Immagine e spettacolo
In questa nuova era del consumismo e della televisione, la pubblicità e i mass media sono diventati sempre più pervasivi. Nel 1968, ad esempio, il pubblico americano ha assistito per la prima volta a filmati non censurati della guerra del Vietnam nelle proprie case, fornendo una netta disconnessione con le proprie vite confortevoli mentre assistevano agli orrori della guerra durante la cena., Le immagini sullo schermo riflettevano una nuova realtà ed era spesso più difficile distinguere tra realtà e finzione, in particolare con l’uso diffuso della pubblicità. Jean Baudrillard, un importante filosofo francese, ha definito questa situazione “iperrealtà”, paragonando l’esistenza postmoderna a uno schermo televisivo tremolante: immediato, mutevole e frammentato, senza alcuna verità sottostante. Queste nuove idee hanno ispirato artisti, come Barbara Kruger, che hanno iniziato a rappresentare la superficie piuttosto che qualsiasi verità o significato più profondo. Lo stile e lo spettacolo, più che la sostanza, sono stati i luoghi in cui è stato creato il significato., Questo focus sulla superficie è uno dei componenti chiave di I Shop therefore I Am (1987) di Kruger, così come gran parte della Pop art. Contemporaneamente, è nata un’estetica camp, particolarmente evidente nella moda e nella musica, che attingeva dagli stili passati del gotico e del barocco; più abbagliante, fiammeggiante e scioccante, più efficace. Il lavoro di Jeff Koons è un buon esempio di questo aspetto dell’arte postmoderna.,
Mescolanza di codici estetici
Il modernismo era emerso per la prima volta nella Francia del xix secolo in ribellione contro la preoccupazione storica e figurativa dell’Accademia francese e il suo dominio sul gusto artistico. Le avanguardie che si susseguirono nei primi anni del XX secolo eliminarono gradualmente ogni riferimento a un contesto o soggetto, alla ricerca di una forma di espressione visiva pura e non mediata, radicale e nuova. Questa tendenza raggiunse il suo apogeo con l’espressionismo astratto, che sosteneva la pittura non rappresentativa., Tuttavia, nei decenni che seguirono il movimento, la pittura come mezzo era considerata un cliché con poco spazio lasciato alla sperimentazione. Con l’avvento del postmodernismo, alcuni artisti hanno iniziato ad esplorare gli stili e i media del passato – in particolare la pittura – come parte dell’estetica postmoderna che ha riportato sia lo storico che il soggettivo ma con una mancanza intenzionale di integrità o unità stilistica.
Artisti come Gerhard Richter mescolano giocosamente codici estetici e generi, spostando il significato esistente nelle strutture e creandone di nuovi., Usando metodi di parodia e pastiche, vecchie idee potrebbero essere ricreate in nuovi contesti. Come i dadaisti avevano fatto in precedenza, altri artisti utilizzati collage, assemblaggio, e bricolage che giustapposto testo, immagine, e gli oggetti trovati per creare superfici stratificate. Questa mescolanza di codici è particolarmente evidente nell’architettura degli anni 1980 e 1990, come l’ala Sainsbury della National Gallery, Regno Unito, che combina caratteristiche di due diversi periodi storici in uno spettacolo visivo. Nel film, l’effetto potrebbe essere notevolmente migliorato., Ad esempio, Pulp Fiction (1994) di Quentin Tarantino sfida la narrativa tradizionale, attingendo da più generi e offrendo un montaggio frammentato di personaggi e trame in un ordine arbitrario. Molti artisti si sono anche rivolti alle tecnologie multimediali durante gli anni ’60 e’ 70, assaporando le nuove opportunità che gli sono state offerte per combinare i media e creare spettacolo e sensazione.
Non c’erano solo opportunità con le nuove tecnologie multimediali; dagli anni 1950 e 1960 in poi, c’era un significativo incrocio tra discipline artistiche come le categorie tradizionali sono state sostituite., Una frase postmodernista popolare era “anything goes”, che si riferiva sia a questa crescente cultura di convergenza, sia al crollo della distinzione tra gusto “buono” e “cattivo” e alla difficoltà di assegnare valore o giudicare le opere d’arte in base a criteri tradizionali come nel caso di Jeff Koons. Gli artisti hanno adottato i meccanismi sia dell’arte che delle forme non artistiche, come la pubblicità, utilizzando una moltitudine di media per trasmettere più messaggi.
Originalità e Autenticità
Nel 1917, Marcel Duchamp inserì un orinatoio firmato con un nome fittizio in una mostra e lo chiamò arte., In tal modo ha deriso l’intero fondamento su cui era stata costruita l’istituzione dell’arte. Tradizionalmente, l’unicità e l’originalità davano a un’opera il suo valore o “aura”, sia in termini simbolici che monetari, ed era un concetto preservato attraverso la critica d’arte modernista. Nel 1936, il teorico culturale Walter Benjamin scrisse un saggio seminale intitolato “The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction”, che rielaborò radicalmente questa visione, ponendo accuse di elitarismo ai piedi di figure chiave come Greenberg., Benjamin ha affermato che la riproduzione, attraverso la stampa e altri metodi, potrebbe raggiungere la democratizzazione dell’arte a causa del suo minor valore delle materie prime e una maggiore accessibilità alle masse.
Artisti pop, minimalisti, artisti performativi, artisti concettuali e altri hanno adottato l’ethos di Benjamin, interpretando le sue parole attraverso una vasta gamma di media e tecniche che hanno minato i concetti di autenticità e valore e distorto la mercificazione. Borse e tazze prodotte in serie da Roy Lichtenstein e Andy Warhol, serigrafate con immagini iconiche., Oldenburg, che abbracciò con fervore l’idea che tutto potesse e dovesse essere arte, aprì un negozio dedicato alla vendita di esempi di arte così economici, con prezzi a partire da $21.79. Donald Judd e Sol LeWitt hanno esposto le loro forme ripetitive, ma hanno lasciato il controllo della loro disposizione al curatore; Allan Kaprow, Marina Abramović e gli artisti Fluxus hanno messo in scena performance in cui il pubblico e non l’artista hanno determinato la loro forma e il loro significato. Artisti di tutte le bande, tra cui Warhol, Richter e Koons, erano noti per la loro appropriazione di immagini fotografiche e di altro tipo., All’interno dell’arte femminista degli anni ’70 e di nuovo negli anni’ 90, tra alcuni artisti c’è stato un aumento di interesse per l’idea di paternità collettiva che ha ulteriormente minato le idee tradizionali di creatività e genio artistico che erano state in vigore dal Rinascimento. Artisti come Daniel Buren erano sempre più interessati al processo sociale della creazione artistica piuttosto che all’oggetto d’arte, e ponevano la creazione di significato al punto di interazione., Questa nuova pratica divenne nota come Estetica relazionale e resistette alla mercificazione dell’arte attraverso la sua natura performativa, fornendo una potente critica del mondo dell’arte, un campo che divenne noto come critica istituzionale.
Pluralismo
La ricerca postmoderna di un’arte democratica si estendeva oltre la riproduzione, l’appropriazione e gli esperimenti nella paternità collettiva. L’arte modernista non era vista solo come elitaria, ma anche come bianca, occidentale e dominata dagli uomini., Il postmodernismo ha coinciso con l’aumento del Femminismo, il movimento per i diritti civili, la lotta per i diritti LGBT e postcoloniali pensiero, e provocò una preoccupazione per un più approccio pluralista; in altre parole, molti artisti come Kara Walker e Felix Gonzalez-Torres, ha cominciato ad affrontare argomenti da diversi punti di vista per includere i punti di vista precedentemente rappresentati posizioni (ad indagini ha portato allo sviluppo di Identità Politica e di Arte Queer).,
Inoltre, i filosofi dell’epoca, come Michel Foucault e Antonio Gramsci, si rivolgevano alle idee del post-strutturalismo, che vedeva le istituzioni della società, come le carceri e gli ospedali, come sostenute da sistemi mobili piuttosto che stabili che davano loro una mancanza di significato coerente. L’impatto sulle arti è stata la maggiore rappresentazione di diverse identità multiculturali e anche un trattamento giocoso dell’identità e del sé, evidente nelle prime opere di artisti come Barbara Kruger o Cindy Sherman., Questo vale in particolare per Sherman, il cui lavoro si concentra sulla frattura tra un’identità costruita attraverso il cinema o altri media e la realtà delle esperienze femminili. In questo modo, Sherman richiama l’attenzione del pubblico sul mezzo di produzione e sulla sua natura polisemica, evidenziando il fatto che un’opera d’arte può essere interpretata in qualsiasi modo da un pubblico, resistendo così alle narrazioni dei maestri e all’autorità ultima dell’artista.,
Sviluppi successivi
Esistono attualmente due approcci teorici principali per comprendere il postmodernismo, la sua relazione con il modernismo e il suo posto nel mondo dell’arte contemporanea.
Continuo accumulo sul modernismo
Un argomento è che il postmodernismo sconvolge e continua il modernismo in quanto vi è evidenza di entrambi esistenti nell’arte contemporanea, che è un termine che si riferisce ampiamente a qualsiasi arte creata negli ultimi venti anni, includendo così tutta la produzione artistica di qualsiasi stile., Gli atteggiamenti e gli stili che segnano il postmodernismo possono essere intesi come cambiamenti paradigmatici che segnano una rottura o una crisi nella storia culturale. Da questo punto di vista, l’impatto del pensiero postmoderno, post-coloniale e post-femminista ha scatenato un mare di cambiamenti nell’arte, descritti da scrittori femministi come Rosalind Krauss e Suzanne Lacy. Certamente, la natura diversificata, effimera, globalmente focalizzata, interdisciplinare e collaborativa della pratica artistica contemporanea è informata da atteggiamenti postmodernisti e appare sia persistente che trasformativa., Il postmodernismo pretende di colmare il divario tra cultura “alta” e “bassa” e gusto “buono” e “cattivo”, ma ci sono prove che queste distinzioni rimangono. Nei primi anni 1990, un gruppo di giovani studenti universitari orafi messo insieme uno spettacolo laureato chiamato Sensazioni – un concetto altamente postmoderno. La reazione è stata senza precedenti. Pubblico e critica hanno espresso shock e sgomento per le immagini provocatorie e i riferimenti espliciti a soggetti di” cattivo ” gusto., Il gruppo divenne noto come the Young British Artists (YBAs) e scatenò una rinascita nell’arte concettuale usando tattiche shock per mettere in discussione il significato dell’arte, come Duchamp aveva fatto quasi 80 anni prima. La loro notorietà è persistita, così come il furore per le Sensazioni, fornendo la prova per alcuni che le vecchie gerarchie del gusto del modernismo vivono. Con questo argomento, il postmodernismo non ha sostituito il modernismo, ma coesiste al suo fianco.,
L’età del post postmodernismo
Un’altra visione, che è recentemente emersa in un piccolo ma persuasivo corpo di scrittura, sostiene che siamo passati a un’era post postmodernista. Alcuni scrittori e critici sostengono che il postmodernismo è obsoleto e mettono in discussione il valore di un movimento sostenuto dalla superficialità, dal cinismo e dal nichilismo. Alcuni addirittura sostengono un ritorno ai principi del modernismo, anche se in forme diverse. Edward Docx definisce questa era post-postmoderna “l’età dell’autenticità” caratterizzata da una rinascita di autenticità e artigianalità rispetto allo stile e al concetto., Altri moniker includono “alter modernism”, che è il termine di Nicolas Bourriaud per la cultura “nonstop communication and globalization ” di oggi, e” pseudo modernism”, che è stato coniato da Alan Kirby. Kirby sostiene che c’è stato un passaggio dallo spettacolo del pubblico a una partecipazione più attiva ma banale, citando come prova la cultura della visione della realtà. Questi tentativi di rivendicare la fine del postmodernismo sono di ampio respiro e generalmente non consensuale, ma sono uniti in elementi della loro critica., Sono tutti stanchi dell’implacabilità dell’ironia postmoderna e desiderano un ritorno alla verità e alla realtà. In modi diversi minano il dominio del postmodernismo come modo di pensare o come atteggiamento verso la vita, riducendolo invece a un movimento in una lunga storia di movimenti, uno che è ora nella sua scomparsa.