surrealismo por Andre Breton em 1924, que havia rompido com Dada dois anos antes, sinalizou a morte de Dada como um influente movimento de vanguarda. O Surrealismo foi uma grande força na escrita experimental e as obras teatrais mais célebres foram as de Antonin Artaud e Gillaume Apollinaire. Artaud’s play Mysteries of Love produced in 1927 was the first play to apply the surrealist technique of automatic writing. Dois amantes na peça constantemente mudam seu relacionamento e interagem com vários outros personagens cuja identidade mudou.,entretanto, na Rússia, o teatro tornou-se um foco de experimentação e um veículo poderoso para a propaganda revolucionária. Com um libreto na linguagem experimental “zaum”, uma combinação de Língua Materna eslava primitiva misturada com birdsong e uterance cósmica, e figurinos consistiam de triângulos monocromáticos e praças, a primeira vitória do sol “ópera futurista” do mundo em 1913 provocou um ultraje com o público. O figurinista era o jovem Kazimir Malevich, que começou a experimentar no teatro antes de desenvolver e articular sua visão artística e suas ideias., O teatro foi transformado de um lugar de naturalismo e emoção para um espetáculo completo de Feira. Artistas como Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin, Alexandra Exterer e Lyubov Popova criaram cenários e figurinos Radicais e ultrajantes para uma era futurista que inspirou Fritz Lang e até mesmo Flash Gordon. Vsevolod Meyerhold, um dos ativistas mais entusiastas do novo teatro soviético, defendeu a expressão corporal na atuação e lançou as bases para o teatro físico moderno. Uma infinidade de estilos artísticos gerados nestes anos tumultuados., Como Mayakovsky escreveu mais tarde, ” o teatro não é um espelho, mas uma lupa.’
O Teatro do Absurdo
Durante os anos entre as duas guerras, avant garde do teatro estava florescendo e vários avant garde do teatro movimentos surgiram., Inspirado por esses experimentos teatrais no início da metade do século e pelos horrores da Segunda Guerra Mundial, o novo Teatro de vanguarda parisiense rejeitou completamente os cenários teatrais tradicionais, personagens, enredos e encenações. Chamado pelo crítico de teatro Martin Esslin como o Teatro do absurdo, envolveu escritores famosos como Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet, Arthur Adamov e Fernando Arrabal., Seguindo a filosofia de Albert Camus de que a situação humana é essencialmente absurda e desprovida de propósito, estes autores criaram ficção absurdista que deu o nome a este estilo de teatro que evoluiu de seu trabalho. Estas peças foram imbuídas pela visão pessimista da humanidade que é deixada sem esperança, desnorteada e ansiosa. Algumas das peças de teatro mais célebres deste período são a pintura de Beckett para Godot, Ionesco é a soprano Careca, Genet é a criada, Harold Pinter é o quarto e Albee tem medo de Virginia Wolf., O legado e ecos do Teatro do absurdo poderiam ser vistos em muitas obras posteriores dos dramaturgos.
Avant-Garde de Hoje
de Acordo com tudo o que disse a nossa história, o avant-garde é suposto estar à frente de seu tempo. Portanto, a lógica diz que as pessoas precisam de algum tempo para reconhecer que alguém estava “à frente do seu tempo”, caso contrário a vanguarda não seria realmente vanguarda em primeiro lugar., No tempo da maior parte do surgimento dos movimentos históricos, foi também uma maneira de se opor à maneira convencional de olhar para a arte e desafiar a abordagem acadêmica a ela. Mas agora que a academia está consciente dos movimentos históricos de vanguarda, e está do lado da arte contemporânea, como podemos discernir a verdadeira progressividade?,
Por que a Vanguarda Definição é Tão Complexo de Hoje
a arte Contemporânea está vivendo o melhor dos tempos e o pior dos tempos. É precedida por um grande número de movimentos significativos e informada pelas questões já resolvidas, que podem ser consideradas uma vantagem, ou que se revelam uma desvantagem limitativa. Alguns ainda estão incomodados com o fato de que a arte é difícil de definir, colocando a culpa na vanguarda., E embora estes comentários sejam muitas vezes fora de questão, não faria mal reconsiderar o legado que os movimentos vanguardistas nos deixaram. Sim, deu – nos muito a agradecer, fornecendo-nos milhões de maneiras diferentes de abordar a arte, não só como uma forma tradicional, mas também como um readymade, uma montagem, uma performance, um acontecimento, um acto, um documento, uma instalação, o nome. Mas por outro lado, não todos nós, ocasionalmente, experimentamos a sensação desconfortável de viver em um mundo onde tudo já foi dito e feito, perguntando-se, e agora?,
Pseudo-Autonomia da Arte Contemporânea
Não é outra coisa que faz a questão de “contemporâneo avant-garde” difícil de resolver, e que é a prevalência dos críticos que geralmente visam interpretar a arte em seu próprio caminho e certas obras de arte como algo que, essencialmente, não., O que, por conseguinte, acontece é que, na falta de palavras fornecidas pelos próprios artistas, a arte se torna facilmente uma matéria flexível que muda de forma ao passar de uma interpretação para outra. Por outro lado, a maioria dos movimentos vanguardistas tinha um manifesto explicando seu sentimento, de forma direta ou implícita. Hoje, não estamos acostumados a que os artistas sejam seus próprios “curadores”, ou mesmo a formar grupos e movimentos. O suposto movimento da arte, ou um leitmotif unificador que reúne um grupo, é geralmente adaptado por outra pessoa.,
Sendo Legal vs. Sendo Avant-Garde – O YBAs
Para reconhecer o avant-garde na arte de hoje significa assumir um risco de proclamar algo a ser relevantes para o futuro, de preferência reformista, mesmo inspiradoras., No nosso passado recente, alguns dos chamados movimentos pareciam ter a intenção de alcançar estes objectivos, mas ainda é incerto se a sua energia colectiva era avant-garde, ou simplesmente trendsetting. Tal como aconteceu no nosso passado distante, também aconteceu no nosso passado recente – a maioria das descobertas significativas começam com uma única exposição. Muitos concordariam que Freeze, que foi liderado por Damien Hirst em 1988, marcou um ponto de viragem nas carreiras de artistas cujos nomes se tornaram associados com jovens artistas britânicos mais tarde., Os YBAs tornaram-se um grupo histórico, embora os nomes da lista foram adicionados e apagados ao longo do tempo. Sendo que a maioria destes artistas vieram da mesma escola (ourives) e eram alegadamente favoráveis a um estilo de vida particularmente Selvagem e descuidado, os YBAs fizeram, de fato, parecia ser um grupo real. Ainda assim, quando se trata de sua arte, embora fosse baseada principalmente nas táticas de choque que permaneceram o denominador comum em seu trabalho, foi caracterizada por uma diversidade deliberada de estilo., Além do fato de que a maioria deles se tornou um grande empreendedor, capaz de tirar proveito da publicidade positiva e negativa, seria necessário um outro artigo inteiro para discutir se o YBAs (como um grupo) foram particularmente construtivos no que diz respeito à própria arte. Afinal de contas, eles não foram os primeiros a usar “choque” como um método.,
Provavelmente Avant-Garde – Estética Relacional
Outra tentativa para definir algo revolucionário foi Nicholas Bourriaud, em 1996, após a exposição, foi curador de Tráfego. Embora alguns dos artistas que nele participaram ignorem o termo até hoje (e aproveitem um momento para recordar o problema mencionado de curadores vendo algo que não existe) Bourriaud viu a exposição como exemplar de algo fresco., Foi o ponto de partida para sua definição de Estética relacional, que foi percebida como um novo “ismo” por alguns, e rejeitada como uma reiteração do já existente por outros. Em suma, define-se como arte que se baseia no contexto social e na rede de relações humanas, que servem para decifrar a própria obra de arte. Em outras palavras, a obra de arte é um mediador, uma interface cujo valor não é medido em suas qualidades físicas, mas através de sua capacidade de traduzir a informação entre o artista e o espectador, contando com a resposta do espectador para completar seu propósito., No caso de você não notar, a idéia de tal artefato está intimamente ligada às oportunidades fornecidas pela Internet, mas nossa relação com a Internet não foi totalmente reconhecida naquela época. Por isso, não seria errado dizer que a capacidade do curador francês de tirar conclusões valiosas de um fenómeno novo era bastante avant-garde.,
Potencialmente Inovador – Arte Influenciada por Orientada a Objeto Ontologia
Quase coincidentemente, porém, teria um pouco mais tarde, outro movimento surgiu oficialmente em filosofia contemporânea, e o seu atual e potencial de influência sobre a arte não pode ser exagerada. A ontologia orientada a objetos fala de um mundo no qual vivemos, de um ângulo que não consideramos antes, colocando o objeto em vez do homem., Então você pode esquecer o antropocentrismo de Kant, e abraçar uma nova era em que a raça humana passa seu título para objetos, por exemplo, robôs, máquinas, bytes, em que já não tornamos objetos dependentes de nossa interpretação ou até mesmo do nosso reconhecimento. “As exposições não estão expostas a nós, somos nós que estamos expostos a eles” foi como Pierre Huyghe abordou o assunto. Com isso em mente, poderíamos estar ansiosos pela influência do OOO na arte no futuro, e observar como o trans-humanismo já afeta alguns dos artistas rotulados como artistas pós-internet.,
Tão Kitsch Que ele se Torna Arte Kitsch Arte
Mas se considerarmos o avant-garde como se opondo a acadêmica para a definição de arte, podemos muito bem dizer que lobrow é o novo avant-garde. Porque, porque não. Não é tão difícil acreditar que o século 21 Duchamp seria demitir todos de hoje “progressividade” e desconsiderar a arte contemporânea e até mesmo o readymade, e, eventualmente, abraçar pop surrealismo como, obviamente, descuidado, tonto movimento., Se há algo muito faltando na arte do século XXI, é a felicidade – felicidade genuína, esperança, alegria, Alegria, Alegria, glee, tudo isso contribui para uma visão positiva e despreocupada da vida, que de alguma forma se tornou associada com kitsch em vez de arte. Algo verdadeiramente fresco, no mundo de hoje, significaria algo afirmativo, que não pretende desafiar ou questionar nada, mas antes estar satisfeito com as coisas, como elas são.,
É O Contemporâneo e Vanguardista Inacessível?estar à frente do seu tempo, no século XXI, é quase impossível. A impressão geral de que o tempo está constantemente a acelerar é um problema para começar., Com a informação viajando tão rápido quanto uma escuta na tela, a tradução de idéias torna-se mais fácil, mas o mesmo acontece com a nossa suposta compreensão dessas idéias (alegado, porque no pior cenário, estamos bastante mais facilmente convencidos de que as entendemos). Como podemos dizer se alguma coisa está à frente de seu tempo, se nossa percepção do tempo é incerta em si? Novo torna-se desgastado mais rápido do que nunca, e mesmo se o tempo é curvado e o passado reaparece de alguma forma, dificilmente temos tempo para reconhecê-lo. Ser vanguardista na década de 2010 significa ser maior, melhor, mais arrojado do que a arte contemporânea., Como isso é possível, quando a arte contemporânea inclui tudo relacionado com o espírito do nosso tempo? Ou toda a arte contemporânea é vanguarda por surdez?em vez de uma conclusão genuína, vamos deixar que as últimas frases Da Arte Contemporânea de Liam Gillick não tenham em conta o que está a acontecer, dêem-lhe algo de grandioso em que pensar: “o regime do contemporâneo torna-se cada vez mais inclusivo do seu próprio passado e futuro eterno. Inchado e à beira da utilidade, ele alcança infinitamente em todas as direções., Mas assim fez a terra plana em que as pessoas uma vez acreditaram, e assim fez o céu infinito do Oeste.”
escrito por Angie Kordic, Silka P, Elena Martinique e Natalie P
Todas as imagens apenas para fins ilustrativos.