Beeld en spektakel
In dit nieuwe tijdperk van consumentisme en televisie kwamen reclame en massamedia steeds meer voor. In 1968, bijvoorbeeld, was het Amerikaanse publiek voor het eerst getuige van ongecensureerde beelden van de Vietnamoorlog in hun eigen huizen, waardoor ze een grimmige disconnectie kregen met hun eigen comfortabele leven terwijl ze getuige waren van de verschrikkingen van de oorlog tijdens het diner., Beelden op het scherm reflecteerden een nieuwe realiteit en het was vaak moeilijker om een onderscheid te maken tussen feit en fictie, met name door het wijdverbreide gebruik van reclame. Jean Baudrillard, een prominente Franse filosoof, noemde deze situatie “hyperrealiteit”, waarbij hij het postmoderne bestaan vergeleek met een flikkerend TV-scherm: onmiddellijk, verschuivend en gefragmenteerd, zonder onderliggende waarheid. Deze nieuwe ideeën inspireerden kunstenaars, zoals Barbara Kruger, die het oppervlak begon af te beelden in plaats van enige waarheid of diepere betekenis. Stijl en spektakel, in plaats van substantie, was waar betekenis werd gecreëerd., Deze focus op surface is een van de belangrijkste onderdelen van Kruger ‘ s I Shop therefore I Am (1987) en veel van de popart. Tegelijkertijd werd een kamp esthetiek geboren, vooral zichtbaar in Mode en muziek, die putte uit vroegere stijlen van Gothic en barok; hoe meer oogverblindend, flamboyant en schokkend – hoe effectiever. Het werk van Jeff Koons is een goed voorbeeld van dit aspect van de postmoderne kunst.,het modernisme ontstond voor het eerst in het 19e-eeuwse Frankrijk in opstand tegen de historische en figuratieve preoccupatie van de Franse Academie en haar dominantie over artistieke smaak. De avant-garde bewegingen die volgden in het begin van de 20e eeuw elimineerden geleidelijk alle verwijzingen naar een context of onderwerp, op zoek naar een zuivere en onmiddellijke vorm van visuele expressie die radicaal en nieuw was. Deze trend bereikte zijn hoogtepunt met het Abstract Expressionisme, dat niet-representationele schilderkunst bepleitte., Echter, in de decennia die volgden op de beweging, werd schilderen als medium beschouwd als cliché met weinig ruimte om te experimenteren. Met de komst van het postmodernisme begonnen sommige kunstenaars met het verkennen van vroegere stijlen en media – met name de schilderkunst – als onderdeel van de postmoderne esthetiek die zowel het historische als het subjectieve terugbracht, maar met een doelgericht gebrek aan stilistische integriteit of eenheid.
kunstenaars zoals Gerhard Richter mengden op speelse wijze esthetische codes en genres, waardoor bestaande betekenis in structuren werd vervangen en nieuwe werden gecreëerd., Met behulp van parodie-en pastiche methoden konden oude ideeën in nieuwe contexten worden herschapen. Zoals de dadaïsten eerder hadden gedaan, gebruikten andere kunstenaars collage, assemblage en bricolage die tekst, beeld en objecten naast elkaar legden om gelaagde oppervlakken te creëren. Deze vermenging van codes is vooral zichtbaar in de architectuur van de jaren tachtig en negentig, zoals de Sainsbury-vleugel van de National Gallery, Verenigd Koninkrijk, die kenmerken uit twee verschillende historische periodes combineert tot één visueel spektakel. In film kan het effect aanzienlijk worden versterkt., Zo trotseert Quentin Tarantino ‘ s, Pulp Fiction (1994) het traditionele verhaal, waarbij ze uit meerdere genres putten en een gefragmenteerde montage van personages en plots in willekeurige volgorde aanbieden. In de jaren zestig en zeventig gingen veel kunstenaars ook over op multimediatechnologieën, waarbij ze genoten van de nieuwe mogelijkheden die ze kregen om media te combineren en spektakel en sensatie te creëren.
Er waren niet alleen mogelijkheden met nieuwe multimediatechnologieën; vanaf de jaren vijftig en zestig was er een belangrijke kruising tussen artistieke disciplines, omdat traditionele categorieën werden vervangen., Een populaire postmodernistische uitdrukking was “anything goes”, die zowel verwees naar deze groeiende convergentiecultuur als naar de ineenstorting van het onderscheid tussen” goede “en” slechte ” smaak en de moeilijkheid om waarde toe te kennen of kunstwerken te beoordelen op basis van traditionele criteria zoals in het geval van Jeff Koons. Kunstenaars adopteerden de mechanismen van zowel kunst als niet-kunstvormen, zoals reclame, met behulp van een veelheid aan media om meerdere boodschappen over te brengen.
originaliteit en authenticiteit
In 1917 plaatste Marcel Duchamp een urinoir ondertekend met een fictieve naam in een tentoonstelling en noemde het kunst., Daarmee bespotte hij de gehele funderingen waarop de kunstinstelling was gebouwd. Traditioneel gaven uniciteit en originaliteit een kunstwerk zijn waarde of “aura”, zowel in symbolische als in monetaire termen, en was een concept bewaard gebleven door modernistische kunstkritiek. In 1936 schreef cultuurtheoreticus Walter Benjamin een baanbrekend essay getiteld “The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction”, dat deze visie radicaal herwerkte en de lasten van elitisme legde aan de voeten van sleutelfiguren zoals Greenberg., Benjamin beweerde dat reproductie, door middel van drukwerk en andere methoden, de democratisering van de kunst zou kunnen bereiken vanwege de lagere waarwaarde en de grotere toegankelijkheid voor de massa ‘ s.
popartiesten, minimalisten, performancekunstenaars, conceptuele kunstenaars en anderen namen Benjamin ‘ s ethos over en interpreteerden zijn woorden door middel van een breed scala aan media en technieken die concepten van authenticiteit en waarde ondermijnden en de commotisering vervormd. Roy Lichtenstein en Andy Warhol massaproductie tassen en mokken, zeefdruk met iconische beelden., Oldenburg, die vurig omarmde het idee dat alles kunst kon en zou moeten zijn, opende een winkel die was gewijd aan de verkoop van dergelijke goedkope voorbeelden van kunst, met prijzen vanaf $21,79. Donald Judd en Sol LeWitt exposeerden hun repetitieve vormen, maar lieten de controle over hun arrangement over aan de curator; Allan Kaprow, Marina Abramović, en de Fluxus kunstenaars zetten op uitvoeringen waarin het publiek en niet de kunstenaar hun vorm en betekenis bepaalden. Kunstenaars van alle strepen, waaronder Warhol, Richter en Koons, stonden bekend om hun toe-eigening van fotografische en andere beelden., Binnen de feministische kunst van de jaren 1970 en opnieuw in de jaren 1990, onder bepaalde kunstenaars was er een golf van interesse in het idee van collectieve auteurschap dat verder ondermijnde traditionele ideeën van creativiteit en artistieke genie dat was in de plaats sinds de Renaissance. Kunstenaars als Daniel Buren hielden zich meer bezig met het maatschappelijke proces van kunst maken dan met het kunstobject en plaatsten het creëren van betekenis op het punt van interactie., Deze nieuwe praktijk werd bekend als relationele esthetiek, en verzette zich tegen de commercialisering van kunst door haar performatieve karakter, waardoor een krachtige kritiek op de kunstwereld, een gebied dat bekend kwam te staan als institutionele kritiek.
pluralisme
het postmoderne streven naar een democratische kunst die verder gaat dan reproductie, toe-eigening en experimenten in collectief auteurschap. Modernistische kunst werd niet alleen gezien als elitair, maar ook als blank, Westers en door mannen gedomineerd., Het postmodernisme viel samen met de opkomst van het feminisme, de burgerrechtenbeweging, De strijd voor LGBT-rechten en het postkoloniale denken, en lokte de zorg uit voor een meer pluralistische benadering; met andere woorden, veel kunstenaars zoals Kara Walker en Felix Gonzalez-Torres begonnen onderwerpen vanuit meerdere perspectieven te benaderen om de standpunten van eerder ondervertegenwoordigde posities te omvatten (dergelijke onderzoeken leidden tot de ontwikkeling van identiteitspolitiek en Queer Art).,daarnaast richtten filosofen uit die tijd, zoals Michel Foucault en Antonio Gramsci, zich op de ideeën van het post-structuralisme, dat de instellingen van de samenleving, zoals gevangenissen en ziekenhuizen, zag als ondersteund door verschuivende in plaats van stabiele systemen, waardoor ze een gebrek aan coherente betekenis kregen. De impact op de kunst was de toegenomen representatie van diverse, multiculturele identiteiten en ook een speelse behandeling van identiteit en het vanzelfsprekende in de vroege werken van kunstenaars als Barbara Kruger of Cindy Sherman., Dit geldt in het bijzonder voor Sherman, wiens werk zich richt op de kloof tussen een identiteit die door film of andere media is opgebouwd en de realiteit van de ervaringen van vrouwen. Hiermee vestigt Sherman de aandacht van het publiek op de productiemiddelen en de polysemische aard ervan, waarbij hij benadrukt dat een kunstwerk op allerlei manieren door een publiek kan worden geïnterpreteerd, waardoor hij zich verzet tegen meesterverhalen en het uiteindelijke gezag van de kunstenaar.,
latere ontwikkelingen
Er zijn momenteel twee belangrijke theoretische benaderingen om het postmodernisme te begrijpen, zijn relatie tot het modernisme en zijn plaats in de hedendaagse kunstwereld.
voortdurende opbouw van het modernisme
Eén argument is dat het postmodernisme zowel het modernisme verstoort als voortzet, aangezien er bewijs is dat beide bestaan in de hedendaagse kunst, wat een term is die in grote lijnen verwijst naar elke kunst die in de afgelopen twintig jaar is gecreëerd, en dus alle kunstproductie van elke stijl omvat., De houdingen en stijlen die het postmodernisme markeren kunnen worden begrepen als paradigmatische verschuivingen die een breuk of crisis in de cultuurgeschiedenis markeren. Vanuit dit gezichtspunt heeft de impact van het postmoderne, postkoloniale en postfeministische denken een zee van verandering in de kunst teweeggebracht, beschreven door feministische schrijvers als Rosalind Krauss en Suzanne Lacy. Zeker, de diverse, vergankelijke, wereldwijd gerichte, cross-disciplinaire en collaboratieve aard van de hedendaagse kunstpraktijk wordt bepaald door postmodernistische attitudes en lijkt zowel hardnekkig als transformatief., Het postmodernisme beweert de kloof te dichten tussen “hoge” en “lage” cultuur en “goede” en “slechte” smaak, maar er is bewijs dat dit onderscheid blijft bestaan. In de vroege jaren 1990, een groep jonge Goudsmeden studenten samen te stellen een afgestudeerde show genaamd Sensations – een zeer postmodern concept. De reactie was ongekend. Zowel het publiek als de critici toonden zich geschokt en verontwaardigd over de provocerende beelden en expliciete verwijzingen naar onderwerpen met een “slechte” smaak., De groep werd bekend als The Young British Artists (YBAs) en leidde tot een opleving in de conceptuele kunst met behulp van schoktactieken om de Betekenis van kunst in vraag te stellen, zoals Duchamp bijna 80 jaar eerder had gedaan. Hun bekendheid is blijven bestaan, evenals de furore over sensaties, die voor sommigen het bewijs leveren dat de oude smaakhiërarchieën van het modernisme voortleven. Met dit argument heeft het postmodernisme het modernisme niet vervangen, maar naast het modernisme bestaan.,
The Age of Post Postmodernism
een andere visie, die onlangs naar voren is gekomen in een klein maar overtuigend lichaam van schrijven, stelt dat we zijn verhuisd naar een post postmodernistisch Tijdperk. Sommige schrijvers en critici beweren dat het postmodernisme verouderd is en ze stellen de waarde van een beweging in vraag die wordt ondersteund door oppervlakkigheid, cynisme en nihilisme. Sommigen pleiten zelfs voor een terugkeer naar de principes van het modernisme, zij het in verschillende vormen. Edward Docx noemt dit post-postmoderne Tijdperk het” tijdperk van authenticiteit ” dat gekenmerkt wordt door een opleving van authenticiteit en vakmanschap boven stijl en concept., Andere namen zijn “alter modernism”, wat Nicolas Bourriaud ’s term is voor de” non-stop communicatie en globalisering “cultuur van vandaag, en” pseudo modernism”, dat werd bedacht door Alan Kirby. Kirby beweert dat er een verschuiving is geweest van het publiek toeschouwers naar een meer actieve maar triviale deelname, met als bewijs de reality-TV-kijken cultuur. Deze pogingen om het einde van het postmodernisme te claimen zijn breed opgezet en over het algemeen niet-consensueel, maar zijn verenigd in elementen van hun kritiek., Ze zijn allemaal moe van de meedogenloze postmoderne ironie, en verlangen naar een terugkeer naar waarheid en werkelijkheid. Op verschillende manieren ondermijnen ze de dominantie van het postmodernisme als een manier van denken of als een houding ten opzichte van het leven, in plaats daarvan herleiden tot een beweging in een lange geschiedenis van bewegingen, een die nu in zijn ondergang is.