Suprematismus
Suprematismus war eine weitere einzigartige russische Kunstbewegung, die gemeinsam mit dem Konstruktivismus begann. Der Fokus und der Schwerpunkt wurden auf die Umarmung der Abstraktion gelegt, die Gemälde auf Leinwand ermöglichten, und der Suprematismus war die erste Avantgarde-Bewegung, die geometrische Abstraktion in der Malerei umsetzte., Kazimir Malewitsch gilt als Begründer, und er war es, neben seinen Zeitgenossen, die dazu beitrugen, die Idee zu fördern, dass Kunst wieder in ihre Ursprünge zurückkehren sollte. Dies erklärte ihr Engagement für reine geometrische Abstraktion und häufige Verwendung von Grundformen wie Quadraten, Dreiecken und Kreisen sowie primären und neutralen Farben. Es war Malewitschs Gemälde White on White, das die Bewegung verkörperte, die in ähnlicher Weise wie der Konstruktivismus eng mit der Revolution verbunden war., Ein wichtiger Aspekt des Suprematismus unterschied sich stark vom Konstruktivismus, da die Bewegung eng mit Spiritualität und Mystik verbunden war, die zur Stärke der Abstraktion beitrugen. 1927 veröffentlichte Malewitsch sein Buch The Non-Objective World, das zu einem der wichtigsten theoretischen Dokumente zur abstrakten Kunst wurde. Darin erklärte der Maler die Rolle der Abstraktion in seinen Gemälden als Medium, um „die Kunst vom toten Gewicht der realen Welt zu befreien“.
Futurismus
Futurismus war eine künstlerische und soziale Bewegung, die Anfang des 20. Es betonte Geschwindigkeit, Technologie, Jugend und Gewalt. Diese Avantgarde-Bewegung, die den Wandel umfasst und den Menschen mit Maschinen verbindet und umgekehrt, mit dem Schwerpunkt auf Gewalt und dem technologischen Triumph der Menschheit über die Natur, ist eine der umstrittensten Bewegungen der Moderne., Die traditionellen künstlerischen und kulturellen Formen der Vergangenheit im Zentrum der futuristischen Plattform zu verwerfen, war in der Tat die Befürwortung des Krieges. Der Futurismus, der 1909 von Filippo Marinetti in einem Manifest geprägt wurde, beschränkte sich nicht nur auf eine Kunstform, sondern seine Künstler arbeiteten in einer Reihe verschiedener Kunstdisziplinen wie Skulptur, Keramik, Grafikdesign, Theater, Film, Textilien, Literatur und Musik. Häufige Themen des Künstlers waren Autos, Züge, Tiere, Tänzer und große Menschenmengen., Anlehnung an den Schnittpunkt von Ebenen aus dem Kubismus, die lebendige und expressive Farbe, zusammen mit dem dynamischen Pinselstrich aus Fauvismus, die Kunst produziert verherrlicht die Tugenden der Geschwindigkeit. Als die Verwüstung des Ersten Weltkriegs realisiert wurde, verlor der Futurismus seinen Dampf.
Kubismus
Tatsächlich gilt der analytische Kubismus als die intellektuellste aller Avantgarde-Bewegungen., Die Ablehnung der konventionellen Idee der linearen Perspektive zugunsten der Betonung der zweidimensionalen Bildebene schockierte die Kunstakademien Europas. Die Kubisten verwerfen die Konventionen der Vergangenheit, die die Nachahmung der Natur und den hohen konstruierten Realismus förderten, und heben die flache Dimensionalität der Leinwandoberfläche und ihre Einheit mit der dargestellten Szene hervor, um den Weg für nicht-repräsentative Kunst zu ebnen. Als eine der bekanntesten Bewegungen der Moderne ist der Kubismus mit zwei Hauptfiguren, Pablo Picasso und Georges Braque, verbunden., Es waren ihre Experimente, die dazu beitrugen, das traditionelle Kunstverständnis neu zu gestalten und seinen Lauf zu ändern.
Damit eine Bewegung als wahrhaft avantgardistische Bewegung betrachtet werden kann, trägt sie die Implikation mit sich, dass sie den Kern des Status quo erschüttern muss. Wie die mächtigste Protestkunst muss die Kraft der neuen Kunst alle prädisponierten ästhetischen und konzeptuellen Vorstellungen darüber erschüttern, was Kunst ist und was sie tun muss., Die oben genannten Bewegungen trugen dazu bei, den Rest der frühen modernen Kunst zu formen, und ihre Ideen bewegten sich in der Art eines Dominoeffekts, der das Erbe der Kunst prägte. Den genannten avantgardistischen Bewegungen verdanken wir die Geburt der Ideen der modernen Kunst des späteren 20. Jahrhunderts wie Surrealismus, Pop Art, Minimalismus und Konzeptkunst, Happenings und Performances, deren Auswirkungen auf die zeitgenössische Kunst wir heute alle Zeugen sind.
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Avantgarde in Musik, Theater und Fotografie
Die historische Funktion der Avantgarde bestand darin, die im 18. Avantgarde war ein Konzept, das untrennbar mit dem Fortschritt verbunden war und verlangte, dass die Kunst revolutioniert und neu definiert wurde., Diese Künstler forderten jede Konvention, Regel und ästhetische Idee heraus, die sie identifizieren konnten, und wollten über das Kunstwerk hinausschauen und die Frage nach der Rolle der Kunst beim Aufbau einer anderen Welt stellen. Diese Künstler waren sich einig, dass die Vergangenheit aufgerissen und die kulturelle Uhr auf Null zurückgesetzt werden sollte, und schlugen verschiedene Kombinationen neuer und alter Medien wie Performance, politisches Engagement und Metaphysik vor. Als radikalste und ehrgeizigste aller Bewegungen stellte Dada zunächst den Kunstbegriff in Frage., Mit Duchamps Einführung des Readymade wurde der Begriff der Kunst untrennbar mit der Frage verbunden, was Kunst ist. Mit der Verbreitung der Bewegungen erreichte dieses Konzept verschiedene Bereiche wie bildende Kunst, Musik, Fotografie und Theater.
Die frühe Avantgarde-Musik
Der italienische Futurismus hat mehrere Komponisten und Manifeste hervorgebracht, aber das bahnbrechende Werk war Luigi Russolos The Art of Noises, in dem er den Einsatz industrieller und militärischer Geräusche propagierte, um eine neue Art von Musik zu konzipieren. Er hat tje Lärm Maschinen gebaut, die das Klappern des Industriezeitalters und den Boom der Kriegsführung repliziert, aber keines dieser Instrumente und Designs überlebt., Diese Maschinenmusik hatte einen starken Einfluss auf eine Reihe von Komponisten dieser Zeit sowie auf die zeitgenössischen. Doch erst in den späten 1940er Jahren wurde der Begriff Avantgarde durch die Arbeit von Komponisten, die mit der Darmstädter Sommerschule verbunden waren, endgültig an die Musik gebunden.Zur gleichen Zeit in den Vereinigten Staaten hatte John Cage, der sich als experimenteller Künstler betrachtete, eine revolutionärere Vision. In seinem berüchtigten Stück 4’33“ von 1952 stellte er die Stille erstmals als Klang vor, der die Vorstellung von Musik in Frage stellt., Diese „Komposition“ bestand aus 4 Minuten und 33 Sekunden Stille und war eher eine philosophische Aussage als ein Musikstück. Während seiner gesamten Praxis förderte Cage veränderte Instrumente, Naturgeräusche, gefundene Geräusche, die Bewegungen des Darstellers und des Publikums, zufällige Geräusche zum Status der Musik. Er führte auch zuerst die Konzepte der Unbestimmtheit und Zufälligkeit in die Aufführung ein und schuf die sogenannte aleatorische Musik., Darüber hinaus schuf er ein Konzept des vorbereiteten Klaviers, des Klaviers, das durch Einfügen verschiedener Objekte in den Resonanzboden oder zwischen den Saiten verändert wurde, um den Klang zu beeinflussen.
John Cage-4 ’33“, aufgeführt von David Tudor
Die Anfänge der elektronischen Musik
Das Ende des Zweiten Weltkriegs brachte die nächste Periode der musikalischen Revolution, die auf den radikalsten Ideen der vergangenen Jahrzehnte und neuen Technologien beruhte. Im Jahr 1948 schuf Pierre Schaeffer in Paris ein Labor für musique concrete, um Theorien von Luigi Russolo zu erforschen., Mit dieser musikalischen Form, die eine Art elektronische Musik mit recordnigs war, Schaeffer Pionier gefunden Sounds. Das berühmteste Beispiel dieses Genres war Poème électronique von Edgard Varèse, aufgeführt von 400 Lautsprechern. Karlheinz Stockhausen trug wesentlich zur Popularisierung aller Haupttechniken der elektronischen Musik bei. Er experimentierte mit Elektronik, Stimme, Tonband und verschiedenen Samples und interessierte sich für die Art und Weise, wie sich der Klang durch den Raum bewegt. Darüber hinaus leistete er 1958 Pionierarbeit bei Subgenres der elektroakustischen Kammermusik und 1964 bei Live-elektronischer Musik., Der Aufstieg des Minimalismus hat die Musik nicht als Form übersprungen. Minimalistische Komponisten wie Steve Reich, Terry Riley, Phillip Glass und La Monte Young komponierten Musik mit einfachen Akkorden und sich wiederholenden rhythmischen Mustern. Mit der Verbreitung neuer Musikformen und der Eröffnung verschiedener Zentren für Avantgarde-Musik hörte es auf, ein exklusives Werk berühmter Komponisten zu sein, und wurde zu einem relativ häufigen Phänomen.
Edgar Varèse-Poème électronique
Der Avantgarde-Jazz
Das Konzept der Avantgarde wurde auch auf radikale Entwicklungen des Black American Jazz zwischen den 1950er und 1960er Jahren angewendet., Avantgarde Jazz verfolgte technische Innovationen und emotionalen Ausdruck und war eine einzigartige Mischung, die erweiterte Technik, Originalität und Genie mit Improvisationsfähigkeiten verband. Ursprünglich ein Synonym für Free Jazz, war ein Großteil des Avantgarde-Jazz von diesem Stil zu unterscheiden. Als einzigartig schwarze Kunstform entstand der Avantgarde-Jazz während Kolonialkriegen, Besetzungen, des Kalten Krieges und des Kampfes für die Gleichstellung von Rasse und Geschlecht, und aufgrund dieser Bedingungen spiegelte er Unsicherheit und Angst wider und feierte das Plebejische und Absurde., Die Spaltung zwischen dem Geschriebenen und dem Spontanen verwischt, Avantgarde-Jazz war von formaler Komplexität und emotionaler Direktheit durchdrungen. Dennoch unterschied sich der Avantgarde-Jazz von anderen Avantgarden durch seine Ansprüche auf Kunst, nicht durch eine Ablehnung.
Die Entstehung der Fotografie als Medium
Der Aufstieg der Fotografie im 19., Die relativ niedrigen Kosten des Daguerreotyps begannen zunächst als Porträtfotografie in Fotostudios und führten zu einem allgemeinen Anstieg der Popularität der Porträtfotografie gegenüber einem gemalten Porträt. Fotografie als Medium war wohl Avantgarde an sich, da ein Porträt nicht mehr das Vorrecht der sehr Reichen war. Jahrhunderts haben viele Fotografen traditionelle Einstellungen abgelehnt und begonnen, das Genre der Bildfotografie zu erweitern und es zur hohen Kunst zu fördern., Was zunächst als einfaches Dokumentationswerkzeug begann, wurde zu einem eigenständigen künstlerischen Medium. Als die ersten einfach zu bedienenden Kleinformatkameras die Straßen erreichten, wurde die Fotografie als Medium mit verschiedenen avantgardistischen Ansätzen, die die visuelle Kultur stark beeinflussten, vollständig demokratisiert und revolutioniert.
Die Avantgarde-Fotografie
Mit einer unermesslichen Ausdruckskraft und einem Fahrzeug des modernen Bewusstseins, das nach dem Ersten Weltkrieg auftrat, wandten sich viele Avantgarde-Künstler der Fotografie zu, um die Seele der zeitgenössischen Industriegesellschaft einzufangen., In den 1920er und 30er Jahren entstanden verschiedene unkonventionelle Formen und Techniken wie abstrakte Photogramme oder Fotomontagen. Verschiedene Künstler experimentierten mit dieser kraftvollen Form, darunter László Moholy-Nagy, der heute als Vater der Avantgarde-Fotografie gilt, August Sander und Albert Renger-Patzsch.
Die Avantgarde-Fotografie in Frankreich, deren Hauptstadt als fragloses Zentrum der internationalen Avantgarde diente, wurzelte im Surrealismus, der den sozialen Wandel durch Ablehnung bürgerlicher Werte und Konventionen befürwortete., Surrealistische Fotografen verwendeten Techniken wie Doppelbelichtung, Kombinationsdruck und umgekehrte Tonalität, um die Bilder zu erzeugen, die die Grenze zwischen Traum und Realität verwischten. Die russischen Künstler El Lissitzky und Alexander Rodtschenko verwendeten verschiedene Techniken, die dazu dienten, die Konventionen der Wahrnehmung und visuellen Darstellung wie extreme Nahaufnahmen, geneigte Horizonte oder abstrahierte Formen zu brechen.
Diese Periode zwischen den beiden Kriegen war sicherlich eine der reichsten in der Fotogeschichte und hat dieses Medium über seine bisherigen Grenzen hinausgeschoben., Die Arbeiten avantgardistischer Fotografen wie Man Ray, Eugene Atget, Andre Kertesz, Claude Cahun oder Henri Cartier-Bresson geben einen Einblick in diese äußerst produktive und kreative Zeit., Mit Atgets surrealen Stadtlandschaften, die von elegischer Unruhe und seltsamer Unheimlichkeit durchdrungen waren, Kertesz bahnbrechenden Kompositionen, Rays formalen Experimenten mit Transplantaten, Cahuns Infragestellung und Destabilisierung etablierter Modelle der Geschlechtsidentität, Cartier-Bressons ausgeprägter Sensibilität und Wertschätzung des Augenblicks hat dieser kreative und avantgardistische Ansatz der Vorkriegszeit die Fotografie für immer verändert.
Die Geburt des Avantgarde-Theaters
Ähnlich wie andere Formen des Avantgarde -, Experimental-oder Avantgarde-Theaters entstand als Reaktion auf eine wahrgenommene allgemeine Kulturkrise und lehnte sowohl das Alter als auch die vorherrschende Art des Schreibens und Produzierens von Theaterstücken ab. Dieses frische Konzept verzichtete auf bürgerliche Werte und Konventionen und versuchte, eine andere Anwendung von Sprache und Körper einzuführen, um die Wahrnehmung zu verändern und eine aktivere Beziehung zum Publikum herzustellen., Dies begann 1896 mit Alfred Jarry und seinem Ubu Roi-Spiel, das kulturelle Regeln, Normen und Konventionen auf wilde, bizarre und komische Weise aufhob. Dieses Stück hatte eine revolutionäre Bedeutung, als es die Tür für die Moderne des 20. Jahrhunderts öffnete und Dada, Surrealismus und das Theater des Absurden beeinflusste.
Traditionell als passive Beobachter wahrgenommen, wurde die Rolle des Publikums zuerst mit dem Aufstieg der Avantgarde herausgefordert., Das Publikum beteiligte sich auf verschiedene Weise, z. B. auf sehr praktischer Ebene an der Aktion teilzunehmen oder eingeladen zu werden, sich auf eine bestimmte Weise zu fühlen, um seine Einstellungen, Werte und Überzeugungen zu ändern. Der gefeierte Regisseur Peter Brook beschrieb dieses Ziel als “ ein notwendiges Theater, in dem es nur einen praktischen Unterschied zwischen Schauspieler und Publikum gibt, kein grundlegendes.“Avantgarde zielte auch darauf ab, das soziale Gesicht des Theaters zu verändern, wobei Künstler zu kulturellen Aktivisten wurden., Dies war der Fall beim didaktischen Agitprop-Theater, das darauf abzielte, eine bestimmte moralische oder politische Aussage zu treffen und die Werte und Überzeugungen des Publikums herauszufordern. Avantgarde hat auch die traditionelle hierarchische Methode der Schaffung von Theater in Frage gestellt und abgelehnt. Da die Interpreten mehr Interpretationsfreiheit hatten, wurden sie zu eigenständigen kreativen Künstlern befördert. Zusätzlich wurden traditionelle Konventionen von Raum, Bewegung, Stimmung, Spannung, Sprache und Symbolik verändert.
Das französische und russische Avantgarde-Theater
Das Avantgarde-Theater in Frankreich war maßgeblich von Dada und Surrealismus geprägt. Dadaisten nutzten mehrere ästhetische Prinzipien für die Schaffung von Drama von Futuristen, wie die Verwendung von gleichzeitigem Handeln und einer antagonistischen Beziehung zum Publikum. Die Produktion von Tristan Tzaras Gasherz war selbst eine Form der Anarchie gegen Kunst und insbesondere Theater und führte zu einem Kampf zwischen seinen Anhängern und Kritikern., Die Einführung des Surrealismus durch Andre Breton im Jahr 1924, der zwei Jahre zuvor mit Dada gebrochen hatte, signalisierte den Tod von Dada als und einflussreiche Avantgarde-Bewegung. Der Surrealismus war eine wichtige Kraft im experimentellen Schreiben und die berühmtesten Theaterwerke waren die von Antonin Artaud und Guillaume Apollinaire. Artauds Stück Mysteries of Love, das 1927 produziert wurde, war das erste Stück, das die surrealistische Technik des automatischen Schreibens anwendete. Zwei Liebende im Stück ändern ständig ihre Beziehung und interagieren mit verschiedenen anderen Charakteren, deren Identität sich verschoben hat.,
In Russland wurde das Theater zu einer Brutstätte des Experimentierens und zu einem mächtigen Vehikel für revolutionäre Propaganda. Mit einem Libretto in der experimentellen „Zaum“ – Sprache, einer Kombination aus urslawischer Muttersprache, gemischt mit Vogelgesang und kosmischer Äußerung, und Kostümen, die aus monochromen Dreiecken und Quadraten bestanden, hat die weltweit erste „futuristische Oper“ Sieg der Sonne im Jahr 1913 eine Empörung beim Publikum ausgelöst. Der Kostümbildner war der junge Kasimir Malewitsch, der zuerst im Theater experimentierte, bevor er seine künstlerische Vision und Ideen entwickelte und artikulierte., Das Theater verwandelte sich von einem Ort des Naturalismus und der Emotionen in ein ausgewachsenes Schauspiel auf dem Messegelände. Künstler wie Alexander Rodtschenko, Vladimir Tatlin, Alexandra Exter und Lyubov Popova schufen radikale und unverschämte Designsets und Kostüme für eine futuristische Ära, die Fritz Lang und sogar Flash Gordon inspirierte. Vsevolod Meyerhold, einer der enthusiastischsten Aktivisten des neuen sowjetischen Theaters, setzte sich für den körperlichen Ausdruck in der Schauspielerei ein und legte den Grundstein für das moderne physische Theater. Eine Fülle von künstlerischen Stilen entstand in diesen turbulenten Jahren., Wie Mayakovsky später schrieb ‘ “ Theater ist kein Spiegel, sondern eine Lupe.‘
Das Theater des Absurden
In den Jahren zwischen zwei Kriegen blühte das Avantgarde-Theater und es entstanden verschiedene Avantgarde-Theaterbewegungen., Inspiriert von diesen Theaterexperimenten in der frühen Hälfte des Jahrhunderts und von den Schrecken des Zweiten Weltkriegs lehnte das Pariser Avantgarde New Theatre traditionelle Theateraufführungen, Charaktere, Handlungen und Inszenierungen vollständig ab. Vom Theaterkritiker Martin Esslin als Theater des Absurden bezeichnet, umfasste es berühmte Theaterautoren wie Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet, Arthur Adamov und Fernando Arrabal., Nach der Philosophie von Albert Camus, dass die menschliche Situation im Wesentlichen absurd und zwecklos ist, schufen diese Autoren absurde Fiktionen, die diesem Theaterstil, der sich aus ihrer Arbeit entwickelt hat, den Namen gaben. Diese Stücke waren durchdrungen von der pessimistischen Vision der Menschheit, die hoffnungslos, verwirrt und ängstlich bleibt. Einige der berühmtesten Theaterstücke aus dieser Zeit sind Becketts Ohnmacht für Godot, Ionescos The Bald Soprano, Genets The Maids, Harold Pinters The Room und Albee ’s Who‘ s Afraid of Virginia Wolf., Das Vermächtnis und die Echos des Theaters des Absurden waren in vielen späteren Werken der Dramatiker zu sehen.
Avantgarde Heute
Nach allem, was unsere Geschichte erzählt, soll die Avantgarde ihrer Zeit voraus sein. Daher hat die Logik es, dass die Menschen einige Zeit brauchen, um zu erkennen, dass jemand „ihrer Zeit voraus“ war, sonst wäre die Avantgarde nicht wirklich an erster Stelle., In der Zeit der Entstehung der meisten historischen Bewegungen war es auch eine Möglichkeit, sich der konventionellen Betrachtungsweise der Kunst zu widersetzen und die akademische Herangehensweise daran in Frage zu stellen. Aber jetzt, da die Akademie sich der historischen avantgardistischen Bewegungen bewusst ist und sich auch der zeitgenössischen Kunst anschließt, wie können wir wahre Progressivität erkennen?,
Warum die Avantgarde-Definition heute so komplex ist
Zeitgenössische Kunst erlebt die besten Zeiten und die schlechtesten Zeiten. Es geht eine Vielzahl bedeutender Bewegungen voraus und wird durch die bereits gelösten Fragen informiert, die als Vorteil angesehen werden können oder sich als einschränkendes Handicap herausstellen. Einige stören sich immer noch daran, dass Kunst schwer zu definieren ist und die Avantgarde beschuldigt., Und obwohl diese Kommentare oft nebensächlich sind, würde es nicht schaden, das Erbe zu überdenken, das uns die Avantgarde-Bewegungen hinterlassen haben. Ja, es gab uns viel zu danken, indem es uns Millionen verschiedene Möglichkeiten bot, Kunst zu nähern, nicht nur als traditionelle Form, sondern auch als Readymade, Assemblage, Performance, Happening, Act, Dokument, Installation. Aber andererseits erleben wir nicht alle gelegentlich das unangenehme Gefühl, in einer Welt zu leben, in der bereits alles gesagt und getan wurde, und fragen uns, was jetzt?,
Pseudoautonomie zeitgenössischer Kunst
Es gibt noch etwas, das die Sache der „zeitgenössischen Avantgarde“ schwierig macht zu lösen, und das ist die Prävalenz von Kritikern, die normalerweise darauf abzielen, Kunst auf ihre eigene Weise zu interpretieren und bestimmte Kunstwerke als etwas darzustellen, das sie im Wesentlichen nicht sind., Was folglich passiert, ist, dass Kunst in dem Mangel an Wörtern, die von Künstlern selbst zur Verfügung gestellt werden, leicht zu einer biegsamen Materie wird, die ihre Form ändert, wenn sie von einer Interpretation zur anderen wechselt. Andererseits hatten die meisten avantgardistischen Bewegungen ein Manifest, das ihre Stimmung entweder zu Recht oder implizit erklärte. Heute sind wir es nicht gewohnt, dass Künstler ihre eigenen „Kuratoren“ sind oder sogar Gruppen und Bewegungen bilden. Die vermeintliche Kunstbewegung oder ein verbindendes Leitmotiv, das eine Gruppe zusammenbringt, wird normalerweise von jemand anderem zugeschnitten.,
Cool sein vs. avantgardistisch sein-Die YBAs
Die Avantgarde in der heutigen Kunst anzuerkennen bedeutet, das Risiko einzugehen, etwas zu verkünden, das für die Zukunft relevant ist, vorzugsweise reformistisch, sogar illuminativ., In unserer jüngeren Vergangenheit schienen einige sogenannte Bewegungen beabsichtigt zu haben, diese Ziele zu erreichen, aber es ist immer noch ungewiss, ob ihre kollektive Energie avantgardistisch oder einfach zukunftsweisend war. Genau wie in unserer fernen Vergangenheit geschah es auch in unserer jüngeren Vergangenheit – die meisten bedeutenden Entdeckungen beginnen mit einer einzigen Ausstellung. Viele würden zustimmen, dass Freeze, das 1988 von Damien Hirst geleitet wurde, einen Wendepunkt in der Karriere von Künstlern markierte, deren Namen später mit jungen britischen Künstlern in Verbindung gebracht wurden., Die YBAs wurden zu einer historischen Gruppe, obwohl die Namen aus der Liste im Laufe der Zeit hinzugefügt und gelöscht wurden. Da die meisten dieser Künstler aus derselben Schule (Goldschmiede) stammten und angeblich einen besonders wilden sorglosen Lebensstil unterstützten, schienen die YBAs tatsächlich eine tatsächliche Gruppe zu sein. Dennoch, wenn es um ihre Kunst geht, während es hauptsächlich auf der Schocktaktik beruhte, die in ihrer Arbeit der gemeinsame Nenner blieb, Es zeichnete sich durch eine bewusste Stilvielfalt aus., Abgesehen von der Tatsache, dass sich die meisten von ihnen als großartige Unternehmer herausstellten, die sowohl die positive als auch die negative Werbung ausnutzen konnten, würde ein ganz anderer Artikel darüber diskutieren, ob die YBAs (als Gruppe) in Bezug auf die Kunst selbst besonders konstruktiv waren. Schließlich waren sie nicht die ersten, die „Schock“ als Methode verwendeten.,
Wahrscheinlich Avantgarde-Relationale Ästhetik
Ein weiterer Versuch, etwas Revolutionäres zu definieren, war Nicholas Bourriauds, 1996, nach der von ihm kuratierten Ausstellung – Traffic. Obwohl einige der Künstler, die daran teilnahmen, den Begriff bis heute ignorieren (und sich einen Moment Zeit nehmen, um sich an das oben erwähnte Problem zu erinnern, dass Kuratoren etwas sehen, das nicht da ist), sah Bourriaud die Ausstellung als Beispiel für etwas Frisches., Es war der Ausgangspunkt für seine Definition von relationaler Ästhetik, die von einigen als neues „ism“ wahrgenommen und von anderen als Wiederholung des bereits Existierenden abgelehnt wurde. Kurz gesagt, es ist definiert als Kunst, die sich auf den sozialen Kontext und das Netzwerk menschlicher Beziehungen stützt, die dazu dienen, das Kunstwerk selbst zu entschlüsseln. Mit anderen Worten, das Kunstwerk ist ein Vermittler, eine Schnittstelle, deren Wert nicht an seinen physischen Qualitäten gemessen wird, sondern an seiner Fähigkeit, die Informationen zwischen dem Künstler und dem Betrachter zu übersetzen, wobei er auf die Reaktion des Betrachters zählt, um seinen Zweck zu erfüllen., Falls Sie es nicht bemerkt haben, ist die Idee eines solchen Artefakts eng mit den Möglichkeiten des Internets verbunden, aber unsere Beziehung zum Internet wurde damals nicht vollständig erkannt. Es wäre also nicht falsch zu sagen, dass die Fähigkeit des französischen Kurators, wertvolle Schlussfolgerungen aus einem neuartigen Phänomen abzuleiten, ziemlich avantgardistisch war.,
Potenziell bahnbrechende Kunst Beeinflusst von objektorientierter Ontologie
Fast zufällig, aber Berichten zufolge entstand etwas später offiziell eine andere Bewegung in die zeitgenössische Philosophie und ihr aktueller und potenzieller Einfluss auf die Kunst können nicht überbewertet werden. Objektorientierte Ontologie spricht von einer Welt, in der wir leben, aus einem Winkel, den wir vorher nicht berücksichtigt haben, indem wir das Objekt anstelle des Menschen platzieren., Sie können also Kants Anthropozentrismus vergessen und eine neue Ära annehmen, in der die Menschheit ihren Titel an Objekte weitergibt, z. B. Roboter, Maschinen, Bytes, in denen wir Objekte nicht mehr so abhängig von unserer Interpretation oder sogar unserer bloßen Anerkennung machen. „Die Exponate sind uns nicht ausgesetzt, wir sind ihnen ausgesetzt“, ging Pierre Huyghe auf die Sache ein. In diesem Sinne könnten wir uns in Zukunft auf den Einfluss von OOO auf die Kunst freuen und beobachten, wie sich der Transhumanismus bereits auf einige der als Post-Internet-Künstler bezeichneten Künstler auswirkt.,
So kitschig, dass es zur Kunst wird – Kitschige Kunst
Aber wenn wir die Avantgarde als gegensätzlich zur akademischen Definition von Kunst betrachten, könnten wir genauso gut sagen, dass lobrow ist die neue Avantgarde. Weil, warum nicht. Es ist nicht so schwer zu glauben, dass der Duchamp des 21st-Jahrhunderts die heutige „Progressivität“ ablehnen und die zeitgenössische Kunst und sogar die Readymade ignorieren und schließlich den Pop-Surrealismus als offensichtlich sorglose, unbeschwerte Bewegung annehmen würde., Jahrhunderts fehlt, ist es Glück – echtes Glück, Hoffnung, Freude, Freude, die alle zu einer positiven, sorglosen Lebenseinstellung beitragen, die irgendwie eher mit Kitsch als mit Kunst in Verbindung gebracht wurde. Etwas wirklich Frisches in der heutigen Welt würde etwas Bejahendes bedeuten, das nicht darauf abzielt, etwas herauszufordern oder in Frage zu stellen, sondern sich mit den Dingen zufrieden zu geben, so wie sie sind.,
Der Zeitgenössischen Avantgarde nicht erreichbar?
Im 21. Jahrhundert der eigenen Zeit voraus zu sein, ist fast unmöglich. Der Gesamteindruck, dass sich die Zeit ständig beschleunigt, ist zunächst ein Problem., Wenn die Informationen so schnell wie ein Tippen auf den Bildschirm reisen, wird die Übersetzung von Ideen einfacher, aber auch unser angebliches Verständnis dieser Ideen (angeblich, weil wir im schlimmsten Fall eher leichter davon überzeugt sind, dass wir sie verstehen). Wie können wir feststellen, ob etwas seiner Zeit voraus ist, ob unsere Wahrnehmung der Zeit selbst unklar ist? Neues wird schneller denn je abgenutzt, und selbst wenn die Zeit gekrümmt ist und die Vergangenheit in irgendeiner Form wieder auftritt, haben wir kaum Zeit, es zu erkennen. Avantgarde in den 2010er Jahren zu sein bedeutet, größer, besser und mutiger zu sein als zeitgenössische Kunst., Wie ist das möglich, wenn zeitgenössische Kunst alles beinhaltet, was mit dem Geist unserer Zeit zu tun hat? Oder ist alle zeitgenössische Kunst Avantgarde von deafult?
Anstatt eine echte Schlussfolgerung zu ziehen, lassen wir die letzten Sätze aus Liam Gillicks zeitgenössischer Kunst, die nicht das berücksichtigen, was stattfindet, Ihnen etwas Großartiges zum Nachdenken geben: „Das Regime der Gegenwart wird immer umfassender seiner eigenen Vergangenheit und ewigen Zukunft. Aufgebläht und am Rande der Nützlichkeit reicht es endlos in alle Richtungen., Aber auch die flache Erde, an die die Menschen einst glaubten, und der endlose Himmel des Westens.“
Geschrieben von Angie Kordic, Silka P, Elena Martinique und Natalie P
Alle Bilder nur für illustrative Zwecke.