Imagine și Spectacol
În această nouă eră a consumerismului și televiziune, publicitate și mass-media a devenit din ce în ce mai răspândită. În 1968, de exemplu, publicul American a asistat pentru prima dată la imagini necenzurate ale războiului din Vietnam în propriile case, oferind o deconectare puternică cu propriile vieți confortabile, în timp ce au asistat la ororile războiului la cină., Imaginile de pe ecran reflectau o nouă realitate și era adesea mai dificil să se facă distincția între fapt și ficțiune, în special cu utilizarea pe scară largă a publicității. Jean Baudrillard, un proeminent filozof francez, a numit această situație „hiperrealitate”, asemănând existența postmodernă cu un ecran TV pâlpâitor: imediat, schimbător și fragmentat, fără adevăr fundamental. Aceste idei noi au inspirat artiști, cum ar fi Barbara Kruger, care au început să descrie suprafața mai degrabă decât orice adevăr sau sens mai profund. Stilul și spectacolul, mai degrabă decât substanța, au fost acolo unde a fost creat sensul., Acest accent pe suprafață este una dintre componentele cheie ale magazinului I al lui Kruger, prin urmare, sunt (1987), precum și o mare parte din arta Pop. Simultan, o tabără de estetică s-a născut, deosebit de evident în modă și muzică, care a atras din trecut stilurile Gotic și Baroc; cel mai orbitor, flamboaiant, și șocant – mai eficient. Opera lui Jeff Koons este un bun exemplu al acestui aspect al artei postmoderne.,amestecarea codurilor estetice modernismul a apărut pentru prima dată în Franța secolului al XIX-lea în rebeliunea împotriva preocupării istorice și figurative a Academiei Franceze și a dominației sale asupra gustului artistic. Mișcările avangardiste care au urmat la începutul secolului 20 au eliminat treptat orice referire la un context sau subiect, în căutarea unei forme pure și nemediate de exprimare vizuală radicală și nouă. Această tendință a atins apogeul cu expresionismul Abstract, care a susținut pictura non-reprezentativă., Cu toate acestea, în deceniile care au urmat mișcării, pictura ca mediu a fost considerată clișeu, cu puțin spațiu pentru experimentare. Odată cu apariția postmodernismului, unii artiști au început să exploreze stiluri și medii din trecut – în special pictura – ca parte a esteticii postmoderne care a readus atât Istoricul, cât și subiectivul, dar cu o lipsă intenționată de integritate sau unitate stilistică.artiști precum Gerhard Richter au amestecat jucăuș codurile și genurile estetice, deplasând sensul existent în structuri și creând altele noi., Folosind metode de parodie și pastișă, ideile vechi ar putea fi recreate în contexte noi. Ca Dadaiști, a făcut mai devreme, alți artiști folosit colaj, montaj, și de bricolaj care juxtapuse text, imagine, și a găsit obiecte pentru a crea straturi suprafețe. Această amestecare a codurilor este deosebit de evidentă în arhitectura anilor 1980 și 1990, cum ar fi aripa Sainsbury a Galeriei Naționale, Marea Britanie, care combină caracteristici din două perioade istorice diferite într-un singur spectacol vizual. În film, efectul ar putea fi îmbunătățit considerabil., De exemplu, Pulp Fiction (1994) al lui Quentin Tarantino sfidează narațiunea tradițională, desenând din mai multe genuri și oferind un montaj fragmentat de personaje și comploturi într-o ordine arbitrară. Mulți artiști au apelat, de asemenea, la tehnologii multimedia în anii 1960 și 1970, savurând noile oportunități pe care le-au oferit să combine mass-media și să creeze spectacol și senzație.nu au existat doar oportunități cu noile tehnologii multimedia; începând cu anii 1950 și 1960, a existat o încrucișare semnificativă între disciplinele artistice, deoarece categoriile tradiționale au fost înlocuite., O expresie postmodernistă populară a fost „orice merge”, care se referea atât la această cultură de convergență în creștere, cât și la prăbușirea distincției dintre gustul” bun „și” rău ” și dificultatea de a atribui valoare sau de a judeca opere de artă pe baza criteriilor tradiționale, ca în cazul lui Jeff Koons. Artiștii au adoptat mecanismele formelor de artă și non-artă, cum ar fi publicitatea, folosind o multitudine de medii pentru a transmite mesaje multiple.
originalitate și autenticitate
În 1917, Marcel Duchamp a plasat într-o expoziție un pisoar semnat cu un nume fictiv și l-a numit artă., Făcând acest lucru, el a batjocorit întreaga fundație pe care a fost construită instituția de artă. În mod tradițional, unicitatea și originalitatea au dat unei opere de artă valoarea sa sau „aura”, atât în termeni simbolici, cât și monetari, și a fost un concept păstrat prin critica artei moderniste. În 1936, teoreticianul cultural, Walter Benjamin, a scris un eseu seminal intitulat „Opera de artă în epoca reproducerii mecanice”, care a refăcut radical această viziune, punând acuzații de elitism la picioarele unor figuri cheie precum Greenberg., Benjamin a susținut că reproducerea, prin imprimare și alte metode, ar putea realiza democratizarea artei datorită valorii sale scăzute a mărfurilor și accesibilității sporite a maselor.
artiști Pop, minimaliști, artiști de spectacol, artiștii conceptuali, și altele adoptat lui Benjamin ethos, interpretând cuvintele lui printr-o gamă variată de mijloace și tehnici care au subminat conceptele de autenticitate și valoare și distorsionată comunizare. Roy Lichtenstein și Andy Warhol pungi și cani produse în masă, imprimate pe ecran cu imagini iconice., Oldenburg, care a îmbrățișat cu fervoare ideea că orice ar putea și ar trebui să fie artă, a deschis un magazin dedicat vânzării unor astfel de exemple ieftine de artă, cu prețuri începând de la 21, 79 USD. Donald Judd și Sol LeWitt și-au expus formele repetitive, dar au lăsat controlul aranjamentului lor curatorului; Allan Kaprow, Marina Abramović și artiștii Fluxus au pus spectacole în care publicul și nu artistul le-au determinat forma și semnificația. Artiști de toate culorile, inclusiv Warhol, Richter, și Koons, au fost cunoscute pentru aproprierea lor de imagini fotografice și alte., În cadrul artei feministe din anii 1970 și din nou în anii 1990, printre anumiți artiști a existat o creștere a interesului pentru ideea de autor colectiv care a subminat în continuare ideile tradiționale de creativitate și geniu artistic care au fost în vigoare încă din Renaștere. Artiști precum Daniel Buren au fost din ce în ce mai preocupați de procesul social de creare a artei, mai degrabă decât de obiectul de artă, și au plasat crearea sensului în punctul de interacțiune., Această nouă practică a devenit cunoscută sub numele de estetică relațională și a rezistat standardizării artei prin natura sa performativă, oferind o critică puternică a lumii artei, un domeniu care a ajuns să fie cunoscut sub numele de critică instituțională.
pluralismul
urmărirea postmodernă pentru o artă democratică extinsă dincolo de reproducere, apropriere și experimente în autorul colectiv. Arta modernistă nu a fost văzută doar ca elitistă, ci și ca albă, occidentală și dominată de bărbați., Postmodernismul a coincis cu creșterea în Feminismul, mișcarea pentru drepturile civile, lupta pentru drepturile LGBT și postcoloniale crezut, și a provocat o preocupare pentru o mai pluraliste abordare; în alte cuvinte, mulți artiști precum Kara Walker și Felix Gonzalez-Torres a început să abordeze subiecte din mai multe perspective pentru a include puncte de vedere anterior slab reprezentate pozițiile (astfel de anchete au condus la dezvoltarea de Identitate Politică și Ciudat de Artă).,
În plus, filosofi, la timp, ca Michel Foucault și Antonio Gramsci, au fost de cotitură pentru idei de post-structuralismul, care a inteles societății instituții, cum ar fi închisorile și spitalele, ca fiind susținută de schimbare, mai degrabă decât stabile sisteme oferindu-le o lipsa de coerenta sensului. Impactul asupra artelor a fost reprezentarea sporită a identităților diverse, multiculturale și, de asemenea, un tratament ludic al identității și al sinelui, evident în lucrările timpurii ale unor artiști precum Barbara Kruger sau Cindy Sherman., Acest lucru este valabil în special pentru Sherman, a cărui lucrare se concentrează pe ruptura dintre o identitate construită prin film sau alte mijloace de informare și realitatea experiențelor femeilor. În acest sens, Sherman a atrage atenția publicului la mijloacele de producție și polisemantice natura, subliniind faptul că o operă de artă poate fi interpretat în orice număr de moduri de audiență, astfel opunere la master narațiuni și autoritatea supremă a artistului.,în prezent există două abordări teoretice principale pentru înțelegerea postmodernismului, relația sa cu modernismul și locul său în lumea artei contemporane.un argument este că postmodernismul perturbă și continuă modernismul, deoarece există dovezi ale ambelor existente în arta contemporană, care este un termen care se referă în linii mari la orice artă creată în ultimii douăzeci de ani, cuprinzând astfel toată producția artistică a oricărui stil., Atitudinile și stilurile care marchează Postmodernismul pot fi înțelese ca schimbări paradigmatice care marchează o ruptură sau o criză în istoria culturală. Din acest punct de vedere, impactul gândirii postmoderne, post-coloniale și post-feministe a stârnit o mare schimbare în artă, descrisă de scriitori feminiști precum Rosalind Krauss și Suzanne Lacy. Desigur, natura diversă, efemeră, globală, interdisciplinară și colaborativă a practicii artei contemporane este informată de atitudini postmoderniste și apare atât persistentă, cât și transformatoare., Postmodernismul pretinde că închide decalajul dintre cultura” înaltă „și” joasă „și gustul” bun „și” rău”, totuși există dovezi că aceste distincții rămân. La începutul anilor 1990, un grup de tineri studenți Goldsmiths College a pus împreună un spectacol absolvent numit Sensations – un concept extrem de postmodern. Reacția a fost fără precedent. Publicul și criticii deopotrivă și-au exprimat șocul și groaza față de imaginile provocatoare și referințele explicite la subiecte de gust „rău”., Grupul a devenit cunoscut sub numele de Young British Artists (YBAs) și a stârnit o renaștere în arta conceptuală folosind tactici de șoc la întrebarea arta e sensul, ca Duchamp a făcut aproape 80 de ani mai devreme. Notorietatea lor a persistat, la fel ca și furia asupra senzațiilor, oferind dovezi pentru unii că vechile ierarhii gustative ale modernismului trăiesc. Cu acest argument, Postmodernismul nu a înlocuit modernismul, ci coexistă alături de acesta.,
epoca post-postmodernismului
o altă viziune, care a apărut recent într-un corp de scriere mic, dar convingător, susține că am trecut într-o epocă post-postmodernistă. Unii scriitori și critici susțin că postmodernismul este depășit și pun la îndoială valoarea unei mișcări susținute de superficialitate, cinism și nihilism. Unii chiar susțin revenirea la principiile modernismului, deși în diferite forme. Edward Docx numește această epocă post-postmodernă „Epoca autenticității” caracterizată printr-o renaștere a autenticității și a măiestriei asupra stilului și conceptului., Alte monikers includ ” alter modernism, „care este termenul Nicolas Bourriaud pentru” comunicare non-stop și globalizarea „cultura de astăzi, și” pseudo modernism, ” care a fost inventat de Alan Kirby. Kirby susține că a existat o schimbare de la spectator public la o participare mai activă, dar banală, citând ca dovadă cultura de vizionare a realității TV. Aceste încercări de a revendica sfârșitul postmodernismului sunt ample și, în general, neconsensuale, dar sunt unite în elemente ale criticii lor., Toți sunt obosiți de neobosita ironie postmodernă și tânjesc după o oarecare revenire la adevăr și realitate. În diferite moduri, ele subminează dominația postmodernismului ca mod de gândire sau ca atitudine față de viață, reducându-l în schimb la o mișcare dintr-o lungă istorie a mișcărilor, una care este acum în declin.