Suprematismul
Suprematismul a fost un alt unic în arta rusă mișcare care a început în comun cu Constructivismul. Accentul și accentul au fost puse pe îmbrățișarea abstracției permise de picturile pe pânză, iar suprematismul a fost prima mișcare avangardistă care a implementat abstracția geometrică în pictură., Kazimir Malevich este privit ca fondator, iar el, alături de contemporanii săi, a ajutat la promovarea ideii că arta ar trebui returnată la baza sa. Aceasta explică dedicarea lor pentru abstractizarea geometrică pură și folosirea frecventă a formelor de bază, cum ar fi pătrate, triunghiuri și cercuri, precum și culori primare și neutre. Pictura lui Malevich alb pe alb a reprezentat mișcarea care a fost strâns legată, într-un mod similar constructivismului, de revoluție., Un aspect important al suprematismului diferă foarte mult de Constructivism, deoarece mișcarea a fost strâns legată de spiritualitate și misticism care a adăugat puterea abstractizării. În 1927, Malevich și-a publicat cartea Lumea non-obiectivă care a devenit unul dintre cele mai importante documente teoretice despre arta abstractă. În ea, pictorul a explicat rolul abstractizării în picturile sale ca un mediu pentru „arta liberă din greutatea moartă a lumii reale”.
Futurismul
Futurismul a fost un artistică și mișcare socială care își are originea în Italia la începutul secolului 20, dar au fost mișcări paralele în limba rusă și Anglia, precum și. A accentuat viteza, tehnologia, tineretul și violența. Îmbrățișând schimbarea și legând oamenii de mașini și invers, cu accent pe violență și triumful tehnologic al umanității asupra naturii, această mișcare de avangardă este una dintre cele mai controversate mișcări ale erei moderniste., Renunțarea la formele artistice și culturale tradiționale ale trecutului în centrul platformei futuriste a fost, de fapt, aprobarea războiului. Futurismul, inventat într-un manifest Din 1909 De Filippo Marinetti, nu se limita la o singură formă de artă, dar artiștii săi au lucrat într-o serie de discipline artistice diferite, cum ar fi sculptura, ceramica, designul grafic, teatrul, filmul, textilele, literatura și muzica. Subiectele frecvente ale artistului au fost mașinile, trenurile, animalele, dansatorii și mulțimile mari., Împrumutând intersecția avioanelor din Cubism, culoarea vibrantă și expresivă, împreună cu brushstroke-ul dinamic din Fauvism, arta produsă a glorificat virtuțile vitezei. Pe măsură ce devastarea Primului Război Mondial a fost realizată, futurismul și-a pierdut aburul.
Cubism
este, de fapt, Cubism Analitic, care este considerat ca cel mai intelectual dintre toți avant garde mișcări., Respingerea ideii convenționale a perspectivei liniare în favoarea accentului pe planul imaginii bidimensionale a șocat academiile de artă din Europa. Renunțând la convențiile trecutului care promovau Mimetismul naturii și realismul construit înalt, cubiștii au evidențiat dimensionalitatea plană a suprafeței pânzei și unitatea acesteia cu scena înfățișată ajutând la deschiderea drumului pentru arta non-reprezentațională. Fiind una dintre cele mai cunoscute mișcări ale epocii moderniste, cubismul a ajuns să fie asociat cu două figuri majore, Pablo Picasso și Georges Braque., Experimentările lor au ajutat la remodelarea înțelegerii tradiționale a artei și la schimbarea cursului acesteia.pentru ca o mișcare să fie considerată o mișcare cu adevărat avangardistă, ea poartă cu ea o implicație că trebuie să zguduie nucleul status quo-ului. Ca și cea mai puternică artă de protest, forța noii arte care vine trebuie să zguduie toate ideile estetice și conceptuale predispuse despre ceea ce este arta și ce trebuie să facă., Mișcările menționate mai sus, au ajutat la modelarea restului artei moderne timpurii, iar ideile lor s-au mișcat în maniera unui efect de domino care modelează moștenirea artei. De menționat avant garde mișcările îi datorăm nașterea 20-lea Moderne idei de Arta, cum ar fi Suprarealismul, Arta Pop, Minimalism și Arta Conceptuală, Evenimente și Spectacole, a cărui impact asupra artei contemporane astăzi, noi toți suntem martori.
Vezi mai multe lucrări ale lui Pablo Picasso pe piața noastră!,
Avant-garde, în Muzică, Teatru și Fotografie
istoric funcție de avangarda a fost de a finaliza redefinire și, în consecință, de emancipare de artă, care a început în secolul al xviii-lea. Un concept inseparabil de progres, avangarda a cerut ca arta să fie revoluționată și redefinită., Contestând orice convenție, regulă și idee estetică pe care o puteau identifica, acești artiști au dorit să privească dincolo de opera de artă și să pună întrebarea despre rolul artei în construcția unei alte lumi. Acceptând că trecutul ar trebui rupt și ceasul cultural resetat la zero, acești artiști au propus diverse combinații de medii noi și vechi, cum ar fi performanța, angajamentul politic și metafizica. Fiind cea mai radicală și ambițioasă dintre toate mișcările, Dada a fost prima care a pus la îndoială conceptul de artă., Odată cu introducerea lui Duchamp a readymade, noțiunea de artă a devenit inseparabilă de întrebarea despre ce este arta. Pe măsură ce mișcările au proliferat, acest concept a început să ajungă în diverse domenii precum artele plastice, muzica, fotografia și Teatrul.
La Începutul Avant Garde Muzica
Futurismul Italian a produs mai mulți compozitori și manifeste, dar seminale lucru a fost Luigi Russolo este Arta de Zgomote în cazul în care s-a propagat la utilizarea siturilor industriale și militare zgomote de a concepe un nou tip de muzică. El a construit mașini de zgomot tje care au replicat zgomotul erei industriale și boom-ul războiului, dar niciunul dintre aceste instrumente și modele nu a supraviețuit., Această muzică de mașină a avut o influență puternică asupra mai multor compozitori ai epocii, precum și asupra celor contemporani. Cu toate acestea, nu a fost până la sfârșitul anilor 1940 că termenul de avangardă a fost în cele din urmă atașat la muzica prin munca compozitorilor conectate la școala de vară Darmstadt.
în același timp, în Statele Unite, John Cage, care se considera un artist experimental, avea o viziune mai revoluționară. În notorietatea sa piesă 4 ‘ 33 ” din 1952 a introdus pentru prima dată tăcerea ca un sunet care provoacă noțiunea de muzică., Această „compoziție” a constat în 4 minute și 33 de secunde de tăcere și a fost mai mult o afirmație filosofică decât o piesă muzicală. De-a lungul practicii sale, Cage a promovat instrumente modificate, sunete ale naturii, sunete găsite, mișcările interpretului și publicului, zgomote aleatorii la starea muzicii. De asemenea, el a introdus pentru prima dată conceptele de indeterminare și dezordine în efectuarea și a creat așa-numita aleatoric muzica., În plus, el a creat un concept al pianului pregătit, pianul care a fost modificat prin introducerea diferitelor obiecte în placa de sunet sau între corzi pentru a afecta sunetul.
John Cage – 4’33”, interpretat de David Tudor
începuturile muzicii electronice
sfârșitul celui de-al doilea război mondial a adus următoarea perioadă de revoluție muzicală care s-a bazat pe cele mai radicale idei ale deceniilor anterioare și tehnologii proaspete care au început să apară. În 1948, Pierre Schaeffer a creat un laborator la Paris pentru musique concrete pentru a explora teoriile lui Luigi Russolo., Cu această formă muzicală, care a fost un tip de muzică electronică folosind recordnigs, Schaeffer pionier găsit sunete. Cel mai celebru exemplu de acest gen a fost Poemul électronique de Edgard Varèse efectuate de 400 de difuzoare. Karlheinz Stockhausen a contribuit foarte mult la popularizarea tuturor tehnicilor principale ale muzicii electronice. A experimentat cu Electronică, voce, bandă și diverse mostre și a fost interesat de modul în care sunetul se mișcă prin spațiu. În plus, el a fost pionier al subgenurilor de muzică de cameră electro-acustică în 1958 și muzică electronică live în 1964., Creșterea minimalismului nu a sărit peste muzică ca formă. Compozitori minimaliști precum Steve Reich, Terry Riley, Phillip Glass și la Monte Young au compus muzică folosind acorduri simple și modele ritmice repetitive. Cu noi forme de muzică proliferante și diverse centre de deschidere a muzicii avangardiste, a încetat să mai fie o exclusivitate a compozitorilor celebri și a devenit un fenomen relativ comun.
Edgar Varèse – Poeme électronique
Avant Garde Jazz
conceptul de avangardă a fost, de asemenea, aplicat la evoluțiile radicale în negru American de jazz, între 1950 și 1960., Urmărind inovații tehnice și expresie emoțională, avant garde jazz a fost un hibrid unic care a combinat tehnica extinsă, originalitatea și geniul cu abilitățile improvizaționale. Inițial sinonim cu jazz-ul liber, o mare parte din jazz-ul avangardist era diferit de acel stil. Ca o formă de artă unică neagră, jazz-ul avangardist a apărut în timpul războaielor coloniale, ocupațiilor, Războiului Rece și luptei pentru egalitatea rasială și de gen și, datorită acestor Condiții, a reflectat incertitudinea și angoasa și a sărbătorit plebeul și absurdul., Estompând diviziunea dintre scris și spontan, jazz-ul avangardist a fost impregnat de complexitate formală și directitate emoțională. Cu toate acestea, jazz-ul avangardist s-a distins de alte Avangarde prin pretențiile sale față de artă, nu printr-o respingere a acesteia.
Apariția Fotografiei Ca Mediu
creșterea de fotografie în secolul al 19-lea a creat un sistem complet nou limbaj pentru captarea imaginii umane și lumea din jurul nostru., În primul rând începând ca fotografie portretistică în studiourile fotografice, costul relativ scăzut al daguerotipului a dus la o creștere generală a popularității fotografiei portretului față de un portret pictat. Fotografia ca mediu era, fără îndoială, avangardă în sine, deoarece realizarea unui portret nu mai era prerogativa celor foarte bogați. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, mulți fotografi au respins setările tradiționale și au început să extindă genul fotografiei picturale și să o promoveze în arta înaltă., Ceea ce a început ca un simplu instrument de documentare, a devenit un adevărat mediu artistic în sine. Când primele camere de format mic simplu de utilizat au ajuns pe străzi, fotografia a fost complet democratizată și revoluționată ca mediu cu diverse abordări avangardiste care au afectat foarte mult cultura vizuală.având o putere expresivă nespusă și devenind un vehicul al conștiinței moderne care a avut loc după Primul Război Mondial, mulți artiști de avangardă au apelat la fotografie pentru a surprinde sufletul societății industriale contemporane., În anii 1920 și 30, au început să apară diverse forme și tehnici neconvenționale, cum ar fi fotogramele abstracte sau fotomontajele. Diverși artiști experimentat cu această formă puternică, inclusiv László Moholy-Nagy, care este acum considerat un tată de avant garde fotografie, August Sander și Albert Renger-Patzsch.fotografia de avangardă din Franța, a cărei capitală a servit ca centru incontestabil al avangardei Internaționale, a fost înrădăcinată în suprarealism care a susținut transformarea socială prin respingerea valorilor și convențiilor burgheze., Suprarealist fotografi angajați tehnici, cum ar fi de expunere dubla, combinatie de imprimare și inversat tonalitate pentru a crea imagini aflate la limita dintre vis și realitate. Artiștii ruși El Lissitzky și Alexander Rodchenko au folosit diverse tehnici care au servit la ruperea convențiilor de percepție și reprezentare vizuală, cum ar fi close-up-uri extreme, orizonturi înclinate sau forme abstracte.această perioadă dintre cele două războaie a fost cu siguranță una dintre cele mai bogate din istoria fotografică și a împins acest mediu dincolo de limitele sale anterioare., Lucrările de avangardă fotografi precum Man Ray, Eugene Atget, Andre Kertesz, Claude Cahun sau Henri Cartier-Bresson, oferă o privire în acest extrem de productive și creatoare perioadă., Cu Atget este ireal peisaje urbane care au fost îmbibate cu elegiac neliniște ciudată și stranie și neliniștitoare, Kertesz revolutionara compoziții, Ray formale experimente de transplant, Cahun pune la îndoială și destabilizatoare de modele stabilite de identitate de gen, Cartier-Bresson dornici de sensibilitate și aprecierea de moment, aceasta creatie si avant garde abordare din perioada antebelică s-a schimbat de fotografie pentru totdeauna.
Nașterea Teatrul de Avangarda
Similar cu alte forme de avangardă, experimentale sau teatrul de avangarda a apărut ca o reacție împotriva unui percepute cultural general criză și a respins ambele vârsta și dominantă moduri de a scrie și producerea de piese de teatru. Renunțând la valorile și convențiile burgheze, acest concept proaspăt a încercat să introducă o altă aplicație a limbajului și a corpului pentru a schimba percepția și a crea o relație mai activă cu publicul., Acest lucru a început în 1896 cu Alfred Jarry și piesa lui Ubu Roi care a răsturnat regulile, normele și convențiile culturale într-un mod sălbatic, bizar și comic. Această piesă a avut o importanță revoluționară, deoarece a deschis ușa modernismului secolului 20 și a influențat Dada, suprarealismul și teatrul absurdului.în mod tradițional perceput ca observatori pasivi, rolul publicului a fost contestat pentru prima dată odată cu ascensiunea avangardei., Publicul s-a implicat într-o varietate de moduri, cum ar fi participarea la acțiune la un nivel extrem de practic sau invitația de a simți un anumit mod pentru a-și schimba atitudinile, valorile și credințele. Celebrul regizor Peter Brook a descris acest obiectiv ca fiind ” un teatru necesar, unul în care există doar o diferență practică între actor și public, nu una fundamentală.”Avangarda și-a propus, de asemenea, să schimbe fața socială a Teatrului, artiștii devenind activiști culturali., Acesta a fost cazul Teatrului didactic agit-prop care și-a propus să facă o anumită declarație morală sau politică și să conteste valorile și credințele publicului. De asemenea, avangarda a contestat și a respins metoda tradițională ierarhică de creare a Teatrului. Cu artiștii care au mai multă libertate interpretativă, ei au fost promovați la artiști creativi în sine. În plus, convențiile tradiționale de spațiu, mișcare, dispoziție, tensiune, limbaj și simbolism au fost modificate.
franceză și rusă Teatrul de Avangarda
teatrul de avangarda în Franța a fost marcată Dada și Suprarealism. Dadaiștii au însușit mai multe principii estetice pentru crearea dramei de la futuristi, cum ar fi utilizarea acțiunii simultane și a unei relații antagoniste cu publicul. Producția inimii de gaz a lui Tristan Tzara a fost ea însăși o formă de anarhie împotriva artei și în special a teatrului și a dus la o luptă între susținătorii și detractorii săi., Introducerea suprarealismului de către Andre Breton în 1924, care s-a despărțit de Dada cu doi ani mai devreme, a semnalat moartea lui Dada as și a influentei mișcări de avangardă. Suprarealismul a fost o forță majoră în scrierea experimentală, iar cele mai celebre lucrări teatrale au fost cele ale lui Antonin Artaud și Gillaume Apollinaire. Piesa lui Artaud misterele iubirii produsă în 1927 a fost prima piesă care a aplicat tehnica suprarealistă de scriere automată. Doi iubiți din piesă își schimbă constant relația și interacționează cu diverse alte personaje a căror identitate sa schimbat.,între timp, în Rusia, Teatrul a devenit un focar de experimentare și un vehicul puternic pentru propaganda revoluționară. Cu un libret experimental ‘zaum’ limba, o combinație de primitivă Slave în limba maternă amestecat cu ciripitul păsărilor și cosmice rostire, și costume constat monocrom triunghiuri și pătrate, primul din lume ‘futurist opera’ Victoria de la Soare, în 1913, a stârnit un scandal cu publicul. Designerul de costume a fost tânărul Kazimir Malevich care a început să experimenteze în teatru înainte de a-și dezvolta și articula viziunea și ideile artistice., Teatrul a fost transformat dintr-un loc de naturalism și emoție într-un spectacol plin de târguri. Artiști precum Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin, Alexandra Exter și Lyubov Popova au creat seturi și costume de design radicale și scandaloase pentru o epocă futuristă care i-a inspirat pe Fritz Lang și chiar Flash Gordon. Vsevolod Meyerhold, unul dintre cei mai entuziaști activiști ai noului teatru sovietic, a susținut expresia corporală în actorie și a pus bazele teatrului fizic modern. O multitudine de stiluri artistice a dat naștere în acești ani tumultuoși., După cum a scris mai târziu Mayakovsky, ” Teatrul nu este o oglindă, ci o lupă.’
Teatrul Absurdului
pe Parcursul anilor între cele două războaie, teatrul de avangarda a fost înflorit și diverse teatrul de avangarda mișcărilor apărut., Inspirat de aceste experimente teatrale la începutul jumătății secolului și de ororile celui de-al doilea Război Mondial, noul teatru parizian de avangardă a respins complet setările, personajele, comploturile și punerea în scenă a teatrului tradițional. Numit de criticul de teatru Martin Esslin ca teatrul absurdului, a implicat scriitori renumiți precum Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet, Arthur Adamov și Fernando Arrabal., Urmând filozofia lui Albert Camus că situația umană este în esență absurdă și lipsită de scop, acești autori au creat ficțiune absurdă care a dat numele acestui stil de teatru care a evoluat din opera lor. Aceste piese au fost impregnate de viziunea pesimistă a umanității, care este lăsată fără speranță, dezorientată și neliniștită. Unele dintre cele mai celebre piese de teatru din această perioadă sunt Beckett asteptam pe Godot, Ionesco, cântăreața Cheală, Genet e Cameriste, Harold Pinter este Camera și Albee Cui i-e Frică de Virginia Wolf., Moștenirea și ecourile teatrului absurdului au putut fi văzute în multe lucrări ale dramaturgilor de mai târziu.
Avant-Garde Astăzi
în Conformitate cu tot ceea ce a spus de istoria noastră, avant-garde ar trebui să fie înainte de timpul său. Prin urmare, logica spune că oamenii au nevoie de ceva timp pentru a recunoaște că cineva a fost „înaintea timpului lor”, altfel avangarda nu ar fi cu adevărat avangardă în primul rând., În timpul apariției majorității mișcărilor istorice, a fost, de asemenea, o modalitate de a se opune modului convențional de a privi arta și de a contesta abordarea academică a acesteia. Dar acum, când Academia este conștientă de mișcările avangardiste istorice și se alătură și artei contemporane, cum putem discerne adevărata progresivitate?,
de Ce Avant Garde Definiție este Atât de Complex Astăzi
de artă Contemporană se confruntă cu cele mai bune de ori și cel mai rău de ori. Acesta este precedat de un număr mare de mișcări semnificative și informat de întrebările care au fost deja rezolvate, care ar putea fi considerate un beneficiu sau se dovedesc a fi un handicap limitativ. Unii sunt încă deranjați de faptul că arta este greu de definit, dând vina pe avangardă., Și în timp ce aceste comentarii sunt adesea pe lângă punct, nu ar strica să reconsiderăm moștenirea pe care mișcările avangardiste ne-au lăsat-o. Da, ne – a dat multe motive să fim recunoscători, oferindu-ne milioane de moduri diferite de abordare a artei, nu numai ca formă tradițională, ci și ca readymade, un ansamblu, un performance, un happening, un act, un document, o instalație, îl numiți. Dar, pe de altă parte, nu simțim cu toții, ocazional, sentimentul neplăcut de a trăi într-o lume în care totul a fost deja spus și făcut, întrebându-ne, ce acum?,
Pseudo-Autonomie de Artă Contemporană
Există un alt lucru care face o chestiune de „contemporan avangardist” dificil de a rezolva, și care este prevalența de critici care de obicei scopul de a interpreta arta în felul lor și să prezinte anumite opere de artă ca pe ceva care, în esență, nu sunt., Ceea ce se întâmplă în consecință este că, în lipsa cuvintelor oferite de artiștii înșiși, arta devine ușor transformată într-o chestiune pliabilă care își schimbă forma atunci când trece de la o interpretare la alta. Pe de altă parte, majoritatea mișcărilor avangardiste aveau un manifest care le explica sentimentele, fie direct, fie implicit. Astăzi, nu suntem atât de obișnuiți ca artiștii să fie propriii lor „curatori” sau chiar să formeze grupuri și mișcări. Presupusa mișcare de artă, sau un laitmotiv unificator care reunește un grup, este de obicei adaptată de altcineva.,
a Fi Cool vs Fiind Avant-Garde – YBAs
Să recunoască avangardă în arta de azi înseamnă să-și asume riscul de a proclama ceva care să fie relevante pentru viitor, de preferință reformator, chiar și iluminatul., În trecutul nostru recent, câteva așa-numite mișcări păreau să fi intenționat să atingă aceste obiective, dar este încă incert dacă energia lor colectivă era avangardă sau pur și simplu trendsetting. Așa cum s – a întâmplat în trecutul nostru îndepărtat, așa s-a întâmplat și în trecutul nostru recent-majoritatea descoperirilor semnificative încep cu o singură expoziție. Mulți ar fi de acord că Freeze, care a fost condus de Damien Hirst în 1988, a marcat un moment de cotitură în cariera artiștilor ale căror nume au devenit asociate cu tinerii artiști britanici mai târziu., YBAs a devenit un grup istoric, chiar dacă numele din listă au fost adăugate și șterse în timp. Fiind că majoritatea acestor artiști au venit de la aceeași școală (aurari) și ar fi susținut un stil de viață deosebit de sălbatic neglijent, YBAs a făcut, într-adevăr, părea a fi un grup real. Totuși, când vine vorba de arta lor, în timp ce se baza în mare parte pe tactica șocului care a rămas numitorul comun în munca lor, se caracteriza printr-o diversitate deliberată în stil., În afară de faptul că cei mai mulți dintre ei s-au dovedit a fi mari antreprenori, capabili să profite atât de publicitatea pozitivă, cât și de cea negativă, ar fi nevoie de un alt articol pentru a discuta dacă YBAs (ca grup) au fost deosebit de constructivi în ceea ce privește arta în sine. La urma urmei, nu au fost primii care au folosit „șocul” ca metodă.,
Probabil Avant-Garde – Estetică Relațională
o Altă încercare de a defini ceva revoluționar a fost Nicolae Bourriaud, în anul 1996, în urma expoziției a intretinuta – Trafic. Chiar dacă unii dintre artistii care au luat parte la ea nerespectarea termenului pentru această zi (și să ia un moment să amintim cele de mai sus problema de curatori văd ceva ce nu există) Bourriaud văzut expoziția ca exemplar de ceva nou., A fost punctul de plecare pentru definiția sa de estetică relațională, care a fost percepută de unii un nou „ism” și respinsă ca o reiterare a celor deja existente de către alții. Pe scurt, este definită ca artă care se bazează pe contextul social și pe rețeaua relațiilor umane, care servesc la descifrarea operei de artă în sine. Cu alte cuvinte, opera de arta este un mediator, o interfata a carei valoare nu se masoara in calitatile sale fizice, ci prin capacitatea sa de a traduce informatia dintre artist si privitor, mizand pe raspunsul privitorului pentru a-si completa scopul., În cazul în care nu ați observat, ideea unui astfel de artefact este strâns legată de oportunitățile oferite de Internet, dar relația noastră cu Internetul nu a fost pe deplin recunoscută atunci. Deci, nu ar fi greșit să spunem că capacitatea curatorului francez de a trage concluzii valoroase dintr-un fenomen Roman a fost destul de avangardistă.,
Potențial Inovator – Art Influențată de Obiect Orientate spre Ontologie
Aproape întâmplător, dar, potrivit surselor, un pic mai târziu, o altă mișcare în mod oficial a apărut în filosofia contemporană, si sa actuală și potențială influență asupra artei nu poate fi supraevaluat. Ontologia orientată pe obiect vorbește despre o lume în care trăim, dintr-un unghi pe care nu l-am luat în considerare până acum, plasând obiectul în locul omului., Deci s-ar putea uita despre Kant Antropocentrism, și să îmbrățișeze o nouă eră în care rasa umană trece titlul de obiecte, de exemplu, roboți, mașini, bytes, din care nu mai face obiecte la fel de dependentă de interpretarea noastră sau chiar goale confirmare. „Exponatele nu ne sunt expuse, noi suntem cei expuși la ele” a fost modul în care Pierre Huyghe a abordat problema. Având în vedere acest lucru, am putea aștepta cu nerăbdare influența OOO asupra artei în viitor și să observăm cum trans-umanismul afectează deja unii dintre artiștii etichetați ca artiști post-internet.,
Deci, Kitsch-ul, Care Devine Artă – Arta Kitsch
Dar dacă luăm în considerare avant-garde ca se opune academice definiția artei, am putea la fel de bine spune că lobrow este noul avant-garde. Pentru că, de ce nu. Nu este atât de greu de crezut că Duchamp din secolul 21 ar respinge toată „progresivitatea” de astăzi și ar ignora arta contemporană și chiar readymade-ul și, în cele din urmă, ar îmbrățișa suprarealismul pop ca o mișcare evident neglijentă și ușoară., Dacă există ceva care lipsește în arta secolului 21, este fericirea-fericire autentică, speranță, bucurie, bucurie, toate acestea contribuie la o perspectivă pozitivă, lipsită de griji asupra vieții, care într-un fel a devenit asociată cu kitsch-ul, mai degrabă decât cu arta. Ceva cu adevărat proaspăt, în lumea de astăzi, ar însemna ceva afirmativ, care nu urmărește să conteste sau să pună la îndoială nimic, ci mai degrabă să se mulțumească cu lucrurile, așa cum sunt.,
Este Contemporan Avangardist de Neatins?
a fi înaintea timpului, în secolul 21, este aproape imposibil. Impresia generală că timpul se accelerează constant este o problemă pentru început., Cu informațiile care călătoresc la fel de repede ca o atingere pe ecran, traducerea ideilor devine mai ușoară, dar la fel și presupusa noastră înțelegere a acestor idei (presupusă, deoarece în cel mai rău caz, suntem mai ușor convinși că le înțelegem). Cum putem spune dacă ceva este înaintea timpului său, dacă percepția noastră despre timp este neclară în sine? Noul devine uzat mai repede ca niciodată și chiar dacă timpul este curbat și trecutul reapare într-o anumită formă, cu greu avem timp să-l recunoaștem. A fi avangardist în anii 2010 înseamnă a fi mai mare, mai bun, mai îndrăzneț decât arta contemporană., Cum se poate realiza acest lucru, când arta contemporană include tot ce are legătură cu spiritul timpului nostru? Sau este tot avangarda artei contemporane de surdult?
în Loc de un veritabil concluzie, vom lăsa în ultimele câteva exemple de Liam Gillick de artă Contemporană nu ține cont de ceea ce este de a lua loc-ți dau ceva mare să se gândească: „regimul contemporan devine mai mult și mai cuprinzătoare de propriul trecut și veșnic viitor. Umflat și pe marginea utilității, se întinde fără sfârșit în toate direcțiile., Dar la fel a făcut și pământul plat în care oamenii credeau cândva, la fel și cerul nesfârșit al Occidentului.”
scris de Angie Kordic, Silka P, Elena Martinica și Natalie p
toate imaginile doar cu scop ilustrativ.