Suprematismo
Il suprematismo era un altro movimento artistico russo unico che iniziò congiuntamente con il costruttivismo. L’attenzione e l’enfasi sono state poste sul abbraccio dell’astrazione consentita dai dipinti su tela e il Suprematismo è stato il primo movimento d’avanguardia a implementare l’astrazione geometrica nella pittura., Kazimir Malevich è visto come il suo fondatore, ed è stato lui, insieme ai suoi contemporanei che ha contribuito a promuovere l’idea che l’arte dovrebbe essere restituita alla sua base. Ciò spiegava la loro dedizione alla pura astrazione geometrica e l’impiego frequente di forme di base come quadrati, triangoli e cerchi, nonché colori primari e neutri. Fu la pittura di Malevich Bianco su bianco che incarnava il movimento che era strettamente legato, in modo simile al costruttivismo, alla Rivoluzione., Un aspetto importante del suprematismo differiva notevolmente dal costruttivismo, poiché il movimento era strettamente legato alla spiritualità e al misticismo che aggiungevano la forza dell’astrazione. Nel 1927, Malevich pubblicò il suo libro The Non-Objective World che divenne uno dei più importanti documenti teorici sull’arte astratta. In esso, il pittore ha spiegato il ruolo dell’astrazione nei suoi dipinti come mezzo per “liberare l’arte dal peso morto del mondo reale”.
Futurismo
Il futurismo è stato un movimento artistico e sociale che ha avuto origine in Italia nei primi anni del 20 ° secolo, ma ci sono stati movimenti paralleli anche in Russia e in Inghilterra. Ha accentuato la velocità, la tecnologia, la gioventù e la violenza. Abbracciando il cambiamento e collegando gli esseri umani alle macchine e viceversa, con l’enfasi sulla violenza e il trionfo tecnologico dell’umanità sulla natura, questo movimento d’avanguardia è uno dei movimenti più controversi dell’era modernista., Scartare le tradizionali forme artistiche e culturali del passato al centro della piattaforma futurista era, infatti, l’avallo della guerra. Il futurismo, coniato in un manifesto del 1909 da Filippo Marinetti, non si limitava a una sola forma d’arte, ma i suoi artisti lavoravano attraverso una serie di diverse discipline artistiche come la scultura, la ceramica, la grafica, il teatro, il cinema, il tessile, la letteratura e la musica. Argomenti frequenti dell’artista erano automobili, treni, animali, ballerini e grandi folle., Prendendo in prestito l’intersezione di piani dal cubismo, il colore vibrante ed espressivo, insieme alla pennellata dinamica dal fauvismo, l’arte prodotta glorificava le virtù della velocità. Quando la devastazione della prima guerra mondiale fu realizzata, il Futurismo perse il suo vapore.
Cubismo
E’, infatti, Cubismo analitico che è considerato come il più intellettuale di tutti i movimenti d’avanguardia., Il rifiuto dell’idea convenzionale della prospettiva lineare a favore dell’enfasi sul piano dell’immagine bidimensionale scioccò le accademie d’arte d’Europa. Scartando le convenzioni del passato che promuovevano la mimica della natura e l’alto realismo costruito, i cubisti hanno evidenziato la piatta dimensionalità della superficie della tela e la sua unità con la scena raffigurata contribuendo a spianare la strada all’arte non rappresentativa. Come uno dei movimenti più noti dell’era modernista, il cubismo è venuto ad essere associato a due figure principali, Pablo Picasso e Georges Braque., Sono state le loro sperimentazioni, che hanno contribuito a rimodellare la comprensione tradizionale dell’arte e a cambiarne il corso.
Perché un movimento sia considerato un vero movimento d’avanguardia, porta con sé l’implicazione che deve scuotere il nucleo dello status quo. Come la più potente arte di protesta, la forza della nuova arte che viene deve scuotere tutte le idee estetiche e concettuali predisposte su cosa sia l’arte e cosa debba fare., I movimenti sopra menzionati, hanno contribuito a plasmare il resto dell’arte moderna e le loro idee si sono mosse alla maniera di un effetto domino che modella l’eredità dell’arte. Ai suddetti movimenti d’avanguardia dobbiamo la nascita delle idee dell’arte moderna del 20 ° secolo come il Surrealismo, la Pop Art, il Minimalismo e l’Arte concettuale, gli Happening e le performance, il cui impatto sull’arte contemporanea oggi siamo tutti testimoni.
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Avanguardie in Musica, Teatro e Fotografia
La funzione storica delle avanguardie era quella di completare la ridefinizione e la conseguente emancipazione dell’arte iniziata nel corso del Settecento. Concetto inseparabile dal progresso, l’avanguardia esigeva che l’arte venisse rivoluzionata e ridefinita., Sfidando ogni convenzione, regola e idea estetica che potevano identificare, questi artisti volevano guardare oltre l’opera d’arte e porre la domanda sul ruolo dell’arte nella costruzione di un altro mondo. Concordando sul fatto che il passato dovrebbe essere strappato e l’orologio culturale azzerato, questi artisti hanno proposto varie combinazioni di nuovi e vecchi media come performance, impegno politico e metafisica. Come il più radicale e ambizioso di tutti i movimenti, Dada è stato il primo a mettere in discussione il concetto di arte., Con l’introduzione di Duchamp del readymade, la nozione di arte divenne inseparabile dalla questione di cosa sia l’arte. Con il proliferare dei movimenti, questo concetto ha iniziato a raggiungere vari campi come le belle arti, la musica, la fotografia e il teatro.
I Primi Avant Garde Musica
Il Futurismo italiano ha prodotto diversi compositori e manifesti, ma il lavoro seminale di Luigi Russolo, L’Arte dei Rumori, dove ha propagato l’uso industriale e militare rumori di concepire un nuovo tipo di musica. Ha costruito macchine per il rumore tje che replicavano il rumore dell’era industriale e il boom della guerra, ma nessuno di questi strumenti e disegni è sopravvissuto., Questa musica macchina ha avuto una potente influenza su un certo numero di compositori dell’epoca, così come su quelli contemporanei. Eppure non è stato fino alla fine del 1940 che il termine avanguardia è stato finalmente collegato alla musica attraverso il lavoro di compositori collegati alla Scuola estiva di Darmstadt.
Allo stesso tempo, negli Stati Uniti, John Cage, che si considerava un artista sperimentale, aveva una visione più rivoluzionaria. Nel suo famigerato pezzo 4’33’ del 1952 introdusse per la prima volta il silenzio come suono sfidando la nozione di cosa sia la musica., Questa “composizione” consisteva in 4 minuti e 33 secondi di silenzio, ed era più una dichiarazione filosofica che un pezzo musicale. Durante la sua pratica, Cage ha promosso strumenti alterati, suoni della natura, suoni trovati, i movimenti dell’esecutore e del pubblico, rumori casuali allo stato della musica. Ha anche introdotto per la prima volta i concetti di indeterminatezza e casualità nell’esecuzione e ha creato la cosiddetta musica aleatorica., Inoltre, ha creato un concetto di pianoforte preparato, il pianoforte che è stato modificato inserendo vari oggetti nella tavola armonica o tra le corde per influenzare il suono.
John Cage-4 ’33”, interpretato da David Tudor
Gli inizi della musica Elettronica
La fine della seconda guerra mondiale portò il successivo periodo di rivoluzione musicale che si basava sulle idee più radicali dei decenni precedenti e sulle nuove tecnologie che iniziarono ad emergere. Nel 1948, Pierre Schaeffer creò un laboratorio a Parigi per musique concrete per esplorare le teorie di Luigi Russolo., Con questa forma musicale che era un tipo di musica elettronica utilizzando recordnigs, Schaeffer pioniere trovato suoni. L’esempio più famoso di questo genere è stato Poème électronique di Edgard Varèse eseguito da 400 altoparlanti. Karlheinz Stockhausen ha contribuito notevolmente a diffondere tutte le principali tecniche della musica elettronica. Ha sperimentato con elettronica, voce, nastro e vari campioni ed era interessato al modo in cui il suono si muove attraverso lo spazio. Inoltre, ha aperto la strada a sottogeneri di musica da camera elettroacustica nel 1958 e musica elettronica dal vivo nel 1964., L’ascesa del minimalismo non ha saltato la musica come forma. Compositori minimalisti come Steve Reich, Terry Riley, Phillip Glass e La Monte Young hanno composto musica usando accordi semplici e schemi ritmici ripetitivi. Con la proliferazione di nuove forme di musica e l’apertura di vari centri per la musica d’avanguardia, cessò di essere un’esclusiva di celebri compositori e divenne un fenomeno relativamente comune.
Edgar Varèse – Poème électronique
Il jazz d’avanguardia
Il concetto di avanguardia è stato applicato anche agli sviluppi radicali del jazz nero americano tra gli anni 1950 e 1960., Perseguendo le innovazioni tecniche e l’espressione emotiva, il jazz d’avanguardia era un ibrido unico che combinava la tecnica estesa, l’originalità e il genio con le capacità di improvvisazione. Originariamente sinonimo di free jazz, gran parte del jazz d’avanguardia era distinto da quello stile. Come forma d’arte unicamente nera, il jazz d’avanguardia emerse durante le guerre coloniali, le occupazioni, la Guerra fredda e la lotta per l’uguaglianza razziale e di genere, e a causa di queste condizioni rifletteva incertezza e angoscia e celebrava il plebeo e l’assurdo., Offuscando la divisione tra lo scritto e lo spontaneo, il jazz d’avanguardia era intriso di complessità formale e immediatezza emotiva. Tuttavia, il jazz d’avanguardia si distingueva dalle altre avanguardie per le sue pretese sull’arte, non per un rifiuto di essa.
La Nascita della Fotografia Come Medium
L’aumento della fotografia nel 19 ° secolo ha creato un linguaggio completamente nuovo per catturare l’immagine umana e il mondo intorno a noi., In primo luogo a partire come fotografia ritrattistica in studi fotografici, il costo relativamente basso del dagherrotipo ha portato ad un aumento generale della popolarità della fotografia di ritratto su un ritratto dipinto. La fotografia come mezzo era probabilmente d’avanguardia in sé, dal momento che avere un ritratto preso non era più appannaggio dei molto ricchi. Alla fine del XIX secolo, molti fotografi hanno rifiutato le impostazioni tradizionali e hanno iniziato ad espandere il genere della fotografia pittorica e promuoverlo all’arte alta., Quello che è iniziato come un semplice strumento di documentazione, è diventato un vero e proprio mezzo artistico a sé stante. Quando le prime macchine fotografiche di piccolo formato semplici da usare raggiunsero le strade, la fotografia fu completamente democratizzata e rivoluzionata come mezzo con vari approcci d’avanguardia che influenzarono notevolmente la cultura visiva.
La fotografia d’avanguardia
Avendo una potenza espressiva indicibile e diventando un veicolo della coscienza moderna avvenuta dopo la prima guerra mondiale, molti artisti d’avanguardia si sono rivolti alla fotografia per catturare l’anima della società industriale contemporanea., Negli anni ’20 e’ 30 iniziarono ad emergere varie forme e tecniche non convenzionali, come fotogrammi astratti o fotomontaggi. Vari artisti sperimentarono questa potente forma, tra cui László Moholy-Nagy, che ora è considerato un padre della fotografia d’avanguardia, August Sander e Albert Renger-Patzsch.
La fotografia d’avanguardia in Francia, la cui capitale fungeva da centro indiscusso dell’avanguardia internazionale, era radicata nel surrealismo che sosteneva la trasformazione sociale rifiutando i valori e le convenzioni borghesi., I fotografi surrealisti hanno impiegato tecniche come la doppia esposizione, la stampa combinata e la tonalità invertita per creare l’immaginario che offuscava la linea tra il sogno e la realtà. Gli artisti russi El Lissitzky e Alexander Rodchenko hanno fatto uso di varie tecniche che sono servite a rompere le convenzioni della percezione e della rappresentazione visiva come primi piani estremi, orizzonti inclinati o forme astratte.
Questo periodo tra le due guerre è stato certamente uno dei più ricchi della storia fotografica e ha spinto questo mezzo oltre i suoi limiti precedenti., Le opere di fotografi d’avanguardia come Man Ray, Eugene Atget, Andre Kertesz, Claude Cahun o Henri Cartier-Bresson, offrono uno sguardo in questo periodo immensamente produttivo e creativo., Con i paesaggi urbani surreali di Atget intrisi di inquietudine elegiaca e strana stranezza, le composizioni rivoluzionarie di Kertesz, gli esperimenti formali di Ray con i trapianti, la messa in discussione e la destabilizzazione di modelli consolidati di identità di genere, l’acuta sensibilità e l’apprezzamento del momento di Cartier-Bresson, questo approccio creativo e d’avanguardia del periodo prebellico ha cambiato
La nascita del Teatro d’Avanguardia
Simile ad altre forme di teatro d’avanguardia, sperimentale o d’avanguardia emerse come reazione contro una crisi culturale generale percepita e respinse sia l’età che i modi dominanti di scrivere e produrre opere teatrali. Rinunciando ai valori e alle convenzioni borghesi, questo nuovo concetto ha cercato di introdurre una diversa applicazione del linguaggio e del corpo per cambiare la percezione e creare un rapporto più attivo con il pubblico., Questo è iniziato nel 1896 con Alfred Jarry e il suo gioco Ubu Roi che ha rovesciato le regole culturali, le norme e le convenzioni in modo selvaggio, bizzarro e comico. Questo pezzo ha avuto un’importanza rivoluzionaria in quanto ha aperto le porte al modernismo del 20 ° secolo e influenzato il Dada, il Surrealismo e il Teatro dell’Assurdo.
Tradizionalmente percepito come osservatore passivo, il ruolo del pubblico è stato prima sfidato con l’ascesa delle avanguardie., Il pubblico è stato coinvolto in una varietà di modi, come partecipare all’azione su un livello altamente pratico o essere invitato a sentirsi in un certo modo per cambiare i loro atteggiamenti, valori e credenze. Il celebre regista Peter Brook ha descritto questo obiettivo come ” un teatro necessario, in cui c’è solo una differenza pratica tra attore e pubblico, non fondamentale.”Avant garde mirava anche a cambiare il volto sociale del teatro, con artisti che diventavano attivisti culturali di sorta., Questo è stato il caso del teatro didattico agit-prop che mirava a fare una certa dichiarazione morale o politica e sfidare i valori e le credenze del pubblico. L’avanguardia ha anche sfidato e respinto il tradizionale metodo gerarchico di creazione del teatro. Con gli artisti che hanno più libertà interpretativa, sono stati promossi come artisti creativi a pieno titolo. Inoltre, le convenzioni tradizionali di spazio, movimento, umore, tensione, linguaggio e simbolismo sono state alterate.
Il teatro d’avanguardia francese e russo
Il teatro d’avanguardia in Francia è stato significativamente segnato dal Dada e dal Surrealismo. I dadaisti si appropriarono di diversi principi estetici per la creazione del dramma dai futuristi, come l’uso dell’azione simultanea e di un rapporto antagonistico con il pubblico. La produzione di Gas Heart di Tristan Tzara era di per sé una forma di anarchia contro l’arte e in particolare il teatro e ha provocato una lotta tra i suoi sostenitori e detrattori., L’introduzione del Surrealismo da parte di Andre Breton nel 1924, che aveva rotto con Dada due anni prima, segnalò la morte di Dada come influente movimento d’avanguardia. Il surrealismo fu una forza importante nella scrittura sperimentale e le opere teatrali più celebri furono quelle di Antonin Artaud e Gillaume Apollinaire. Il dramma di Artaud Mysteries of Love prodotto nel 1927 fu il primo dramma ad applicare la tecnica surrealista della scrittura automatica. Due amanti nel gioco cambiano costantemente la loro relazione e interagiscono con vari altri personaggi la cui identità si è spostata.,
Nel frattempo, in Russia, il teatro divenne un focolaio di sperimentazione e un potente veicolo per la propaganda rivoluzionaria. Con un libretto in lingua sperimentale “zaum”, una combinazione di lingua madre slava primordiale mescolata a canto degli uccelli e espressione cosmica, e costumi costituiti da triangoli e quadrati monocromi, la prima opera futurista al mondo Victory of the Sun nel 1913 ha suscitato indignazione tra il pubblico. Il costumista era il giovane Kazimir Malevich che per primo iniziò a sperimentare nel teatro prima di sviluppare e articolare la sua visione artistica e le sue idee., Il teatro è stato trasformato da un luogo di naturalismo ed emozione a uno spettacolo fieristico in piena regola. Artisti come Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin, Alexandra Exter e Lyubov Popova hanno creato scenografie e costumi di design radicali e oltraggiosi per un’epoca futuristica che ha ispirato Fritz Lang e persino Flash Gordon. Vsevolod Meyerhold, uno degli attivisti più entusiasti del nuovo teatro sovietico, ha sostenuto l’espressione corporea nella recitazione e ha posto le basi per il moderno teatro fisico. Una pletora di stili artistici generati in questi anni tumultuosi., Come scrisse più tardi Majakovskij, ‘ Il teatro non è uno specchio, ma una lente d’ingrandimento.’
Il Teatro dell’Assurdo
Durante gli anni tra le due guerre, l’avanguardia del teatro era fiorito e vari avant garde teatro movimenti emersi., Ispirato da questi esperimenti teatrali nella prima metà del secolo e dagli orrori della seconda guerra mondiale, il Nuovo Teatro d’avanguardia parigino ha completamente rifiutato le impostazioni teatrali tradizionali, i personaggi, le trame e la messa in scena. Definito dal critico teatrale Martin Esslin come il Teatro dell’Assurdo, ha coinvolto famosi scrittori teatrali come Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet, Arthur Adamov e Fernando Arrabal., Seguendo la filosofia di Albert Camus secondo cui la situazione umana è essenzialmente assurda e priva di scopo, questi autori hanno creato la finzione assurdista che ha dato il nome a questo stile di teatro che si è evoluto dal loro lavoro. Questi giochi erano intrisi della visione pessimistica dell’umanità che è lasciata senza speranza, disorientata e ansiosa. Alcuni dei pezzi teatrali più celebri di questo periodo sono Wainting for Godot di Beckett, Il soprano calvo di Ionesco, The Maids di Genet, The Room di Harold Pinter e Who’s Afraid of Virginia Wolf di Albee., L’eredità e gli echi del Teatro dell’Assurdo potrebbero essere visti in molte opere di drammaturghi successivi.
Avant-Garde Oggi
Secondo quanto detto dalla nostra storia, l’avant-garde è supposto per essere in anticipo sui tempi. Quindi, la logica vuole che le persone abbiano bisogno di un po ‘ di tempo per riconoscere che qualcuno era “in anticipo sui tempi”, altrimenti l’avanguardia non sarebbe davvero all’avanguardia in primo luogo., Nel tempo della nascita della maggior parte dei movimenti storici, era anche un modo per opporsi al modo convenzionale di guardare all’arte e per sfidare l’approccio accademico ad essa. Ma ora che l’accademia è consapevole delle avanguardie storiche, e si schiera anche con l’arte contemporanea, come discernere la vera progressività?,
Perché l’Avanguardia, la Definizione è Così Complesso Oggi
l’arte Contemporanea sta vivendo il migliore dei tempi e il peggiore dei tempi. È preceduto da un vasto numero di movimenti significativi e informato dalle domande già risolte, che potrebbero essere considerate un vantaggio o rivelarsi un handicap limitante. Alcuni sono ancora infastiditi dal fatto che l’arte è difficile da definire, dando la colpa alle avanguardie., E mentre questi commenti sono spesso al di là del punto, non sarebbe male riconsiderare l’eredità che le avanguardie ci hanno lasciato. Sì, ci ha dato molto di cui essere grati, fornendoci milioni di modi diversi di approcciare l’arte, non solo come forma tradizionale ma anche come readymade, un assemblaggio, una performance, un happening, un atto, un documento, un’installazione, come la chiami. Ma d’altra parte, non sperimentiamo tutti, occasionalmente, la sensazione di disagio di vivere in un mondo in cui tutto è già stato detto e fatto, chiedendoci, che cosa ora?,
Pseudo-Autonomia dell’Arte Contemporanea
C’è un’altra cosa che rende la questione del “contemporaneo d’avanguardia”, di difficile soluzione, e che è la prevalenza di critica che di solito hanno l’obiettivo di interpretare l’arte, a modo loro, e di presentare alcune opere d’arte come a qualcosa che sostanzialmente non sono., Ciò che accade di conseguenza è che, nella mancanza di parole fornite dagli artisti stessi, l’arte si trasforma facilmente in una materia flessibile che cambia forma quando si passa da un’interpretazione all’altra. D’altra parte, la maggior parte dei movimenti d’avanguardia aveva un manifesto che spiegava il loro sentimento, apertamente o implicitamente. Oggi, non siamo così abituati ad artisti che sono i loro “curatori”, o anche formare gruppi e movimenti. Il presunto movimento artistico, o un leitmotiv unificante che riunisce un gruppo, di solito è personalizzato da qualcun altro.,
Essere Cool vs. Essere all’avanguardia-La YBAs
Riconoscere l’avanguardia nell’arte di oggi significa correre il rischio di proclamare qualcosa di rilevante per il futuro, preferibilmente riformista, anche illuministico., Nel nostro recente passato, alcuni cosiddetti movimenti sembravano aver inteso raggiungere questi obiettivi, ma è ancora incerto se la loro energia collettiva fosse all’avanguardia, o semplicemente di tendenza. Proprio come è successo nel nostro lontano passato, è successo anche nel nostro recente passato – la maggior parte delle scoperte significative inizia con una singola mostra. Molti sarebbero d’accordo sul fatto che Freeze, guidato da Damien Hirst nel 1988, abbia segnato un punto di svolta nella carriera di artisti i cui nomi sono stati associati a giovani artisti britannici in seguito., Gli YBAS sono diventati un gruppo storico, anche se i nomi della lista sono stati aggiunti e cancellati nel tempo. Essendo che la maggior parte di questi artisti proveniva dalla stessa scuola (Orafi) e presumibilmente sostenevano uno stile di vita particolarmente selvaggio e spensierato, gli YBA sembravano, in effetti, essere un vero gruppo. Tuttavia, quando si tratta della loro arte, mentre era principalmente basata sulle tattiche shock che rimanevano il comune denominatore nel loro lavoro, era caratterizzata da una deliberata diversità di stile., A parte il fatto che la maggior parte di loro si è rivelata essere grandi imprenditori, in grado di trarre vantaggio sia dalla pubblicità positiva che negativa, ci vorrebbe un altro articolo per discutere se gli YBA (come gruppo) sono stati particolarmente costruttivi per quanto riguarda l’arte stessa. Dopotutto, non sono stati i primi a usare “shock” come metodo.,
Probabilmente Avant-Garde – Estetica Relazionale
un Altro tentativo di definire qualcosa di rivoluzionario nicolas Bourriaud, nel 1996, dopo la mostra a cura di Traffico. Anche se alcuni degli artisti che vi hanno preso parte ignorano il termine fino ad oggi (e si prendono un momento per ricordare il già citato problema dei curatori che vedono qualcosa che non c’è) Bourriaud ha visto la mostra come esemplare di qualcosa di fresco., E ‘ stato il punto di partenza per la sua definizione di Estetica relazionale, che è stato percepito un nuovo “ismo” da alcuni, e respinto come una reiterazione del già esistente da altri. In breve, è definita come arte che si basa sul contesto sociale e sulla rete di relazioni umane, che servono a decifrare l’opera d’arte stessa. In altre parole, l’opera d’arte è un mediatore, un’interfaccia il cui valore non si misura nelle sue qualità fisiche, ma attraverso la sua capacità di tradurre le informazioni tra l’artista e lo spettatore, contando sulla risposta dello spettatore per completare il suo scopo., Nel caso in cui non l’avessi notato, l’idea di un tale artefatto è strettamente connessa alle opportunità fornite da Internet, ma il nostro rapporto con Internet non era pienamente riconosciuto allora. Quindi non avremmo torto a dire che la capacità del curatore francese di trarre conclusioni preziose da un fenomeno nuovo era piuttosto all’avanguardia.,
Potenzialmente Rivoluzionaria – Arte Influenzato da Object Oriented Ontologia
Quasi una coincidenza, ma pare un po ‘ più tardi, un altro movimento ufficialmente emerso nella filosofia contemporanea, e la sua attuale e potenziale influenza sull’arte non può essere sottovalutata. L’ontologia orientata agli oggetti parla di un mondo in cui viviamo, da un’angolazione che non abbiamo mai considerato prima, ponendo l’oggetto al posto dell’uomo., Così si può dimenticare l’antropocentrismo di Kant e abbracciare una nuova era in cui la razza umana passa il suo titolo agli oggetti, ad esempio robot, macchine, byte, in cui non rendiamo più gli oggetti come dipendenti dalla nostra interpretazione o anche dal nostro nudo riconoscimento. ” I reperti non sono esposti a noi, siamo quelli esposti a loro ” è stato come Pierre Huyghe affrontato la questione. Con questo in mente, potremmo essere in attesa dell’influenza di OOO sull’arte in futuro, e osservare come il transumanismo influenzi già alcuni degli artisti etichettati come artisti post-internet.,
Così Kitsch Che Diventa Arte – Kitsch Arte
Ma se consideriamo l’avant-garde come avversaria per la definizione accademica di arte, si potrebbe dire che lobrow è la nuova avant-garde. Perché, perché no. Non è così difficile credere che il 21 ° secolo Duchamp avrebbe respinto tutta la “progressività” di oggi e ignorare l’arte contemporanea e persino il readymade, e alla fine abbracciare il surrealismo pop come un movimento ovviamente incurante e stordito., Se c’è qualcosa che manca gravemente nell’arte del 21 ° secolo, è la felicità – vera felicità, speranza, gioia, gioia, che contribuiscono a una visione positiva e spensierata della vita, che in qualche modo è stata associata al kitsch piuttosto che all’arte. Qualcosa di veramente fresco, nel mondo di oggi, significherebbe qualcosa di affermativo, che non mira a sfidare o mettere in discussione nulla, ma piuttosto ad accontentarsi delle cose, così come sono.,
L’avanguardia contemporanea è irraggiungibile?
Essere in anticipo sui tempi, nel 21 ° secolo, è quasi impossibile. L’impressione generale che il tempo è costantemente accelerando è un problema per cominciare., Con le informazioni che viaggiano veloci come un tocco sullo schermo, tradurre le idee diventa più facile, ma anche la nostra presunta comprensione di quelle idee (presunta, perché nel peggiore dei casi, siamo un po ‘ più facilmente convinti di capirle). Come possiamo dire se qualcosa è in anticipo sui tempi, se la nostra percezione del tempo non è chiara? Il nuovo si consuma più velocemente che mai, e anche se il tempo è curvo e il passato si ripresenta in qualche forma, difficilmente abbiamo il tempo di riconoscerlo. Essere all’avanguardia negli anni 2010 significa essere più grandi, migliori, più audaci dell’arte contemporanea., Come si realizza, quando l’arte contemporanea include tutto ciò che riguarda lo spirito del nostro tempo? O è tutta l’arte contemporanea avanguardia di deafult?
Invece di una vera conclusione, lasceremo che le ultime frasi di Contemporary art does not account di Liam Gillick per ciò che sta avvenendo ti diano qualcosa di grande a cui pensare: “Il regime del contemporaneo diventa sempre più inclusivo del proprio passato e del proprio futuro eterno. Gonfio e al limite dell’utilità, si estende all’infinito in tutte le direzioni., Ma così ha fatto la terra piatta in cui la gente una volta credeva, e così ha fatto il cielo infinito dell’Occidente.”
Scritto da Angie Kordic, Silka P, Elena Martinique e Natalie P
Tutte le immagini solo a scopo illustrativo.