bild och skådespel
i denna nya tid av konsumism och TV blev reklam och massmedia alltmer genomgripande. I 1968, till exempel, den amerikanska allmänheten bevittnade ocensurerade bilder av Vietnamkriget i sina egna hem för första gången, vilket ger en stark koppling med sina egna bekväma liv som de bevittnade krigets fasor över middagen., Bilder på skärmen återspeglade en ny verklighet och det var ofta svårare att skilja mellan fakta och fiktion, särskilt med den utbredda användningen av reklam. Jean Baudrillard, en framstående fransk filosof, kallade denna situation ”hyperrealitet”, som liknar postmodern existens till en flimrande TV-skärm: omedelbar, skiftande och fragmenterad, utan underliggande sanning. Dessa nya idéer inspirerade konstnärer, som Barbara Kruger, som började skildra ytan snarare än någon sanning eller djupare mening. Stil och skådespel, snarare än substans, var där mening skapades., Detta fokus på ytan är en av de viktigaste komponenterna i Kruger ’ S I Shop därför är jag (1987) samt mycket av popkonst. Samtidigt föddes ett läger estetik, särskilt tydligt i mode och musik, som drog från tidigare stilar av gotiska och barock; ju mer bländande, flamboyant och chockerande – desto effektivare. Jeff Koons arbete är ett bra exempel på denna aspekt av postmodern konst.,
blandning av estetiska koder
modernismen hade först uppstått i 19th century Frankrike i uppror mot den historiska och figurativa upptagenhet av den franska akademin och dess dominans över konstnärlig smak. Avantgarderörelserna som följde i början av 1900-talet eliminerade gradvis alla referenser till ett sammanhang eller ämne, på jakt efter en ren och obemannad form av visuellt uttryck som var radikalt och nytt. Denna trend nådde sin apogee med abstrakt Expressionism, som kämpade för icke-representativ målning., Men under de årtionden som följde rörelsen betraktades målning som ett medium som kliché med lite utrymme kvar för experiment. Med tillkomsten av postmodernismen började vissa konstnärer utforska tidigare stilar och media – särskilt målning – som en del av den postmoderna estetiken som gav tillbaka både den historiska och den subjektiva men med en målmedveten brist på stilistisk integritet eller enhet.
artister som Gerhard Richter lekfullt blandade estetiska koder och genrer, förskjuta befintlig mening i strukturer och skapa nya., Med hjälp av metoder för parodi och pastiche kan gamla idéer återskapas i nya sammanhang. Som dadaisterna hade gjort tidigare använde andra artister collage, assemblage och bricolage som sammanfogade text, bild och hittade objekt för att skapa skiktade ytor. Denna blandning av koder är särskilt tydligt i arkitekturen av 1980-och 1990-talet, såsom Sainsbury Wing of the National Gallery, Storbritannien som kombinerar funktioner från två olika historiska perioder till ett visuellt spektakel. I film kan effekten förbättras avsevärt., Quentin Tarantinos, Pulp Fiction (1994) trotsar till exempel traditionell berättelse, ritar från flera genrer och erbjuder en fragmenterad montage av tecken och tomter i godtycklig ordning. Många konstnärer vände sig också till multimedia teknik under 1960-och 1970-talet, njuta av de nya möjligheter som de fick för att kombinera media och skapa skådespel och sensation.
det fanns inte bara möjligheter med ny multimedieteknik; från 1950 – och 1960-talet och framåt var det en betydande övergång mellan konstnärliga discipliner eftersom traditionella kategorier ersattes., En populär postmodernistisk fras var ”allt går”, som hänvisade både till denna växande konvergenskultur samt till kollapsen av skillnaden mellan ”bra” och ”dålig” smak och svårigheten att tilldela värde eller döma konstverk baserat på traditionella kriterier som i fallet med Jeff Koons. Konstnärer antog mekanismerna för både konst och icke-konstformer, såsom reklam, med hjälp av en mängd media för att förmedla flera meddelanden.
originalitet och äkthet
1917 placerade Marcel Duchamp en urinoar signerad med ett fiktivt namn i en utställning och kallade det konst., På så sätt hånade han hela grunden på vilken konstinstitutionen hade byggts. Traditionellt gav unikhet och originalitet ett konstverk sitt värde eller ”aura”, både i symboliska och monetära termer, och var ett koncept bevarat genom modernistisk konstkritik. 1936 skrev Kulturteoretiker, Walter Benjamin, en seminal uppsats med titeln ”The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction”, som radikalt omarbetade denna uppfattning och lade anklagelser om elitism vid foten av nyckelfigurer som Greenberg., Benjamin hävdade att reproduktion, genom tryckning och andra metoder, kunde uppnå demokratisering av konst på grund av dess lägre råvaruvärde och ökad tillgänglighet till massorna.
popartister, minimalister, performanceartister, konceptuella artister och andra antog Benjamins ethos och tolkade hans ord genom ett varierat utbud av media och tekniker som undergrävde begreppen äkthet och värde och förvrängd commoditization. Roy Lichtenstein och Andy Warhol massproducerade väskor och muggar, screentryckt med ikoniska bilder., Oldenburg, som innerligt omfamnade tanken att allt kunde och borde vara konst, öppnade en butik som ägnades åt att sälja sådana billiga exempel på konst, med priser som började på $21.79. Donald Judd och Sol LeWitt uppvisade sina repetitiva former, men lämnade kontroll över sitt arrangemang till curatorn; Allan Kaprow, Marina Abramović och Fluxus-artisterna satte på föreställningar där publiken och inte konstnären bestämde sin form och mening. Konstnärer av alla slag, inklusive Warhol, Richter och Koons, var kända för deras anslag av fotografiska och andra bilder., Inom feministisk konst från 1970-talet och igen på 1990-talet var det bland vissa konstnärer en ökning av intresset för tanken på kollektivt författarskap som ytterligare undergrävde traditionella idéer om kreativitet och konstnärligt geni som hade funnits sedan renässansen. Konstnärer som Daniel Buren var alltmer oroade över den sociala processen att göra konst snarare än konstobjektet och placerade skapandet av mening vid interaktionen., Denna nya praxis blev känd som relationell estetik, och motstod commoditization of art genom sin performativa natur, vilket gav en kraftfull kritik av konstvärlden, ett område som kom att kallas institutionell kritik.
Pluralism
den postmoderna strävan efter en demokratisk konst som sträcker sig utöver reproduktion, anslag och experiment i kollektivt författarskap. Modernistisk konst sågs inte bara som elitistisk utan också som vit, västerländsk och mansdominerad., Postmodernismen sammanföll med den ökade feminismen, medborgarrättsrörelsen, kampen för HBT-rättigheter och postkolonial tanke och provocerade en oro för ett mer pluralistiskt tillvägagångssätt.med andra ord började många artister som Kara Walker och Felix Gonzalez-Torres ta upp ämnen från flera perspektiv för att inkludera synpunkter från tidigare underrepresenterade positioner (sådana undersökningar ledde till utvecklingen av identitetspolitik och Queerkonst).,
dessutom vände sig filosoferna vid den tiden, som Michel Foucault och Antonio Gramsci, till idéerna om post-structuralism, som förstod samhällets institutioner, såsom fängelser och sjukhus, som underbyggda genom att flytta snarare än stabila system som ger dem en brist på sammanhängande mening. Effekten på konsten var den ökade representationen av olika, mångkulturella identiteter och också en lekfull behandling av identitet och det självklara i de tidiga verk av konstnärer som Barbara Kruger eller Cindy Sherman., Detta gäller särskilt Sherman, vars arbete fokuserar på klyftan mellan en identitet konstruerad genom film eller andra medier och verkligheten av kvinnors erfarenheter. På så sätt drar Sherman publikens uppmärksamhet på produktionsmedlen och dess polysemiska natur, vilket belyser det faktum att ett konstverk kan tolkas på många sätt av en publik och därmed motstå mästarberättelser och konstnärens ultimata auktoritet.,
senare utveckling
det finns för närvarande två huvudsakliga teoretiska metoder för att förstå postmodernismen, dess förhållande till modernismen och dess plats i den samtida konstvärlden.
kontinuerlig uppbyggnad av modernismen
ett argument är att postmodernismen både stör och fortsätter modernismen eftersom det finns bevis på både existerande inom samtida konst, vilket är en term som i stort sett hänvisar till någon konst som skapats under de senaste tjugo åren, vilket omfattar all konstproduktion av vilken stil som helst., De attityder och stilar som markerar postmodernism kan förstås som paradigmatiska skift som markerar en bristning eller kris i kulturhistorien. Ur denna synvinkel har effekten av postmodern, postkolonial och postfeministisk tanke väckt ett hav av förändring i konst, som beskrivs av feministiska författare som Rosalind Krauss och Suzanne Lacy. Visst är den mångsidiga, efemära, globalt fokuserade, tvärvetenskapliga och kollaborativa karaktären av samtida konstpraxis informerad av postmodernistiska attityder och verkar både ihållande och transformativa., Postmodernismen hävdar att man stänger klyftan mellan” hög ”och” låg ”kultur och” bra ”och” dålig ” smak, men det finns bevis för att dessa skillnader kvarstår. I början av 1990-talet, en grupp unga Goldsmiths studenter sätta ihop en graduate show som heter Sensations – en mycket postmodern koncept. Reaktionen var aldrig tidigare skådad. Offentliga och kritiker uttryckte både chock och appall på provocerande bilder och uttryckliga hänvisningar till ämnen av ”dålig” smak., Gruppen blev känd som unga brittiska konstnärer (YBAs) och utlöste en väckelse i konceptuell konst med hjälp av chock taktik för att ifrågasätta konst mening, som Duchamp hade gjort nästan 80 år tidigare. Deras ryktbarhet har kvarstått, liksom furor över känslor, vilket ger bevis för vissa att modernismens gamla smakhierarkier lever vidare. Med detta argument har postmodernismen inte ersatt modernismen utan samexisterar vid sidan av den.,
postmodernismens ålder
en annan uppfattning, som nyligen har uppstått i ett litet men övertygande skrivorgan, hävdar att vi har gått vidare till en postmodernistisk era. Vissa författare och kritiker hävdar att postmodernismen är föråldrad och de ifrågasätter värdet av en rörelse som upprätthålls av ytlighet, cynism och nihilism. Vissa argumenterar även för en återgång till modernismens principer, om än i olika former. Edward Docx kallar denna post-postmoderna era ”Äkthetsåldern” som kännetecknas av en återupplivning av äkthet och hantverk över stil och koncept., Andra monikers inkluderar ”alter modernism”, som är Nicolas Bourriauds term för dagens ”nonstop communication and globalization” kultur och ”pseudo modernism”, som myntades av Alan Kirby. Kirby hävdar att det har skett en övergång från publik åskådare till ett mer aktivt men trivialt deltagande, med hänvisning till verkligheten-TV-tittar kultur. Dessa försök att göra anspråk på slutet av postmodernismen är omfattande och i allmänhet okonsensuella men är förenade i delar av deras kritik., De är alla trötta på obarmhärtigheten hos postmodern ironi, och längtar efter någon återgång till sanning och verklighet. På olika sätt undergräver de postmodernismens dominans som ett sätt att tänka eller som en inställning till livet, vilket minskar det istället till en rörelse i en lång rörelsehistoria, en som nu är i sin död.